Musica Clasica BLOGCLASiCO Cultura Musical

Hans Rott Genio Delirante y Desequilibrado

2011-06-28T20:47:00.006-03:00

Musica Clasica Las Obras de Grandes Autores Compositores e Interpretes de la Historia de la Musica Culta Internacional.Vida y Obras, Videos, Musica y Critica de Hans Rott (1858-1884)Desde 1874 hasta 1878 estudió en el Conservatorio de Música y Artes Escénicas de la Sociedad de Amigos de la Música en Viena: piano con Leopold Landskron, órgano con Anton Bruckner, la armonía con Hermann Grädener y composición con Franz Krenn (junto con Gustav Mahler y otros).Fue un compositor austríaco.Su temprana muerte truncó una prometedora carrera como compositor, que debía alcanzar, incluso, el nivel de sus compañeros de estudio. Su música es poco conocida en la actualidad, aunque en su tiempo fue alabada por músicos tan meritorios como Mahler y Bruckner.Además, estudió órgano con Anton Bruckner, comenzando en 1874 y graduándose con honores en 1877. Bruckner reconoció a Rott como un muy buen intérprete de Bach, e incluso como un maravilloso improvisador (un alto elogio, puesto que el propio Bruckner fue un gran improvisador). Rott no tardó en recibir la influencia de la música de Richard Wagner, asistiendo a la primera edición del Festival de Bayreuth en 1876.Durante este tiempo, Rott trabajó como organista en la iglesia pietista "Maria Treu" de Viena.

Hans Rott - Symphony in E major (1880)

En su último año de estudiante, 1878, Rott presentó el primer movimiento de su Sinfonía en mi mayor a un concurso de composición. Los miembros del jurado -a excepción de Anton Bruckner- se burlaron del trabajo. Después de terminar la sinfonía en 1880, Rott la presentó a Johannes Brahms y a Hans Richter con la intención de que la interpretasen. Sus esfuerzos fallaron. A Brahms no le gustó que Bruckner hubiese ejercido gran influencia entre los estudiantes del Conservatorio, e incluso dijo a Rott que no tenía ninguna clase de talento y que debía abandonar la música. En febrero de 1881 Rott fue trasladado desde el Hospital de Psiquiatría del Hospital General de Viena para el Asilo Provincial Lunatic de la Baja Austria. El diagnóstico fue: la locura, delirio de persecución alucinada. Continuó componiendo en el asilo, más tarde, sin embargo, poco a poco desarrolló una profunda depresión y destruyó algunas de sus composiciones.
Después de varios intentos de suicidio que finalmente murió de tuberculosis el 25 de junio 1884 que aún no 26 años de edad.

Gustav Mahler declaraba acerca de su compañero y amigo:

" un músico de genio..... que murió sin el reconocimiento deseado en el mismo umbral de su carrera. Lo que la música ha perdido con él es inconmensurable: su genio se elevaba a tal altura, ya en esa primera sinfonía que escribió con apenas 20 años, no exagero al decir que él fue el fundador de la Nueva Sinfonía, tal y como yo la entiendo. Pero lo que quería no llegó a conseguirlo plenamente. Es como si alguien lanzase un objeto con todas sus fuerzas, pero por ser poco hábil no alcanzase plenamente su objetivo. Pero yo sé a dónde quería llegar. En efecto, Rott se encuentra tan próximo de aquello que me resulta más personal e íntimo que ambos somos frutos del mismo árbol, nacidos del mismo suelo, nutridos por el mismo aire. Hubiera podido aprender mucho de él y, quizá, hubiéramos explotado los dos a fondo el contenido de esta nueva época que está en vías de brotar para la música."

Hans Rott: Symphony No. 1; Orchestral Works
Hans Rott (Composer), Sebastian Weigle (Conductor),
Munich Radio Orchestra (Orchestra) | Format: Audio CD

Johann Friedrich Fasch Maestro del Barroco Aleman

2011-05-16T15:03:00.006-03:00

Musica Clasica Las Obras de Grandes Autores Compositores e Interpretes de la Historia de la Musica Culta Internacional.Vida y Obras, Videos, Musica y Critica de Johann Friedrich Fasch-Viajó por Alemania, obteniendo el puesto de violinista en la orquesta de Bayreuth en 1714. En 1722 fue nombrado maestro de capilla en Zerbst, cargo en el que permaneció hasta su muerte.En 1722 fue nombrado maestro de capilla en la corte de Zerbst. Fue en ese mismo año, por lo que la tradición, que se negó a competir con Johann Sebastian Bach para el puesto de Cantor en Santo Tomás de Leipzig. Bach también lo tenían en gran estima, como lo demuestran las copias de cinco Suites by Fasch se encuentran entre los manuscritos de Bach.

Las obras de Fasch, de puño y letra, se encuentran dispersos en numerosas bibliotecas en toda Europa. Se le atribuye al menos una pasión, Misas 14, 2 Credo, Salmo 4, a unos 100 Iglesia cantatas, serenatas 4, 4 óperas, además de una cantidad de conciertos, oberturas, sonatas y sinfonías.

Aunque Fasch pertenece tiempo prudente firmeza en el período barroco, su vida se asemeja mucho a la del gran maestro del barroco Johann Sebastian Bach, uno puede preguntarse en escuchar a una muestra representativa de sus obras que los miembros de la familia Bach, su música se parece más, que del padre de Johann Sebastian, del barroco, inclinado hijo Wilhelm Friedemann, o el futuro de Carl Philipp Emanuel.

Entre sus obras principales se incluyen cantatas, conciertos para diferentes instrumentos, como por ejemplo su concierto para trompeta, dos oboes y bajo continuo en Re mayor, sinfonías y música de cámara. Ninguna de sus obras se publicó durante su vida. Mucha de su obra vocal, incluyendo cuatro óperas, se ha perdido. Sin embargo, gozó de gran consideración por sus contemporáneos, Johann Sebastian Bach, por ejemplo, poseía partituras suyas manuscritas. Hoy en día se le considera como un importante músico que enlazó el periodo barroco con el clásico.

El hecho interesante es que el repertorio de Fasch, tal vez más que la de cualquier otro compositor barroco, marca la transición del barroco al rococó o principios clásicos. Fue un iniciador, el marcado y el desarrollo de la ruptura de los moldes del estilo fugado en favor de un desarrollo temático de la escritura romántica que iba a emerger. Murió el 5 de diciembre de 1758, en Zerbst, dejando el legado de un músico muy interesante.Su hijo Carl Friedrich Christian Fasch fue también músico.

Joseph Guy Ropartz Las Influencias Folcloricas Bretonas

2011-05-06T12:55:00.005-03:00

Musica Clasica Las Obras de Grandes Autores Compositores e Interpretes de la Historia de la Musica Culta Internacional.Vida y Obras, Videos, Musica y Critica de Joseph Guy Ropartz Compositor francés. Fue alumno de J. Massenet y de C. Franck y dirigió los conservatorios de Nancy y de Estrasburgo. Es autor de una producción muy variada, influida por el folclore bretón, que incluye una ópera, música religiosa (salmos, motetes, misas), poemas sinfónicos, ballets, sinfonías, divertimentos, piezas concertantes, suites para piano, obras de cámara y canciones. Fue nombrado director de la Academia de Nancy (en el momento en una sucursal de la escuela Nacional de la Academia de París) desde 1894 hasta 1919, donde estableció las clases de viola en 1894, la trompeta en el año 1895, el arpa y el órgano en 1897, a continuación, trombón en 1900. También fundó la temporada de sinfónicaconciertos con la orquesta de nueva creación de la Academia, antepasado de la Orquesta Sinfónica et lyrique de Nancy.Ropartz se asoció con el renacimiento bretón cultural de la época, el establecimiento de la música de las palabras de escritores como Breton, Anatole Le Braz y Charles Le Goffic. También apoyó la autonomía regional Breton, uniéndose a la Unión Regionalista Breton en 1898.

En las primeras etapas de la Primera Guerra Mundial su amigo y compañero compositor Albéric Magnard murió defendiendo a su casa deinvasores alemanes. Su casa fue destruida, junto con varios manuscritos musicales. Ropartz reconstituida a partir de la memoria de la orquestación de la ópera Guercoeur Magnard, que se había perdido en el fuego.Desde 1919 hasta 1929 Ropartz fue director de la Academia de Estrasburgo. Al mismo tiempo se llevó a cabo la dirección de la Orquesta Filarmónica de Estrasburgo, que influyen en los jóvenes estudiantes como Charles Münch. Elegido en 1949 como miembro de la Académie des Beaux-Arts, (sección quinta; musicalescomposición), logró Georges Hue.Ropartz también sirvió como miembro del jurado con Florencia Meyer Blumenthal en la adjudicación del Premio de Blumenthal, un subsidio dado entre 1919-1954 a los jóvenes pintores franceses, escultores, decoradores, grabadores, escritores y músicos.Se retiró en 1929 y se retiró a su mansión en Lanloup, Bretaña. En 1953, se quedó ciego.

Trío para violín, violonchelo y piano
Una de sus páginas más destacadas -para algunos su obra maestra absoluta en este terreno- es el Trío para violín, violonchelo y piano, escrito en 1918 y dedicado al compositor Pierre de Bréville. Obra espléndida que revela un uso muy personal del principio de composición cíclico heredado de Franck a la vez que una gran libertad en el manejo de la tradicional forma sonata. Se trata, además, de un emocionante testimonio de los tiempos de guerra, que -según Fleury- "parece orientarse desde la sombra hacia la luz: una actitud familiar en un maestro acostumbrado a superar las más sombrías adversidades con la afirmación de una fe y una esperanza inalterables". Escrito a finales de 1928, Prélude, marine et chansons se aleja ya del modelo cíclico. La sobriedad característica del estilo de madurez de Ropartz brilla especialmente en esta obra cuya original configuración instrumental (flauta, trío de cuerdas y arpa) corresponde al Quinteto Instrumental de París fundado por Pierre Jamet, al que se debe la creación de otras magníficas piezas escritas por Cras, Koechlin, Pierné y Roussel. La flauta y el arpa responden particularmente bien a las exigencias del "imaginario" celta que inunda estas páginas de intensa poesía.

Joseph-Guy Ropartz:
The three sonatas for violin & piano
Joseph Guy Ropartz (Composer), Beatrice Rauchs (Performer) | Format: Audio CD

Johann Rinck Influencias Organista de Estilos Divergentes

2011-05-06T12:28:00.007-03:00

Musica Clasica Las Obras de Grandes Autores Compositores e Interpretes de la Historia de la Musica Culta Internacional.Vida y Obras, Videos, Musica y Critica de Johann Christian Heinrich Rinck Organista Aleman (febrero 18vo, 1770 hasta julio 23, 1846) fue un compositor y organista alemán de las épocas clásica del romanticismo tardío y temprano.Johann Christian Heinrich nació en Elgersburg, Turingia, y murió en Darmstadt, de 76 años.Johann Christian Heinrich estudió con Johann Christian Kittel (1732-1809), (un alumno de Johann Sebastian Bach), y eventualmente se convirtió Kantor en la escuela de música en Darmstadt, donde también fue organista de la corte desde 1813. Compuso prolíficamente, y una cartilla de órganos de su popularidad disfrutado de ancho. Entre sus obras es un conjunto de variaciones sobre 'Ah! vous dirai-je, Maman ", Opus 90, publicada por Simrock en 1828. Se basa en una melodía hecho familiar de Mozart (K265) (y generalmente se asocia con las palabras Twinkle Twinkle Little Star).

Aunque nació veinte años después de la muerte de Johann Sebastian Bach, fue fuertemente influenciado por el estilo de este último, sin dejar de aceptar los acontecimientos revolucionarios de la música de su tiempo, representada por su exacto contemporáneo de Beethoven. La diversidad de su propio estilo puede explicarse en parte por estas influencias estilísticas divergentes y en parte por un instinto comercial para el mercado. Tuvo gran popularidad entre los organistas de la época se ve en la presencia de sus composiciones en casi todas las numerosas colecciones de música de órgano con fines litúrgicos. En general su órgano funciona adherirse a una iglesia de estilo contrapuntístico, con pequeñas formas predominantes. Sobre todo en los preludios más corto, sin embargo, original, interesante y rítmicamente motivos ocasionales cambios armónicos sorprendentes se encuentran.

Historic Organs of Connecticut
Dudley Buck (Composer), Gottfried August Homilius (Composer), W. Eugene Thayer (Composer), Johann Sebastian Bach (Composer), Giuseppe Gherardeschi (Composer), John Knowles Paine (Composer), Robert Schumann (Composer), Hubert Parry (Composer), Traditional (Composer), Edward Elgar (Composer), Max Reger (Composer), Richard [Classical] Wagner (Composer), Emma Lou Diemer (Composer), John Newton (Composer), Marcel Dupre (Composer), Amy Beach (Composer), Percy Fletcher (Composer), Gustav Holst (Composer), Anonymous (Composer), Henri Mulet (Composer) | Format: Audio CD

Fue nombrado organista de la Corte entre 1813 y 1843
Considerado uno de los principales profesores de la época, entre sus alumnos estuvieron Ch. Hallé, A.F. Hesse y L. Schloesser. En su producción destacan sus arreglos de coral y piezas breves para órgano. Aunque no fue ajeno a las influencias de la moda y a la escritura pianística, se caracterizó por una escritura más contrapuntística en sus variaciones y fugas. Fue autor de Método práctico para órgano (1819-1821), que fue utilizado durante mucho tiempo.

Rinck: Works For Organ
Ludger Lohmann | Format: MP3

Nikolai Rimsky Korsakov Sinfonia Rusa en Maxima Expresion

2011-05-06T11:43:00.009-03:00

Nikolai Rimsky Korsakov La Sinfonia Rusa en su Maxima Expresion
Musica Clasica Las Obras de Grandes Autores Compositores e Interpretes de la Historia de la Musica Culta Internacional.Vida y Obras, Videos, Musica y Critica de Rimski-Kórsakov (1857-1905) profesor de música clásica ruso, particularmente conocido por su fina orquestación, la cual pudo haber sido influenciada por su sinestesia.Nació en Tijvin, Rusia, cerca de Nóvgorod, en una familia aristocrática y de marinos militares. Rimski-Kórsakov demostró su talento artístico desde una edad muy temprana, casi los seis años, pero estudió en la Escuela Naval de Cadetes Imperial Ruso en San Petersburgo y posteriormente se alistó en la Marina Rusa. Rimski-Korsakov fue el miembro mejor preparado desde el punto de vista técnico del grupo de los Cinco, aunque, como en los casos de sus compañeros Balakirev, Borodin, Cui y Musorgski, su dedicación a la música no fuera en sus inicios profesional. Como los demás músicos de su generación, buscaba plasmar en sus óperas un carácter más auténticamente ruso en los temas y la música que sus predecesores.

Rimsky-Korsakov: Greatest Hits
Nikolai Rimsky-Korsakov (Composer), Harry Rabinowitz (Conductor), Zubin Mehta (Conductor), Andrey Tchistyakov (Conductor), Leonard Bernstein (Conductor), Louis Lane (Conductor), Eugene Ormandy (Conductor), London Symphony Orchestra (Orchestra), New York Philharmonic (Orchestra), Bolshoi Theater Orchestra (Orchestra), Cleveland Pops Orchestra (Orchestra), Philadelphia Orchestra (Orchestra), Israel Philharmonic Orchestra (Orchestra), Zurab Sotkilava (Performer) | Format: Audio CD

Parte de personajes de la poesía popular, de viejos cuentos, de ritos eslavos, de temas legendarios fantásticos y del romanticismo de Oriente y trata la ópera con gran variedad de estilos y riqueza musical. Pero también se ocupa de temas en los que la tendencia política se manifiesta claramente, como en El gallo de oro (1906-1907).

El Grupo de los Cinco:
En 1861 conoció a Balákirev y comenzó a concentrarse más seriamente en la música. Balákirev lo animó para que compusiera y le enseñaba cuando aquél no estaba en altamar. A través de Balákirev, Rimski-Kórsakov también conoció otros compositores tales como César Cui, Borodín, Músorgski, de los que más tarde serían conocidos como "Grupo de los Cinco". Mientras se encontraba en la marina, compuso una sinfonía, la primera compuesta por un ruso. También compuso su bien conocida obra orquestal Sadkó en 1867 y la ópera La Dama de Pskov (Pskovitianka) en 1872, antes de renunciar a su cargo militar en 1873.
Rimsky-Korsakoff ocupa un lugar destacado en la música sinfónica de finales del siglo XIX, llegando su influencia hasta Debussy y Ravel. En sus composiciones utiliza tanto modos antiguos de la iglesia como modos poco frecuentes con intervalos aumentados y disminuidos. Escribió, entre otras muchas piezas, tres Sinfonías (1865-1884); Sinfonietta sobre temas rusos (1884), Capricho español (1887) y Sheherezade (1888).

Rimsky-Korsakoff reinstrumentó algunas obras de Mussorgski (La Khovantchina y Boris Gudonov, entre otras), de Borodin (El príncipe Igor), de Dargomijsky (El Convidado de piedra) y preparó numerosas partituras de Glinka para su edición. Entre sus óperas se encuentran títulos como Mlada (1889-1890); Noche de Navidad (1894-1895); Sadko (1895-1896) y Leyenda de la ciudad invisible de Kitej y de la virgen Fevronia (1903-1905).

Rimsky-Korsakov: Scheherazade/Capriccio Espagnol
Nikolai Rimsky-Korsakov (Composer), Charles Mackerras (Conductor), London Symphony Orchestra (Orchestra) | Format: Audio CD

Musica del Romanticismo Historia Formas y Evolucion

2011-05-05T09:31:00.008-03:00

Musica Clasica Las Obras de Grandes Autores Compositores e Interpretes de la Historia de la Musica Culta Internacional. El suceso más significativo para los compositores, y para todos los artistas, fue la Revolución Francesa. En su país de origen tuvo un efecto inmediato sobre la ópera. En lugar de los argumentos del barroco, que generalmente buscaban su inspiración en la antigüedad clásica y reflejaban una jerarquía organizada de dioses, gobernantes y pueblo, ahora los temas se situaban en el excitante y peligroso tiempo presente.El compositor más fuertemente influido por estas ideas fue también el más grande de su época, Ludwig van Beethoven. Su Fidelio (primera versión en 1805)es la más noble de todas las óperas llamadas de rescate. Pero Beethoven también dio respuesta en su música sinfónica al renovado énfasis del romanticismo en la superación del individuo.

El creciente interés por la naturaleza que caracterizaba al romanticismo encontró su expresión más viva en la música desde el comienzo. Muchas óperas de rescate otorgaban un papel destacado a la tormenta, la avalancha, el fuego, los hundimientos de barcos, las erupciones volcánicas y otras manifestaciones que colocaban al ser humano a merced de las fuerzas irracionales del Universo. Uno de los mitos románticos más poderosos fue el de Undine (o la eslava Rusalka), el espíritu del agua que intentaba casarse con un humano pero que era reclamada por su propio elemento; se trataba del intento de salvar el abismo que separaba la Naturaleza y la Razón, un conflicto característico de la Ilustración.

Clementi: Complete Orchestral Works
Muzio Clementi (Composer), Francesco D'Avalos (Conductor), Philharmonia Orchestra of London (Orchestra), Pietro Spada (Performer) | Format: Audio CD

Un aspecto del influjo del nuevo espíritu romántico y su cultivo de lo diferencial es el auge que tomaron el estudio de la literatura popular (romances o baladas anónimas, cuentos tradicionales, coplas, refranes) y de las literaturas en lenguas regionales durante este periodo: la gaélica, la escocesa, la provenzal, la bretona, la catalana, la gallega, la vasca... Este auge de lo nacional y del nacionalismo fue una reacción a la cultura francesa del siglo XVIII, de espíritu clásico y universalista, difundida por toda Europa mediante Napoleón.El Romanticismo se expandió también y renovó enriqueció el limitado lenguaje y estilo del Neoclasicismo dando entrada a lo exótico y lo extravagante, buscando nuevas combinaciones métricas y flexibilizando las antiguas o buscando en culturas bárbaras y exóticas o en la Edad Media, en vez de en Grecia o Roma, su inspiración.

Albores del Romanticismo (1815–1850)
En el primer grupo de compositores se suele agrupar a Beethoven, Louis Spohr, E. T. A. Hoffmann, Carl Maria von Weber y Franz Schubert. Estos compositores crecieron en medio de la dramática expansión de la vida concertística de finales del siglo XVIII y principios del XIX, y esto le dio forma a sus estilos y expectativas. Muchos saludaron a Beethoven como el modelo a seguir, o al menos a aspirar. Las melodías cromáticas de Muzio Clementi y las óperas de Rossini, Cherubini y Mehul, también ejercieron cierta influencia. Al mismo tiempo, la composición de canciones para voz y piano sobre poemas populares, para satisfacer la demanda de un creciente mercado de hogares de clase media, fue una nueva e importante fuente de entradas económicas para los compositores.

Spohr: Music for Violin and Harp, Vol. 1
Louis Spohr (Composer),
Sophie Langdon (Artist), Hugh Webb (Artist)

Romanticismo Tardío (1850–1910)
Al llegar a la segunda mitad del siglo XIX, muchos de los cambios sociales, políticos y económicos que se iniciaron en la era post-napoleónica, se afirmaron. El telégrafo y las vías ferroviarias unieron a Europa mucho más. El nacionalismo, que fue una de las fuentes más importantes del principio de siglo, se formalizó en elementos políticos y lingüísticos. La literatura que tenía como audiencia la clase media, se convirtió en el objetivo principal de la publicación de libros, incluyendo el ascenso de la novela como la principal forma literaria.Muchas de las figuras de la primera mitad del siglo XIX se habían retirado o habían muerto. Muchos otros siguieron otros caminos, aprovechando una mayor regularidad en la vida concertística, y recursos financieros y técnicos disponibles. En los anteriores cincuenta años, muchas innovaciones en la instrumentación, incluyendo el piano de acción de doble escape ("double escarpment"), los instrumentos de viento con válvulas, y la barbada ("rest chin") de los violines y violas, pasaron de ser algo novedoso a estándar. El incremento de la educación musical sirvió para crear un público más amplio para la música para piano y los conciertos de música más sofisticados. Con la fundación de conservatorios y universidades se abrió la posibilidad a los músicos de hacer carreras estables como profesores, en vez de ser empresarios que dependían de sus propios recursos. La suma de estos cambios puede verse en la titánica ola de sinfonías, conciertos, y poemas sinfónicos que fueron creados, y la expansión de las temporadas de óperas de muchas ciudades y países, como París, Londres o Italia.

Post-romanticismo (1870–1949)
Se puede considerar un movimiento de finales del siglo XIX y principios del XX que se diferencia del Romanticismo por la exuberancia orquestal y la desmesura en los desarrollos sinfónicos, también se caracteriza por un intenso cromatismo que supera a Richard Wagner y acaba en la atonalidad. En los compositores postrománticos se observa la melancolía que les produce la pérdida de la cultura romántica.Los compositores más representativos de este estilo fueron Gustav Mahler y Richard Strauss

Romanticismo del siglo XX (1901, en adelante)
Muchos de los compositores que nacieron en el siglo XIX y continuaron componiendo ya entrado el siglo XX, utilizaron formas que estaban en clara conexión con la era musical previa, incluyendo a Sergei Rachmaninoff, Giacomo Puccini, Richard Strauss y Kurt Atterberg. Por otro lado, muchos de los compositores que luego fueron identificados como modernistas, escribieron en sus inicios obras con un marcado estilo romántico, como por ejemplo Igor Stravinsky (es notable su ballet El pájaro de fuego), Arnold Schoenberg (Gurrelieder), y Béla Bartók (El castillo de Barba Azul). Pero el vocabulario y la estructura musical de finales del siglo XIX no se quedó allí; Ralph Vaughan Williams, Erich Korngold, Berthold Goldschmidt y Sergéi Prokófiev continuaron este género de composición más allá de 1950.

Daniel Barenboim Concierto por la Paz

2011-05-04T21:58:00.007-03:00

El director de orquesta argentino-israelí Daniel Barenboim rompió nuevas barreras al viajar ayer a la Franja de Gaza para dirigir un concierto de música clásica. Con músicos de orquestas europeas, entró al empobrecido territorio desde Egipto, en medio de un gran operativo de seguridad, y en al-Madah, al norte, la Orquesta para Gaza interpretó Eine Kleine Nachtmusik y la Sinfonía 40 de Mozart.El concierto de una hora de duración, al que acudieron unas 700 personas en el lujoso centro de al-Madha, tuvo lugar en el paseo marítimo en el norte de la Franja.Estuvo organizado por la Agencia de Naciones Unidas para los Refugiados de Palestina en Oriente Medio (UNRWA), que se ocupa de los refugiados palestinos en la Franja de Gaza y Cisjordania.Al presentar el evento, Barenboim aseguró que el concierto tenía lugar porque "esta es gente que se preocupa por ti, y por eso estamos aquí". Es la primera vez que Barenboim, un activista por la paz entre israelíes y los palestinos, visitaba el territorio. La Franja de Gaza está bajo un bloqueo económico impuesto por Israel. Este "concierto de la paz en favor de la población de Gaza", estaba organizado por ONG palestinas en cooperación con la ONU.

Este hispano-israelí nacido en Argentina hace 68 años se ha convertido en una figura controvertida en Israel por su clara oposición a la ocupación de Cisjordania, donde ha actuado en varias ocasiones.Desde 1999 ha promovido contactos culturales entre árabes e israelíes y dirige la Orquesta del Diván Este-Oeste, integrada por jóvenes músicos árabes e israelíes, con sede en la ciudad española de Sevilla.En el 2008 también recibió la ciudadanía palestina, afirmando que creía que su estatus serviría como modelo para la paz entre israelíes y palestinos.

El concierto ocurre un día antes de que la islamista Hamas, que dirige la Franja de Gaza, y la más laica Fatah, que controla la ocupada Cisjordania, firmen un acuerdo de reconciliación que esperan que cierre la división política entre ambos.Israel mantiene el bloqueo sobre Gaza porque está dirigida por Hamas, que, al contrario de Fatah, es hostil al Estado judío y rechaza reconocer acuerdos de paz interinos o renunciar a la violencia.

El movimiento Fatah del presidente palestino, Mahmoud Abbas, alguna vez el partido palestino dominante, fue expulsado de Gaza por Hamas hace cuatro años en una breve guerra civil.La imagen de Barenboim, considerado uno de los mejores directores del mundo de las óperas de Richard Wagner, el compositor favorito de Hitler, se vio seriamente dañada en Israel, donde trató infructuosamente de romper un tabú no explícito tocando la música del compositor alemán.

Barenboim, de 68 años, que aboga por la paz entre israelíes y palestinos, estaba al frente de una "Orquesta de Gaza", formada, entre otros, por músicos de la Filarmónica de Berlín, la de Viena, la Orquesta de París y la Scala de Milán quienes abrieron el "concierto por la paz" con "Eine kleine Nachtmusik" de Mozart, además de la Sinfonía 40 en sol menor.
Fuente: Terra/Peru
03 de mayo de 2011 • 13:25

Concierto de la Camerata Aragon (CSMA) Mayo 2011

2011-05-04T19:11:00.006-03:00

La Orquesta de Cámara “Camerata Aragón”, del Conservatorio Superior de Música de Aragón (CSMA), será la primera Joven Orquesta de nuestro país (España), representativa, además, de un centro educativo español, en actuar en la sala de la Filarmónica de Berlín, una de las más prestigiosas del mundo. Los 35 integrantes de la “Camerata Aragón” actuarán el próximo sábado 7 de mayo y compartirán escenario con cuatro solistas de la propia Filarmónica, declarada este año como la orquesta número uno a nivel mundial. La Orquesta de Cámara del CSMA ofrecerá un programa con obras de Tartini, Telemann, Mozart, Bloch, Britten y Prokofiev, actuando como solistas Gabor Tarkövi (trompeta), Wenzel Fuchs (clarinete), Sarah Willis (trompa) Hervé Joulain (trompa), y Rolando Prusak (violín), los cuatro primeros reputados solistas de la Filarmónica (y profesores del CSMA) y el último el propio Director de la Camerata, que además ejerce la función de concertino. El hecho de que el Director haga a la vez de concertino proporciona a esta Joven Orquesta una característica especial y diferenciadora. “Al ser dirigida desde el atril exige un mayor nivel de concentración a sus componentes, proporcionándoles una gran autonomia y, por tanto, una gran versatilidad en sus interpretaciones”, apunta Prusak. “El resultado musical de las obras interpretadas es realmente distinto, cualitativamente diferente. Esto es más evidente aún cuando, como en
este caso, las obras se interpretan junto a grandes solistas”, concluye el director de “Camerata Aragón”.

Los componentes de la Orquesta de Cámara del CSMA, que tendrán el placer y la oportunidad de actuar junto a estos grandes maestros de la extraordinaria Orquesta alemana, ya han compartido anteriormente programación con las mejores orquestas del mundo, como la London
Simphony Orchestra, la Royal Concertgewouw o la Mahler Chamber Orchestra.
Asimismo, ha sido incluida en la programación de los más importantes auditorios y espacios nacionales, como la sala Mozart del Auditorio de Zaragoza, considerada como una de las salas con mejor acústica del mundo y donde es habitual su presencia, el Auditori de Barcelona y el Auditorio Nacional de Madrid.

En lo relativo a lo académico, el Conservatorio aragonés es considerado como uno de los centros de estudios superiores de música de referencia en España, y de mayor proyección internacional. En los últimos tres años, el CSMA se ha convertido en uno de los centros más demandados para cursar estudios de Grado y Posgrado, tanto nacional como internacionalmente. Prueba de esto último es el notable incremento de estudiantes de gran talento procedentes, sobre todo, de Latianoamérica: Cuba, Venezuela, Méjico, Costa Rica, Argentina, Chile, Honduras, Brasil o Colombia. “La afluencia de alumnos de otros países demuestra la alta valoración y proyección internacional del centro”, afirma el director del CSMA. “Como consecuencia del alto nivel académico de sus estudiantes, la gran calidad de las formaciones orquestales representativas del
Conservatorio está más que asegurada”, añade Pedro Purroy.

PROGRAMA DE CONCIERTO
Sábado 7 de mayo

PRIMERA PARTE

* Concierto para trompeta en Re ……….. …................. G. TARTINI Gábor
Tarkövi, trompeta
* Suite para dos trompas en Fa………… …..………….. G. Ph. TELEMANN Sarah Willis y
Hervé Joulain, trompas
* Concierto para clarinete en La, KV 622 ………………W. A. MOZART Wenzel Fuchs,
clarinete

SEGUNDA PARTE

* “Nigun” de la suite “Baal Shem”, para violín ……. ……E. BLOCH Rolando
Prusak, violín
* Sinfonía simple, Op. 4 B. BRITTEN
* Sinfonía n.º 1 en Re, Op. 25 “Clásica” …… …………. S. PROKOFIEV

Para más información
Verónica Catediano evercom
Tel. 915779272 – 609901196
veronica.catediano@evercom.es

Josef Rheinberger Musica Religiosa Stabat Mater

2011-04-19T10:15:00.007-03:00

Musica Clasica Las Obras de Grandes Autores Compositores e Interpretes de la Historia de la Musica Culta Internacional.Vida y Obras, Videos, Musica y Critica de Josef Rheinberger -En 1859 Josef Rheinberger (1839-1901) fue nombrado profesor de la teoría de la música y el órgano en el conservatorio, cargo que ocupó hasta pocos meses antes de su muerte. Además de sus funciones como docente se desempeñó sucesivamente como organista en la corte de la Iglesia de San Miguel, director de la Sociedad Oratorio de Múnich, y el instructor de los artistas en solitario en la Ópera Real. En 1867 recibió el título de profesor real, y se convirtió en inspector de la escuela de nueva creación real de la música, que ahora se llama la Real Academia de la Música. En 1877 fue ascendido a la categoría de conductor de la corte real, la posición que llevaba consigo la dirección de la música en la capilla real. Galardonado por su príncipe con el título de nobleza y otorga el grado honorario de Doctor en Filosofía por la Universidad de Munich, Rheinberger durante más de cuarenta años ejerció como maestro de muchos de los jóvenes músicos más talentosos de Europa y América, tal vez más influencia que cualquier otro de sus contemporáneos.

Como compositor Josef Rheinberger fue notable por su poder de invención, la técnica magistral y un estilo noble y sólida. Entre sus dos centenares de composiciones son oratorios (en particular, Christoforus y Monfort), dos óperas, cantatas para solistas, coro y orquesta (La Estrella de Belén, Toggenburg, Klãrchen auf Eberstein, etc); pequeñas obras para coro y orquesta, sinfonías ( música Wallenstein), intentos de acercamiento y de cámara para distintas combinaciones de instrumentos, lo más importante de todas sus obras instrumentales son sus veinte sonatas para órgano, las producciones más notables de esta forma ya que Félix Mendelssohn.

Rheinberger escribió muchas obras de los textos litúrgicos, es decir, doce masas (una para doble coro, tres a cuatro voces a capella, tres de las voces femeninas y órgano, dos de las voces de los hombres y uno con la orquesta), un réquiem, Stabat Mater (*) y un gran número de motetes y piezas más pequeñas. masas Rheinbergen de alto rango como obras de arte, pero algunos de ellos son defectuosos en el tratamiento del texto. José Renner, Jr., acaba de subsanar la mayoría de estos defectos, y de hecho las masas para fines litúrgicos.
Nacido: 17 de marzo de 1839 - Vaduz, en el Principado de Liechtenstein, Baviera
Murió: 25 de noviembre de 1901 - Munich, Alemania

Stabat Mater
Es una secuencia católica del siglo XIII atribuida a Inocencio III y al franciscano Jacopone da Todi. Esta plegaria que comienza con las palabras Stabat Mater dolorosa (estaba la Madre sufriendo) medita sobre el sufrimiento de María, la madre de Jesús, durante la crucifixión. Es una de las composiciones literarias a la que más se le ha puesto música; cerca de 200 artistas diferentes. Múltiples compositores de distintas épocas, géneros, estilos y visión musical han compuesto por este texto medieval.

Entre los compositores se encuentran Giovanni Pierluigi da Palestrina, Joseph Haydn, Alessandro Scarlatti, Domenico Scarlatti, Antonio Vivaldi, Rossini, Giacomo Meyerbeer, Franz Liszt, Antonín Dvořák, Karol Szymanowski, Francis Poulenc, Josef Rheinberger, Krzysztof Penderecki, Salvador Brotons, Marco Rosano, Arvo Pärt,Epica siendo las más reproducidas las versiones de Giovanni Battista Pergolesi y Gioachino Rossini.

En las artes plásticas, el llamado «Stabat Mater» es un tema cristiano que representa a María, madre de Jesús, durante la crucifixión de su hijo. En este tipo de representaciones, María se encuentra de pie, a la derecha de Jesús (es decir, a la izquierda del cuadro), mientras que Juan el Apóstol, también de pie, se representa a la izquierda del crucificado.

El Organo Historia y Evolucion del Instrumento

2011-04-17T15:19:00.005-03:00

Musica Clasica Las Obras de Grandes Autores Compositores e Interpretes de la Historia de la Musica Culta Internacional. Obras, Videos y Musica del instrumento Organo. Un organista es un músico que toca cualquier tipo de órgano. Un organista puede interpretar piezas para órgano solo, tocar con un grupos de instrumentos u orquesta, o acompañar a uno o más cantantes o instrumentistas. Además, un organista puede acompañar himnos corales religiosos e interpretar música litúrgica.El músico que tocaba el órgano hidráulico (hydraulis) se denominaba hydraulés.Muchos son los organistas que en siglos anteriores han brillado y su número es tanto que seria difuso el querer enumerar tanto de Alemania como de Francia e Italia los que han conseguido una fama inmortal por sus obras, pero entre todos destacan las brillantes cualidades de Johann Sebastian Bach, que se puede decir que las reunió todas. Su superioridad como compositor y como ejecutor fue tal, que sirvió de modelo a todos sus sucesores los cuales ambicionaron acercársele pero no le igualaron.
El Antiguo Organo Egipcio
Hacia el siglo XVI a de C., el contacto de los egipcios con Mesopotamia contribuyó al desarrollo y asimilación de un nuevo estilo de música oriental de carácter fundamentalmente profano. Esta influencia se advierte en un tipo de baile más rápido que el practicado durante los imperios Antiguo y Medio, y sobre todo, en los numerosos instrumentos asiáticos que llegaron a Egipto. Entre ellos tuvo gran importancia el oboe doble, con dos cañas colocadas en ángulo,y mientras una ejecutaba la melodía, la otra la acompañaba con una nota grave que sonaba ininterrumpidamente a modo de nota pedal.Durante el Imperio Nuevo aparecen además en Egipto otros instrumentos como las arpas angulares, de caja armónica alta, que se fue perfeccionando hasta convertirse en un magnífico instrumento de unos seis pies de altura, con diez o doce cuerdas y un marco profusamente tallado.Posteriormente, durante la ocupación griega, los egipcios adoptaron muchos elementos de la música helena, aunque la influencia de Egipto sobre Grecia fue enorme. Aunque ignoramos su sistema musical, se da por seguro que en el Imperio Nuevo se utilizaba la escala de siete sonidos. Además, Pitágoras, griego, educado en los templos egipcios y fundador de la teoría matemático-musical griega, asimiló gran parte de la ciencia egipcia.

Un OrganoTubular
es un instrumento musical de teclado. Los sonidos se generan haciendo pasar aire por tubos de diferentes longitudes (desde pocos milímetros hasta varios metros). Se clasifica como instrumento de viento o aerófono en la categoría instrumentos de teclado y también dentro de la subcategoría aire insuflado, junto al acordeón y al armonio.Consta de diferentes registros o sonidos, cuyo timbre dependerá de la forma, tamaño, material o mecanismo de producción del sonido. Se maneja mediante uno o más teclados para tocar con las manos, y otro consistente en unos pedales en la parte inferior. Los distintos registros se accionan mediante unas palancas o botones al alcance de la mano de quien toca el instrumento.En el pasado, el aire se suministraba por medio de unos fuelles movidos a mano. Actualmente, también se suministra mediante compresores.
El órgano se toca con manos y pies, lo cual hace recomendable el estudio de otros instrumentos de teclado para poder pasar a su estudio como instrumento.

El Organo Hidraulico
también llamado hydraulus, hydraulos e hidraula es un antiguo instrumento musical de viento, que funcionaba con un sistema de receptáculos llenos de agua para mantener constante la presión del aire. Fue el primer instrumento de teclado [cita requerida] y el predecesor del actual órgano neumático. El intérprete que lo tañía se denominaba hydraulés.El hydraulis fue inventado en Grecia en el siglo III a. C. por (según la tradición) Ctesibio, un inventor que ideó diversos aparatos que funcionaban con agua y aire.Este instrumento fue conocido por los romanos y se extendió por todo el Imperio, usándose en actos públicos, teatros, espectáculos, etc.Al parecer, la invención de los órganos de fuelles se remonta al siglo IV. Sin embargo, se siguieron usando ambos sistemas hasta que en el siglo XIII se abandonaron completamente los hidráulicos.

Ktsbios y La Historia del Organo...
Inventado por Ktsbios sobre el año 300 antes de nuestra era. Poseía un solo juego de tubos llamados "aulos", posiblemente de muy pocas notas. El aire se suministraba por medio de unos cilindros con pistón. Este empujaba al agua almacenada en un depósito situado debajo del órgano y el empuje de este mismo agua desplazaba al viento cuándo se tocaba en el instrumento. Sobre la mitad de siglo I, el órgano hidráulico era un instrumento conocido en el mundo romano. El órgano que tocaba Nerón era, probablemente, el descrito por Vitrubio con varios registros.El órgano se convierte en un objeto de lujo bien implantado en el mundo romano. Estos hydraulos, ahora con juegos numerosos y sonidos múltiples -los textos de la época Tertuliano, años 160-245, evocan un instrumento aparentemente importante-

En el transcurso del siglo II aparecen los fuelles y se supone que estos reemplazan la bomba del sistema hidráulico en el órgano de teatro y de aire libre, pero manteniendo el sistema de presión por medio de agua. A partir del siglo V y hasta el VIII, desaparece o no hay noticia de él debido a las invasiones bárbaras. Durante este tiempo, el Imperio de Oriente resiste a las invasiones y suplanta al Imperio de Occidente, la antigua Roma.

La tradición y las artes van a refugiarse a Bizancio y más tarde a Constantinopla.El órgano permanecerá sin grandes cambios en este imperio hasta su caída en 1543: probablemente un instrumento con fuelles y varios juegos.En el mundo islámico, precisamente en la corte de Bagdad -siglos VIII y IX- se utilizó un instrumento parecido al de Bizancio. El órgano descrito por Muristos era muy potente, con 4 juegos y 3 notas, oyéndose, según la leyenda, a 60 millas de distancia.Por un regalo de Constantino de Bizancio a Pepin el Breve, rey de los francos, en 757 vuelve el órgano a occidente, pero sobre 812 desaparece, probablemente debido a un terremoto y, al comienzo del reinado de Ludovico Pio no existe ningún otro ejemplar, tal como había sucedido antes.

En 826 se presenta a este rey el fraile veneciano Georges que le promete construir un órgano. Así lo hace y construye un órgano para el palacio que, según se cree, constaba de dos fuelles, un teclado y varios rangos de tubos. Puede pensarse que este fraile comunicó su ciencia en los monasterios, lo que explicaría la entrada del órgano en las iglesias, ya que anteriormente su uso era profano. El primer documento corroborando este entrada en la iglesia se sitúa en 872.

Se trata del encargo de un órgano, el primo de tipo medieval, por el Papa Juan VIII.Durante la Edad Media, el órgano comienza a hacer su aparición en la iglesia, y tiene la tendencia a ser cada vez más importante, lo que provoca un aumento en el número de fuelles que alimentan el secreto del instrumento. Estos fuelles tienen una forma parecida a una concha marina y están hechos de una sola piel, tal como una bota de vino. Tienen dos válvulas: una para admisión del viento y la otra para evitar el retroceso a los fuelles vecinos.

Julius Reubke Pianista y Organista Aleman

2011-04-17T15:03:00.005-03:00

Musica Clasica Las Obras de Grandes Autores Compositores e Interpretes de la Historia de la Musica Culta Internacional.Vida y Obras, Videos, Musica y Critica de Julius Reubke (1834-1858) Compositor, pianista y organista alemán. En su corta vida (murió a la edad de 24 años) compuso la Sonata del Salmo 94, en do menor, considerada como una de las más grandes obras en el repertorio del órgano. Fue el hijo mayor del fabricante de órganos y pianos Adolf Reubke (1805-1875). Dos de sus cinco hermanos, Emil (1836-1884) y Karl (1840-1860), trabajaron con su padre; Emil se convirtió en socio en 1860 y propietario de la compañía en 1872. Su hermano (1842-1913) también fue pianista, organista y compositor; preparó la Sonata del Salmo 94 para su primera publicación en agosto de 1871. Otto se estableció en Halle, fue profesor en la Universidad y se convirtió en su director en 1892. También tuvo dos hermanas, Meta y Alma.

El primer aprendizaje musical de Julius Reubke fue en Quedlinburg con Hermann Bönicke (1821-1879). Se trasladó a Berlín en abril u octubre de 1851, donde continuó su educación musical en el Conservatorio Stern, que había sido fundado en 1850 por Theodor Kullak, con quien había estudiado piano; Adolf Bernhard Marx, con quien estudió composición; y Julius Stern. En la ciudad conoció la Nueva Escuela Alemana de mano del director Hans von Bülow y el organista Alexander Winterberger, ambos asociados a Franz Liszt.

Sin duda, la presencia de Liszt debió ser muy fuerte en su experiencia como compositor porque se trasluce en las partituras aquí reunidas. Ante el piano, las generosas expansiones melódicas, los momentos de intermedios reflexivos, una escritura sabia en recursos tímbricos y en momentos de bravura, nos llevan al húngaro.Otro mundo, para ambos, lo constituyó el órgano, con sus densas atmósferas, sus armonías disonantes hasta lo abrupto, su discurrir climático en la frontera del expresionismo. La sonata en do menor, por añadidura, se arriesga a una disposición formal muy novedosa, que no pasó inadvertida a Liszt, otro innovador en la estructura de la sonata para teclado. En efecto, Reubke, bajo la apariencia de los cuatro movimientos consabidos, propone una serie de velocidades alternadas, entre la gravedad, la alegría, la paciencia y la decidida lentitud, que dan al conjunto una inquietante atmósfera de cuento misterioso o de suite de impresiones, según se prefiera, sin perder, vista en conjunto, el arresto sinfónico de una sonata que el órgano resuelve con su imponencia orquestal.

Cuando Liszt visitó Berlín en diciembre de 1855, se encargó, por recomendación de Bülow, de enseñar a Reubke piano y composición desde febrero de 1856 en Weimar y le permitió vivir en la casa que tenía en Altenburg. En este entorno Reubke compuso sus dos obras más destacadas, la Sonata para piano en si♭ menor, que compuso entre diciembre de 1856 y marzo de 1857, y la Sonata del Salmo 94, para órgano, que finalizó un mes después; también consideró componer una ópera. La sonata para órgano estaba dedicada al profesor Carl Riedel; su estreno por parte del autor fue en un órgano Ladegast (1853-1855) de la Catedral de Merseburg el 17 de junio de 1857. Esta composición es considerada una de las cimas del repertorio romántico.
En 1857 estaba sufriendo un empeoramiento de su tuberculosis y no tenía energías para tocar ni componer. Se trasladó al complejo sanitario de Pillnitz en mayo de 1858, donde falleció en el Zum Goldenen Löwen inn unos días después, el 3 de junio, a los 24 años de edad. Fue enterrado cerca de la iglesia de Maria am Wasser en Pillnitz-Hosterwitz el 7 de junio.

Obras

-Sonata para piano en si bemol menor (1857) - influido por la Sonata en si menor de Liszt
-Sonata del Salmo 94 (1857) para órgano - influido por la Fantasía y fuga de la coral Ad nos ad salutarem undam de Liszt
-Trío en mi bemol mayor para órgano
-Mazurca en mi mayor para piano
-Scherzo en re menor para piano

Keith Jarrett Pianista de Vanguardia

2011-04-17T01:40:00.005-03:00

Keith Jarrett (1945) es uno de los grandes talentos del jazz surgidos en los últimos treinta años. Capaz de tocar además del piano, la guitarra, el saxo, la flauta, el clavicordio y el órgano, Jarrett destacó desde su infancia por su precocidad y por sus cualidades musicales.
La trayectoria de Keith Jarrett durante los últimos veinte años, refleja una pasmosa fidelidad al proyecto iniciado en 1983, cuando grabó sus extraordinarios discos: "Standards. Vol 1"; "Standards. Vol 1" y "Standards Live" junto a Gary Peacock y Jack DeJohnette. Jarrett se puso al frente de un trío convencional para iniciar lo que hoy alcanza dimensiones de enciclopédico homenaje a la tradición jazzistica. El Jarrett pianista, se ha alimentado en las escuelas de Bud Powell y Lennie Tristano, sin excluir la influencia de un Bill Evans siempre presente en sus discos, y se convirtió en modelo de muchos pianistas.
Se trata de uno de los maestros del jazz de vanguardia, cuya producción más sobresaliente es una serie de piezas improvisadas grabadas en directo en Colonia, París, Milán, Viena, Tokio y otras ciudades. Probablemente estos sean sus trabajos más famosos, pero es sin duda un enorme virtuoso. Muy versátil, Keith ha interpretado lo mismo música de autores del barroco europeo como Johann Sebastian Bach o Georg Friedrich Händel, solo o en diversas alineaciones que incluyen, entre otros, a la virtuosa de la flauta barroca Michala Petri, que autores minimalistas contemporáneos como Arvo Pärt o jazzistas contemporáneos como Miles Davis, con quien inició propiamente su carrera, Chick Corea, Jan Garbarek, Gary Peacock, Charlie Haden y Jack DeJohnette entre otros.

Intérprete : Keith Jarrett.
Interpretaciones para piano solista.
Lugar : Teatro Colón,Buenos Aires Argentina.
Única función : martes 12 de abril de 2011

El pianista norteamericano renovó y profundizó su compromiso con el arriesgado formato de la improvisación en piano solo, el mismo que le permitió la consagración gracias al célebre disco The Köln Concert, de 1975. Se escuchó en el escenario del Teatro Colón a un Jarrett quizá menos audaz, que fue armando filigranas sonoras con su punzante mano izquierda mientras su mano derecha terminaba de desarmar y de armar climas intrincados, melodías inesperadamente bellas.

Es notable verlo en acción, cómo se sienta ante el piano, medita unos segundos y, ya con una idea en mente, compone en escena, sin red, esa multiforme combinación, en la que, jarrettianamente , con perdón del neologismo, no hay barreras entre el jazz, el blues, la música clásica y hasta ciertos aires flamencos.

Esa fórmula, siempre riesgosa e impredecible, brindó algunos de los mejores momentos de la música contemporánea. Pero una clave de esta aventura es, obviamente, el hecho de que se trata de improvisaciones en vivo, en un teatro repleto de gente. Y el problema es que es conocida la tremenda aversión de Jarrett a cualquier ruido en la sala y a esos fanáticos que sacan fotos o filman durante sus presentaciones...(Ver Más)

Mischa Maisky Discipulo de Rostropovich

2011-04-17T01:01:00.008-03:00

Mischa Maisky Chelista (*) Discipulo de Rostropovich
Mischa Maisky comenzó a tomar clases de chelo a los ocho años, primero en la Escuela de Música Municipal y después en el Conservatorio de Riga. Sus hermanos tocaban ya el piano y el violín, así que la elección del chelo fue una decisión natural. En 1962, a los 14 años, se cambió al Conservatorio de Leningrado. Un año después fue admitido al Conservatorio de Moscú, en la clase de Mstislav Rostropóvich. En 1966 logró el sexto puesto en el Concurso Internacional Tchaikovsky en Moscú.-Maisky se distingue por ser el único violonchelista en el mundo que tuvo la oprortunidad de estudiar con Mstislav Rostropovich y con Gregor Piatigorsky. Rostropovich lo definió como «uno de los talentos más extraordinarios de la nueva generación de violonchelistas combinando en su arte, poesía y delicadeza exquisita junto con temperamento y técnica brillante».
Nacido en Letonia y educado en Rusia, tras su repatriación a Israel, Mischa Maisky ha sido aclamado en todas sus actuaciones en los centros musicales más importantes de Londres, París, Berlín, Viena, Nueva York y Tokio.
Se considera como un ciudadano del mundo. Artista en exclusiva de Deustche Grammophon durante los últimos veinticinco años, ha grabado más de 30 discos con orquestas como las Filarmónicas de Viena, Berlín, Sinfónica de Londres, Filarmónica de Israel, Orchestre de Paris, Orpheus, y Orquesta de Cámara de Europa, entre otras.

La primera grabación de Mischa Maisky fue el Doble concierto para violín y chelo de Brahms junto a Gidon Kremer y la Filarmónica de Viena, dirigida por Leonard Bernstein. Le siguió en 1985 una grabación de las Suites para violonchelo solo de Bach. Desde entonces muchas de sus grabaciones han sido merecedoras de importantes premios internacionales, incluyendo el Grand Prix du Disque y el Record Academy Prize. En 1992 tocó por primera vez en los Proms de Londres, y al año siguiente en el Festival de Salzburgo junto a Martha Argerich.
Sus discos han sido recibidos también con el entusiasmo unánime de la crítica mundial siendo premiados en cinco ocasiones con el prestigioso 'Record Academy Prize' de Tokio, 'Echo Deutscher Schallplattenpreis' (tres veces), 'Grand Prix du Disque' de Paris y 'Diapason dŽOr' del Año sin olvidar lasnominaciones a los premios Grammy.
Músico reconocido a nivel mundial es regularmente invitado a participar en los festivales internacionales más prestigiosos con directores del mundo. En 1970 fue condenado a pasar dos años en un campo de trabajo cerca de Gorky, quizás debido a que su hermana se había exiliado a Israel el año anterior. Un amigo médico lo trasladó a una clínica psiquiátrica, ya que ésta era la única posibilidad para escapar de su arresto. Después de su puesta en libertad emigró a Israel y trasladó después su residencia a Bélgica.

(*) El violonchelo, chelo o violoncelo es un instrumento musical de cuerda frotada, perteneciente a la familia del violín, y de tamaño y registro entre la viola y el contrabajo. Se toca frotando un arco con las cuerdas, y con el instrumento sujeto entre las piernas del violonchelista.Según la Real Academia Española, en español se denomina chelo, violoncelo o violonchelo (con preferencia por este último).En algunos países hispanohablantes, se utiliza también la palabra italiana violoncello (pronunciada como en italiano: violonchelo), que no está reconocida por dicha Academia.

El violonchelo en italiano también se abrevia cello (chelo). Según la Academia, el ejecutante de violonchelo se llama violonchelista, violoncelista o chelista. Forman parte fundamental en la orquesta, dentro del grupo de las cuerdas, realizando normalmente las particiones graves, aunque la versatilidad del instrumento les permite realizar partes melódicas.Tradicionalmente es considerado uno de los instrumentos de cuerda que más se parece a la voz humana.A lo largo de la historia de la música se han compuesto muchas obras para violonchelo debido a su gran importancia dentro del panorama musical al ser éste un instrumento básico en muchas formaciones instrumentales.

Joseph Raff Nueva Musica Alemana

2011-04-12T09:23:00.007-03:00

Joseph Joachim Raff (1822-1882) compositor germano-suizo.Fue un músico prácticamente autodidacta que a lo largo de su vida pasó por momentos de gran pobreza y otros de alto éxito, siendo prácticamente olvidado después de su muerte. De talento precoz, las dificultades económicas le impidieron estudiar seriamente hasta después de cumplir los 20 años.. Nunca fue totalmente infiel al ideal de una nueva escuela alemana. Como compositor, Raff fue uno de los más fecundos del siglo XIX, con más de 230 obras de irregular calidad. Creó once sinfonías, de las que destacan Im walde y Leonora, ejemplos de la música programática, y las cuatro últimas, que se desarrollan como un cuarteto (Primavera, Verano, Otoño e Invierno). De su música de cámara merece la pena el Quinteto para piano en la menor, así como el Concierto para piano.

En 1877, nombrado primer director del «Hochsches Konservatorium» de Francfort-sur-le-Main, impartió clases del curso de composición a Edward MacDowell, su alumno más destacado.Su Primera Sinfonía obtuvo el primer premio de la «Wiener Gesellschaft der Musikfreunde», delante de sinfonías de compositores reputados como Carl Reinecke o Robert Volkmann.

Charles Ives Politonalidad y Polifonia

2011-04-07T11:20:00.011-03:00

Politonalidad y Polifonia Charles Ives Musica Clasica-La música clásica surgió tomando elementos de otras tradiciones musicales: la música de la Antigua Grecia, la música de la Antigua Roma (sobre todo por sus contribuciones teóricas) y la música de la Iglesia católica (principalmente el canto gregoriano). Los hitos que definieron su rumbo, sin embargo, fue el descubrimiento y posterior desarrollo de la polifonía, así como el posterior desarrollo de la armonía, la revolución musical conocida como el Ars nova y la evolución de la notación musical, además del estudio de la estética musical. Con la era de los descubrimientos que comenzó en el siglo XV y posterior colonialismo, la música clásica llegó a otros continentes y sufrió una síntesis con las tradiciones musicales de los nuevos territorios. Sin embargo, otros compositores, como Iannis Xenakis, argumentan que el efecto emocional de la música en los oyentes es arbitrario y que, por lo tanto, la complejidad objetiva o el contenido de información de la pieza es lo supremo.

Como en las bellas artes, la música clásica aspira a comunicar una cualidad trascendental de la emoción, que expresa algo universal acerca de la condición humana. Si bien la expresión emocional no es una propiedad exclusiva de la música clásica, esta honda exploración en la emoción permite que la mejor música clásica alcance lo que ha sido denominado lo "sublime" en el arte. Muchos ejemplos pueden citarse para demostrar esto. Por ejemplo, la musicalización del poema de Friedrich Schiller "Oda a la Alegría" en la Novena sinfonía de Beethoven, que suele interpretarse en actos de independencia nacional o de celebración, como aquella famosa ocasión en que la dirigió Leonard Bernstein para celebrar la caída del Muro de Berlín, y la tradición japonesa de tocarla para celebrar el Año Nuevo.

Charles Edward Ives fue un compositor estadounidense de música clásica, reconocido ampliamente como uno de los primeros de trascendencia internacional. La música de Ives fue ampliamente ignorada durante su vida, y muchas de sus obras permanecieron sin tocarse por muchos años. Con el tiempo, Ives llegaría a ser considerado como uno de los "American Originals", un compositor que adoptó un estilo americano único, con tonadas folclóricas estadounidenses tejidas a largo de todas sus composiciones, y una inquieta búsqueda por las posibilidades musicales. Sus obras más conocidas son La Pregunta sin Respuesta para orquesta y Sonata "Concord" para piano.

Hijo de un director de banda militar, Ives fue un músico autodidacto que supo compaginar los negocios –en 1907 fundó una próspera agencia de seguros– y la música. Alentado por su padre, no tardó en improvisar libremente al piano sin tener en cuenta las reglas de composición académicas. La curiosidad por la libre organización del sonido –a la que no era ajeno el interés por denunciar el conservadurismo de los músicos de su nación– se convertiría en una constante de su estilo. De esta manera, y sin tener conocimiento directo de las corrientes vanguardistas europeas, Ives se adelantó a su tiempo en el empleo de técnicas como la politonalidad, la atonalidad, la polirritmia y los cuartos de tono, abriendo también nuevas vías a la escritura orquestal. Una obra tan temprana como Variations on America (1891), para órgano, está ya escrita siguiendo un esquema politonal. El músico de Danbury fue también uno de los primeros en intuir todas las posibilidades del collage en la música.

-Bedřich Smetana empieza su obra maestra Má vlast (Mi patria).
-Modest Músorgski termina de escribir su obra Cuadros de una exposición en honor a Víktor Hartmann, artista amigo suyo.
-Pierre-Jules César Janssen, astrónomo francés de origen noruego, registra el tránsito de Venus frente al sol desde Yokohama, Japón, con ayuda de su "revolver fotográfico".
-Brayton: Motor de explosión, con petróleo como carburante.
-Gustav Kirchhoff: Mecánica.
-Gray describe por primera vez la orca pigmea (Feresa attenuata)
-Carl Wernicke (1848-1905); médico alemán; describe la afasia (síndrome neurológico) que lleva su nombre
-Primera exposición impresionista, donde Monet presenta Impression, soleil levant (pintado en 1872).
-Gustave Flaubert: Las tentaciones de San Antonio.
-Thomas Hardy: Lejos de la multitud enloquecedora.
-Émile Zola - El vientre de París.

Carl Von Biber Musico y Violinista

2010-11-24T01:25:00.006-03:00

Carl Heinrich von Biber Musico y Violinista del barroco.La música del periodo barroco es el estilo musical, relacionado con la época cultural europea homónima, que abarca desde el nacimiento de la ópera en el siglo XVII (aproximadamente en 1600) hasta la mitad del siglo XVIII (aproximadamente hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750).El término barroco se tomó de la arquitectura (donde designaba algo «retorcido», una construcción «pesada, elaborada, envuelta», siendo el significado original del término un lusismo que describía una perla deformada o joya falsa). En el siglo XVIII se usó en sentido peyorativo para describir las características del género musical del siglo anterior, que se consideraba «tosco, extraño, áspero y anticuado».Bibern fue un violinista y compositor austriaco del barroco tardío, nacido en Salzburgo, Austria, el 4 de septiembre de 1681 y fallecido el 19 de noviembre de 1749.

Era el sexto hijo de Heinrich Ignaz Franz von Biber, y recibió su formación musical de su padre. Desde 1714 fue vice-Kappelmeister en la corte de Salzburgo.Fue supervisor de Leopold Mozart, padre de Amadeus y su trabajo consiste principalmente en misas y otras obras litúrgicas. Su obra, junto a la de compositores como Corelli, Vivaldi y Giuseppe Tartini en Italia o Telemann y Johann Sebastian Bach en Alemania, contribuyó a dar realce al violín, instrumento denostado antes del siglo XVII.

* 3 de enero: Sale a la calle el periódico danés Berlingske Tidende, decano de la prensa diaria universal.
* 30 de agosto: tiene lugar en España la Gran Redada.
* José I de Portugal asume el reinado de Portugal y nombra a Sebastiâo José de Carvalho e Melo, marqués de Pombal, como su secretario de Estado.
* Funcación de la ciudad de Paysandú, Uruguay

Felix Mendelssohn Lenguaje Armonico

2010-10-12T21:00:00.000-03:00

el genio musical
precoz por excelencia

Felix Mendelssohn
Bartholdy(1809 - 1847)

En 1815 Felix comienza sus estudios serios de piano con Ludwig Berger -antes había estudiado brevemente en París con Marie Bigot, alumna de Beethoven- . En 1818, a los 9 años de edad, está ya en condiciones de realizar su debut pianístico. Su primera sinfonía la compuso Mendelssohn a los 15 años, y a los 17 su obertura "Sueño de una noche de verano", basada en la obra del mismo nombre de Shakespeare, y probablemente la obra más conocida de su adolescencia. Un año más tarde se representó por primera vez una ópera suya, aunque ya había compuesto varias con anterioridad. En 1830 escribió su
obertura-concierto"Las Hébridas", que se interpreta regularmente en la actualidad. La música está inspirada en temas escoceses, país que había visitado unos años antes. Esa misma música influyó en su tercera sinfonía, denominada "Escocesa", que Mendelssohn escribió de forma intermitente entre 1830 y 1842. Uno de sus numerosos viajes por Europa le llevó a Italia, donde se inspiró para su cuarta sinfonía llamada la "Italiana", una de sus obras más conocidas. En total escribió cinco sinfonías.

Felix Mendelssohn
Hebrides
Overture Part 1
Moores School Chamber Orchestra,
Hector Aguero, Jr. conductor. April 10, 2007

Mendelssohn compuso también dos conciertos para piano que gozan de una gran aceptación, así como el Concierto para violín en mi menor, que es una de las obras de la música clásica romántica más sobresalientes. También escribió música de cámara, entre las que se encuentran su conocido octeto para cuerdas, obras para piano sólo y dos grandes oratorios. En estos últimos se aprecia una gran influencia de Bach, cuya música popularizó Mendelssohn ante un público todavía poco conocedor de la música barroca.Aunque Mendelssohn no fue un compositor que influyera sobre otros de su tiempo o de épocas posteriores, su música fue muy popular en su tiempo y sigue siéndolo en la actualidad. El registro de sus composiciones comprende 72 obras publicadas en vida y 49 obras póstumas. Su romanticismo se aprecia con claridad en el uso del color orquestal y en su tendencia hacia una música programática que describe lugares, sucesos o personas.

Desde el punto de vista estructural Mendelssohn utiliza las formas musicales clásicas con un lirismo, una elegancia y un lenguaje armónico que le sitúa entre los compositores más conservadores de su época. En ocasiones al caracterizar el estilo de Mendelssohn suele insistirse en esta última circunstancia, su apego a la forma y a los valores musicales heredados. Por esto, la crítica suele clasificarlo entre los que llama 'clásicos-románticos'.

Mendelssohn Violin Concerto,
Janine Jansen and the BBC Orchestra

Mendelssohn fue uno de los músicos más valorados en vida. No se le conoce por sus óperas porque se dedicó en exclusiva a la composición instrumental.

En 1827 terminó la única ópera de su carrera artística que le supuso un importante éxito: Las bodas de Camacho. Viajó por toda Europa no sólo para dar a conocer su música, sino para aprender de la que se hacía en otros países. Italia fue uno de sus lugares predilectos. Desde niño la cultura italiana le sedujo de forma importante.
Una de las obras producto de sus viajes por el Viejo Continente son La sinfonía escocesa y Las hébridas.

Sus obras más destacadas son La leyenda de la bella Melusina y Ruy Blas, Las Romanzas sin palabras y los Conciertos para piano en sí bemol menor y re menor. Sin embargo, para la crítica, su obra cumbre y maestra es Concierto para violín y orquesta en mí menor del que la especialista Izaskun Carbajo dice que es “la espina dorsal de la realidad de Mendelssohn”.Fue el director de orquesta preferido por la familia real británica, Doctor Honoris Causa por la Universidad de Leizpig, y afamado profesor.En los últimos años Mendelssohn tuvo una salud precaria. Parece ser que, además, la muerte de su hermana Fanny en mayo de 1847 le sumió en una profunda depresión.Mendelssohn murió en Leipzig a los 38 años de edad.Pocos meses después de su hermana.

Claudio Arrau Plays Mendelssohn
Rondo Capriccioso

Acerca de La Obertura
Sueño de Una Noche de Verano

Mendelssohn compuso la introducción al Sueño de una noche de verano en un arrebato musical que experimentó a la temprana edad de 17 años. Lo escribió casi en una sola noche de febril actividad, completando esta primera pieza a lo largo del siguiente mes.
Esta composición se estrenó como preámbulo a las representaciones teatrales de la obra de Shakespeare. Inmediatamente se convirtió en un gran éxito y su cautivadora melodía ha perdurado hasta nuestros días como uno de los iconos de la música romántica. Años más tarde, a esta introducción, Mendelssohn añadió varias piezas para diversos recitativos de la obra, dando el título de música incidental a estos fragmentos -pues la música solo cubría determinadas escenas de la obra de teatro, pero no toda la prepresentación en su extensión.
Innumerables grabaciones de esta maravillosa y cautivadora obra se han realizado a lo largo de los tiempos, pero esta versión, conducida por Seiji Ozawa e interpretada por la Boston Symphony Orchestra, ha quedado por el momento como un testimonio insuperable, increíblemente bello y cautivador, de este intemporal cuento de hadas, salido de la pluma de Shakespeare.

Volodos plays the Mendelsohn Wedding March

Fechado: 30.05.2007
En Londres fué encontrado un manuscrito de Mendelssohn fechado en 1825 que contiene una canción inédita del compositor alemán

Esa canción se titula Seltsam mutter geht es mir y va acompañada de otras dos composiciones para voz y piano, una de ellas la versión completa de Der wasserfall (La cascada), de la que hasta ahora se conocía sólo un fragmento conservado en Berlín. Según Simon Maguire, especialista en manuscritos musicales de la casa de subasta, el joven Mendelssohn es, como Wolfgang Amadeus Mozart, "el genio musical precoz por excelencia. Escribió obras maestras con sólo 16 años, y una composición nueva suya es el equivalente de un poema inédito de Keats". La canción Seltsam mutter geht es mir (Madre, me siento extraño), no aparece registrada en la documentación existente sobre el compositor. Data de los años 1824-25, está compuesta en do mayor y consta de tres estrofas, de las que la segunda repite la línea melódica de la primera, mientras que ésa aparece ligeramente alterada en la tercera.La canción termina con una pregunta, Du blickst, und wirkst? (¿Miras y obras?), algo poco habitual en Mendelssohn.De mayor interés tal vez desde el punto de vista estrictamente musical, según el experto de Sotheby's , es el descubrimiento de la versión completa de Der wasserfall, de la que sólo se conocía la primera página por un manuscrito que se conserva en Berlín. "La tercera estrofa de esa canción es bellísima y de una gran valentía armónica, ya que pasa de modo casi inmediato del si mayor al do mayor", comenta Maguire. Der wasserfall data de la misma época que el "Octeto" de Mendelssohn (1825) y es de considerable interés e importancia por su carácter experimental.

• Lamarck publica la Filosofía zoológica, donde formula la teoría de la herencia de los caracteres adquiridos como clave de la transformación de las especies.
• Tras el fracaso del levantamiento austríaco, Metternich impulsa la alianza de Austria con Napoleón.
• Kleist escribe el drama patriótico El príncipe de Homburg.
• Se funda la Universidad de Berlín.
• Arago estudia la polarización de la luz.
• El zar Alejandro I de Rusia abandona el bloqueo continental a Gran Bretaña.
• Se reúnen la Cortes de Cádiz.
• El cura Hidalgo de subleva en México.
• Se forma la Junta Suprema del Nuevo Reino de Granada.
• Se forma una Junta en el virreinato de la Plata.

Concierto Clasico Dianova en Colegio Las Marias

2010-09-23T18:20:00.006-03:00

Difusión Social

Dianova (ONG) presenta el Concierto que organizará a favor del Colegio Las Marías en Nicaragua el 29 de octubre tendrá lugar el I Concierto de Música Clásica en el cine a favor del Colegio Las Marías que tiene Dianova en Nicaragua. Los fondos recaudados se destinarán a la mejora del abastecimiento de agua y la homologación del sistema eléctrico del centro, por el que cada año pasan más de 350 niñ@s y adolescentes del norte del Departamento de Carazo. Imanol Arias y Juan Echanove presentarán el acto ante los medios de comunicación y también estarán en el Auditorio el próximo 29 de octubre. El concierto correrá a cargo de la Orquesta Santa Cecilia (Fundación Excelentia) e interpretará piezas de películas tan conocidas como El gran dictador, El Padrino, Moulin Rouge o La naranja mecánica.

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Dianova
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Que es Dianova?
Dianova es una ONG internacional, con estatus consultivo ante el Consejo Económico y Social de Naciones Unidas (ECOSOC), que opera en doce países de América y Europa. Dianova desarrolla programas y proyectos innovadores en educación, juventud, prevención y tratamiento de adicciones, así como en áreas de desarrollo socio-comunitario.En España, Dianova desarrolla principalmente programas educativos y terapéuticos en favor de personas adictas a drogas y en favor de adolescentes que presentan dificultades de maduración personal y de adaptación social.La red Dianova
está establecida en 12 países de Europa y América, Dianova está constituida por un conjunto de organizaciones independientes y autónomas que desarrollan programas sociales e iniciativas innovadoras en las áreas de la prevención o tratamiento de las adicciones, de la educación y del desarrollo personal y social de los jóvenes.

Mozart Secretos Arqueologicos Revelados

2010-09-06T09:17:00.000-03:00

Julio Montes
El Coleccionista de
Cráneos Célebre
Los grandes genios de la música y la pintura tienen algo en común aparte de su extraordinario talento: todos ellos tuvieron, después de muertos, un cráneo con vida propia. En el libro 'El coleccionista de cráneos célebres', el doctor Julio Montes, internista del Hospital Meixoeiro de Vigo, detalla la peripecia de tanto cráneo perdido, robado o falso. Durante el reciente Congreso de la Sociedad Española de Medicina Interna, presentó datos nuevos sobre el cerebro de Einstein, las enfermedades de Beethoven o los restos de Mozart, y en la actualidad estudia la relación de éstos y otros gigantes del arte con sus galenos. Ahora que la cartelera cinematográfica resucita una vez más las vidas de Goya o Beethoven, el doctor Montes repasa algunos enigmas que rodearon a la desaparición de sus cráneos.

Entrevista

Pregunta.- ¿De dónde le viene esta pasión por los cráneos de los genios?
Respuesta.- Fue a raíz de una enfermedad que me tuvo en casa una semana sin poder ir a trabajar al hospital. Aproveché para leer una biografía de Goya. Me llamó la atención lo poco que se sabía sobre la causa de su muerte. En la literatura médica apenas había información, a diferencia de lo que sucede con las numerosas investigaciones centradas en Beethoven o Mozart. Mi esfuerzo era reivindicativo: Goya ocupa en la pintura un lugar comparable al que estos compositores ostentan en la música.

P.- Escribió entonces 'El coleccionista de cráneos célebres' pero podía haberse titulado 'Aventuras y desventuras de un cráneo'.
R.- En muchos casos el cráneo de estos artistas desaparecía y volvía a aparecer, pero tiene una explicación. La mayoría muere entre finales del siglo XVIII y principios del XIX. Es un periodo que coincide con el predominio de la frenología, una teoría médica según la cual por el estudio de las protuberancias del cráneo se podía deducir el carácter de una persona. Los seguidores más fanáticos consideraban los cráneos de los grandes hombres de su tiempo como preciados trofeos.

P.- Alguno, como el de Mozart, ha seguido siendo noticia hasta hace bien poco.
R.- Al ser enterrado en una fosa común, la calavera se extravió. Parece que un enterrador la recuperó. Durante mucho tiempo se ha exhibido en el museo dedicado a Mozart en Viena. A principios de este mismo año, la televisión austriaca anunció un descubrimiento sensacional sobre la identidad del cráneo. Se comparó el ADN, fundamentalmente de los dientes, con los de su abuela y su sobrina. La sorpresa fue mayúscula al comprobar que el de ellas no estaba genéticamente relacionado. Sigue sin saberse si el que está en el museo es o no el auténtico.

P.- ¿Puede un material óseo enterrado hace dos siglos seguir proporcionando información médica tanto tiempo después?
R.- Ahí está el cráneo de Beethoven para demostrarlo: murió en 1827 y el último estudio sobre sus dolencias se publicó en 2005. Ha dado información valiosa de una enfermedad que sufrió y de otra que posiblemente no padeció. Durante mucho tiempo se creyó que tuvo sífilis, infección que solía tratarse con preparados ricos en mercurio. Ni en el cráneo ni en su cabello se han encontrado cantidades significativas. Si tuvo sífilis, no fue desde luego en los últimos años de vida. El de Beethoven fue otro de los que robaron. Se supo 30 años después cuando se quiso mejorar el estado de su tumba.

P.- El cráneo de Goya, aún en paradero desconocido, ha dado sin embargo mucho juego.
R.- Hay una novela de Vicente Muñoz Puelles: 'El cráneo de Goya' que relata cómo lo robaron probablemente antes de ser enterrado. En 2000 se estrenó una ópera que tenía también la calavera del pintor como personaje principal. En cualquier caso, con cabeza o sin ella, sabemos que está enterrado en la sacramental de San Isidro en Madrid. Por desgracia, no podemos decir lo mismo de Cervantes, Góngora o Velázquez.

P.- Entre tanto material destaca uno: el de Einstein. ¿Fue el mejor cerebro del siglo XX una pieza codiciada?
R.- No está claro si dio o no autorización para que se estudiara su cerebro. El caso es que el forense Thomas Harvey se quedó con él, lo metió en un frasco de formol y lo dividió en 250 partes. Tras 23 años de la muerte del científico, un periodista americano localizó a Harvey en un pueblo remoto. Desde entonces fue repartiendo trocitos hasta que en 1999 apareció como uno de los firmantes de un estudio publicado en 'The Lancet'. Según él, al cerebro le faltaba una parte del lóbulo temporal y esta anomalía haría posible que sus neuronas recorrieran menos espacio de unas a otras, estableciendo más asociaciones de lo habitual.

P.- ¿La hipótesis es descabellada?
R.- Soy bastante escéptico. Murió a los 76 años, demasiado mayor para que el estudio sea relevante. Intenta sacar conclusiones sobre una inteligencia que había dado lo mejor de sí 50 años atrás es, cuando menos, complicado.

P.- ¿Tiene debilidad por algún cráneo célebre en concreto?
R.- Como homenaje a su extraordinaria obra, diría que siento pasión por la calavera imposible de Mozart. (Fuente)

Otras Teorías acerca de la muerte de Mozart:

Wolfgang Amadeus Mozart
murió por comer una chuleta de cerdo,
sugiere un nuevo estudio.
El compositor austríaco mundialmente famoso, quien murió en 1791, mostró síntomas de una enfermedad causada por la ingestión de carne de porcino infectada por una lombirz y mal cocinada, según un doctor estadounidense. Mozart sufrió de fiebres, salpullidos, dolores en los miembros e inflamación -síntomas que coinciden con los causados por la triquinosis, señala el doctor Jan V. Hirschmann del Centro Médico del Sonido Puget en Seattle. Su muerte fue atribuida a una "severa fiebre" en el momento y no se realizó una autopsia.

Carta de Mozart a su esposa...

Teorías anteriores sobre la causa de la muerte del compositor, quien apenas alcanzó los 35 años de edad, incluyen la fiebre reumática, cálculos renales, afecciones cardíacas, neumonía e intoxicación.
Algunos han llegado hasta a sospechar de su rival, el compositor Antonio Salieri.
Sin embargo, Hirschmann destaca una carta que Mozart le escribió a su esposa 44 días antes de enfermarse.

"¿A qué huele?... ¡chuletas de cerdo! ¡Qué gusto!: me las como a tu salud", escribió el compositor. La triquinosis tiene un período de incubación de unos 50 días, señala el doctor, quien es un especialista en enfermedades infecciosas.

Su informe de ocho páginas se basa en detalles encontrados en la literatura médica, documentos históricos y biografías.
Hirschmann admitió, sin embargo, que el hecho de que no se pueda probar que está errado "hace que el especular sea más divertido".

Otras Teorías
La tumba de Mozart fue excavada siete años después de su muerte para ser reutilizada.
Sus restos fueron dispersados.

La doctora Faith Fitzgerald, profesora de música de la Universidad de California, presentó el año pasado la teoría de que Mozart murió de fiebre reumática.
Según la doctora, existen unas 150 teorías diferentes sobre la causa de la muerte del compositor.
"Es un poco extraño que tanta gente invierta tanto tiempo en algo virtualmente imposible de comprobar", dice Fitzgerald.
"Lo hacemos porque es divertido y porque es Mozart", concluye. (Fuente)

Mozart, su cráneo y sus parientes...
En el caso de los parientes del músico Wolfgang Amadeus Mozart, este sino se traduce en haber sido desenterrados. Científicos austriacos decidieron sacar de sus tumbas a algunos familiares directos del compositor para intentar obtener muestras de ADN. Con ellas esperan establecer si un cráneo que está en poder de la Fundación Internacional Mozart es o no del afamado artista. La ubicación exacta de la tumba de Mozart es desconocida...

Mozart El Cuarteto y La Sonata-La nueva construccion post Bach (Teoria de la Musica)

2010-08-26T02:00:00.000-03:00

Mozart y El Cuarteto

La figura de Mozart como un hombrecillo con peluca y medias de seda, epítome aniñado de la gracia etérea, de la sencillez y el fino encaje, es tan novelada como extendida.Ese Mozart ficcional se asienta sin embargo en un curioso principio de verosimiltud de su tiempo: la novela fue uno de los grandes acontecimientos estéticos del siglo XVIII. El otro, sin duda, la Forma Sonata, que Haydn y Mozart, su discípulo y amigo, convirtieron en el principal artefacto discursivo de esa época.La sonata, en efecto, fue la gran construcción intelectual que sucedió a la fuga bachiana. Según el musicólogo Enrico Fubini ha sido uno de los modelos más significativos por medio de los cuales se pudo expresar la perfección de un momento histórico "tan denso y problemático como fue el tránsito de la cultura iluminista a la romántica".

Tal vez si el receloso París hubiera mirado con mayor agudeza a Viena hubiera descubierto las potencias que asomaban entonces debajo de los viejos hábitos. Allí estaba Haydn, servidor de la casa Esterházy, con su librea de criado, puliendo la nueva modalidad organizativa de la música sin pedirle prestado a ningún otro género.

Recordemos: la suite tenía el esqueleto del ceremonial danzario. El concerto grosso y el concierto solista tripartito de tipo vivaldiano apoyaban una pata en el melodrama italiano. Es la sonata el territorio donde la música se despoja de la "librea" antes incluso que los propios compositores, se absolutiza, conquista su propio ámbito.Quizá sea la Forma Sonata de Haydn -y en especial el cuarteto- la que más se aproxime a los ideales musicales del iluminismo.

El cuarteto haydniano es resultado de una contingencia.
Karl Joseph von Furnberg lo invitó a hacerse cargo de la dirección de las actividades musicales de su residencia en Weinzirl, cerca de Melk. El aristócrata venido a menos no tenía en 1759 fondos necesarios para sufragar una orquesta sino un modesto conjunto. Y Haydn se puso escribir para cuarteto.El abandono de la denominación divertimento fue un acto fundante.
Haydn tiene una vocación de claridad permanente, es el don del discurrir y conversar, la alegría por la invención temática.En él, los temas brotan como matrioshkas, uno detrás del otro, y todos de la misma matriz. Es posible imaginar el profundo impacto que provocó su audición en Mozart.
No fue casual que los haya tomado como modelo para armar luego su propio desvío. Gracias a Haydn, dijo alguna vez, aprendió "cómo se deben escribir cuartetos".

Los cuartetos de Mozart están
claramente diferenciados por período:

Los primeros intentos datan de 1770.

A principios de 1773, es decir, a los 17 años, ya ha escrito seis cuartetos, llamados Italianos porque remiten al lugar donde fueron compuestos. Son típicamente "galantes", en el estilo de la ópera italiana. Los seis cuartetos vieneses, de agosto y septiembre de 1773 ya tienen el sello de la influencia de Haydn. Al escucharlos, éste dijo al padre, don Leopold, "os aseguro por mi honor que considero a vuestro hijo el compositor más grande que haya oído jamás".El agradecimiento de Amadeus quedaría documentado en su madurez. Los seis cuartetos dedicados a Haydn son uno de los puntos culminantes de su producción camarística. Dos años de trabajo, de indagaciones y revuelo.

En Milan, compuso los seis cuartetos de cuerda conocidos como "milaneses", y estrenó tres óperas, Mitridate, rè di Ponto, Lucio Silla y Ascanio in Alba, ésta última por encargo de la emperatriz Maria Teresa, con ocasión de la boda de su hijo. Pero también allí se acabó el sueño de Leopold de conseguir un trabajo estable para su hijo en el país de la música por excelencia. Después de Ascanio, los Mozart permanecieron en Milán para pedir al archiduque Ferdinando, hijo de la emperatriz, un puesto como músico a su servicio. El archiduque consultó a su madre y ésta le desaconsejjó la contratación, haciendo ver a su hijo que aquellos músicos, en el fondo, eran "gentes inútiles", artistas ambulantes, vulgares trotamundos...

W.A.Mozart
cuarteto en sol mayor
chao xu cello,delfina willis viola,
osiris rodriguez violin, inna bikova violin

El primero, en Sol Mayor, fue terminado el último día de 1782, el segundo, en Re Menor, en junio de 1783, el tercero, en Mi Bemol mayor, en julio de ese año. Los últimos tres cuartetos (Si Mayor, La Mayor y Do Mayor) fueron realizados entre noviembre de 1784 y enero de 1785 y el propio Mozart los describió como fruto de un "doloroso trabajo". Entre los últimos cuartetos se encuentran también los conocidos como Prusianos.

El cuarteto Mosaïques los grabó a principios de este año que agoniza para completar unaserie de discos notables que inició un lustro atrás (y que ahora acaban de ser reeditados con un nuevo packaging). La confrontación con Mozart es siempre reveladora: la peluca empolvada se trastoca en un magma, un universo tan sombrío como intenso. La "transparencia" es apenas un espejismo que oculta el misterio.En los últimos cuartetos se atesoran algunas de las perlas más preciadas del compositor. ...

El Lenguaje de la música:
Acerca de las Formas Musicales:

Muchas formas musicales se basan en el contraste —además de la repetición— de las secciones. La forma binaria consta de dos secciones opuestas que tienen la función de exposición y contraexposición.El patrón puede ser un simple AB, o complicarse con repeticiones, como en la balada medieval (AAB), o mediante variaciones, como en la melodía "Greensleeves" (AA'BB', siendo A' la variación de A).En la forma binaria que puede encontrarse en gran parte de la música barroca (c. 1600-c. 1750) el patrón exige un cambio de tonalidad: la sección A comienza en una tonalidad y acaba en otra; la sección B comienza en la nueva tonalidad y finaliza en la original; cada sección se repite, dando como resultado el patrón AABB. Las canciones suelen asumir con frecuencia la forma ABA (forma ternaria o triple, también llamada forma canción).

En el aria da capo de la ópera de los siglos XVII y XVIII el patrón era ABA', porque el cantante improvisaba una ornamentación cuando repetía la sección A.
A finales del siglo XVIII y en el XIX, el movimiento minué o scherzo de una sonata, sinfonía u otra obra en varios movimientos, se construía en la forma ABA: un minué o scherzo inicial al que seguía otro contrastante (llamado trío), y al que a su vez seguía la repetición de aquél del principio (este patrón también sirve para ejemplificar los niveles jerárquicos de la forma, ya que dentro del formato ABA, cada minué o scherzo sigue a su vez un esquema a dos partes).

La sonata y Sus Distintas Variantes

La sonata (del italiano suonare = sonar) es una composición musical creada para uno o más instrumentos, que consta de varios tiempos. Cada tiempo se compone de tres secciones conocidas como exposición, desarrollo y recapitulación.

El término sonata se aplica en distintos sentidos...

Desde mediados del siglo XVIII, la sonata se ha utilizado para denominar las obras de tres o cuatro movimientos para uno o dos instrumentos, como sucede en las sonatas para piano (solista), o con la sonata para violín (para violín con un instrumento de teclado).

Se suelen usar términos distintos al de sonata en obras que presentan la misma disposición pero que están compuestas para otras combinaciones instrumentales; por ejemplo, la sonata para orquesta se llama sinfonía, la sonata con un instrumento solista se llama concierto, y la sonata para un cuarteto de cuerdas se denomina cuarteto de cuerdas.
En los siglos XVI y XVII el término sonata se aplicaba para distinguir una pieza sonora instrumental de una composición vocal, por lo que el término no implicaba entonces una forma o estilo de composición específico. La forma y el estilo se desarrollaron en Italia a finales del siglo XVI y principios del XVII, al cultivarse por vez primera la música instrumental a gran escala. Hacia el siglo XVII emergieron dos categorías: la sonata da chiesa, o sonata de iglesia, una obra seria con cuatro movimientos; y la sonata da camera, o sonata de cámara, una serie de movimientos cortos con origen en la danza.

Herbert Von Karajan Director de Orquesta

2010-08-07T18:00:00.000-03:00

Herbert Von Karajan

"Tenía un enorme talento musical. Dominaba un repertorio amplísimo, absorbía las partituras como una esponja... Era un genio."Que un eminente colega, sir George Solti, dedicara estos elogios a Herbert von Karajan (aunque acto seguido le recriminara su "sed de poder") deja claro por qué el austríaco fue el director de orquesta más famoso de la historia y, para muchos, el mejor.Hoy su vida alcanzó categoría de leyenda, de mito.

Nació en Salzburgo, la ciudad de Mozart, y murió allí en 1989. Su legado es gigantesco.No se detuvo su febril actividad artística en ningún momento de su vida. Condujo 3.300 conciertos y funciones de ópera. Grabó centenares de discos, de los que vendió más de un centenar de millones de copias.

Beethoven - Symphonie Nr. 6 (Pastoral)
1st Movement - Allegro ma non troppo
Berliner Philharmoniker
Herbert von Karajan

Sus versiones de sus obras más célebres del repertorio operístico son consideradas aún hoy las mejores. Polémico, sorprendente, riguroso desde siempre, Karajan recibió sus primeras lecciones de piano a los tres años, a los cinco debutó en público y a los veintiuno dirigió su primer concierto, en una orquesta donde su padre tocaba el clarinete.

Karajan lo quería todo: en 1934 se convirtió en el Director General de Música más joven de Alemania; cuatro años más tarde debutó en la Opera Nacional de Berlín y dirigió de memoria "Tristán e Isolda", de Wagner, acontecimiento musical que lo lanzó a la fama y lo situó en un lugar de honor. Dirigió la Orquesta Nacional de Berlín hasta fines de la Segunda Guerra, cuando los vencedores le prohibieron ejercer como director debido a su afiliación nazi. Por entonces, Karajan y su segunda es¬posa, Anita Güterman, vivieron grandes privaciones, sin trabajo y sin dinero. Pero en 1947 fue autorizado a dirigir en todas partes, e inició la carrera internacional más brillante y exitosa imaginable.

En 1955, el Senado de Berlín lo nombró director vitalicio de la Orquesta Filar¬mónica de Berlín y, al año, se hizo cargo de la dirección del Festival de Salzburgo. Tiempo después se convirtió en Director General de Música de Europa tras ejercer como director titular de las filarmónicas de Viena, Berlín, la Sinfónica de Londres, la Scala de Milán, y de haber sido director invitado en los eventos más importantes de Europa.En su camino a la cúspide se casó por tercera vez, en esta ocasión con la modelo francesa Eliette Mouret y cumplió así su más ferviente deseo: la paternidad.

En abril de 1967 inauguró el Festival de Pascua de Salzburgo con obras de Wagner, entre las que se destacó su monumental Tetralogía. Su salud comenzó a resquebrajarse y restringió sus apariciones fuera de su festival, Viena, Berlín o Salzburgo. Pero en 1985 se animó y dirigió en el Vaticano con la Orquesta Filarmónica de Viena la Misa de Coronación, de Mozart, transmitida a todo el mundo. Su precario estado de salud, en abril de 1989, le obligó a renunciar a todos los cargos, incluida su Filarmónica de Berlín. Pero aún así no se detuvo: cuando falleció dirigía los ensayos de una nueva producción de "Un baile de máscaras", de Verdi. El 16 de julio de aquel año, Herbert von Karajan falleció en su residencia de Anif. Salzburgo acogió en silencio y respeto los restos de su otro hijo dilecto —el primero es Mozart—, sin pompas fúnebres, sin cámaras y sin prensa.

Herbert Von Karajan Conducts Beethoven
Symphony No. 3 in E Flat Major
'Eroica', Op. 55

Manuel de Falla Compositor Siglo de Oro

2010-08-06T17:00:00.000-03:00

Manuel De falla

Nace en Cádiz, España, el 23 de Noviembre de 1876, hijo de José María Falla y Franco (1849-1919) y de María Jesús Matheu y Zabala (1850-1919). Su madre, intérprete del piano y su abuelo, lo introducen en las primeras nociones de música, que a los 9 años de edad continúa con una profesora de piano, Eloisa Galluzo.
En 1889 continúa sus estudios de piano con Alejandro Odero, y aprende armonía y contrapunto con Enrique Broca. A los quince años sus intereses parecen ser principalmente la literatura y el periodismo. Con un grupo de amigos funda una revista literaria, "El Burlón" , y en 1890 participa en una segunda titulada "El Cascabel" , que termina dirigiendo.

En 1893, asistiendo a un concierto en Cádiz donde se interpretan ,entre otras, obras de Edvard Grieg siente, según sus propias palabras, que su "vocación definitiva es la música". Orientado en esa dirección, a partir de 1896 comienza a viajar a Madrid, donde asiste al Conservatorio . Allí se perfecciona en piano con José Tragó , logrando en 1899 obtener un primer premio en un concurso de intérpretes del instrumento. Por esta época, el joven músico empieza a usar el apellido "de Falla" ,con el que será conocido.

En 1897 se traslada Madrid definitivamente, donde al año siguiente termina con honores sus estudios en el Conservatorio, y en 1901 conoce a Felipe Pedrell , quien tendrá notable influencia en su posterior carrera. Tras algunas zarzuelas, hoy perdidas u olvidadas, como Los amores de Inés, los años de estudio en la capital española culminaron con la composición de la ópera La vida breve, que se hizo acreedora del primer premio de un concurso convocado por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

Aunque las bases del concurso estipulaban que el trabajo ganador debía representarse en el Teatro Real de Madrid, Falla hubo de esperar ocho años para dar a conocer su partitura, no en Madrid sino en Niza. La siguiente etapa de su formación tiene lugar en Francia: afincado en París desde 1907, por consejo de Turina y Mirecki, entró en relación con Claude Debussy, Maurice Ravel, Dukas y Albéniz, cuya impronta sería perceptible en varias obras posteriores como Noches en los jardines de España, obra en la que, a pesar del innegable aroma español que presenta, está latente cierto impresionismo en la instrumentación.

La madurez creativa de Falla empieza con su regreso a España, en el año 1914.
Es el momento en que compone sus obras más célebres: la pantomima El amor brujo y el ballet El sombrero de tres picos (compuesto para cumplimentar un encargo de los célebres Ballets Rusos de Sergei Diaghilev), las Siete canciones populares españolas para voz y piano, la Fantasía bética para piano y la ya citada Noches en los Jardines de España, estrenada en el Teatro Real en 1916.

El amor brujo - Manuel de Falla
Choreography of the film - El amor brujo -
Carlos Saura - Antonio Gades

Su estilo fue evolucionando a través de estas composiciones desde el nacionalismo folclorista que revelan estas primeras partituras, inspiradas en temas, melodías, ritmos y giros andaluces o castellanos, hasta un nacionalismo que buscaba su inspiración en la tradición musical del Siglo de Oro español y al que responden la ópera para marionetas El retablo de maese Pedro, una de sus obras más alabadas, y el Concierto para clave y cinco instrumentos.

Mientras que en sus obras anteriores Falla hacía gala de una extensa paleta sonora, heredada directamente de la escuela francesa, en estas últimas composiciones, su estilo fue haciéndose más austero y conciso, y de manera especial en el Concierto.

Manuel de Falla: Spanish Dance nº1
from "La Vida Breve"
Duo Curbelo (Oliver & José María Curbelo)
playing Spanish Dance nº1 by Manuel de Falla

Los últimos veinte años de su vida, Manuel de Falla los pasó trabajando en la que consideraba había de ser la obra de su vida: la cantata escénica La Atlántida, sobre un poema del poeta en lengua catalana Jacint Verdaguer, que le había obsesionado desde su infancia y en el cual veía reflejadas todas sus preocupaciones filosóficas, religiosas y humanísticas.

Exilio en Argentina
El 28 de septiembre de 1939, después de la guerra civil española y en puertas de la Segunda Guerra Mundial, Manuel de Falla se exilió en Argentina, a pesar de los intentos de los gobiernos del general Franco, que le ofrecen una pensión si regresa a España, vive en su exilio argentino gracias a la ayuda de algunos mecenas, entre ellos la familia Cambó, finalmente muere en 1946, sin que hubiera podido culminar su última obra.
La tarea de finalizarla según los esbozos dejados por el maestro correspondió a su discípulo Ernesto Halffter.

Fallecimiento
En 1947 sus restos fueron trasladados desde Buenos Aires a Cádiz a bordo del minador Marte. En Cádiz fueron recibidos por su familia, por José María Pemán y por diferentes autoridades eclesiásticas, civiles y militares, entre las que se encontraba el Ministro de Justicia, Raimundo Fernández Cuesta, en representación del Jefe del Estado, General Franco.El cortejo fúnebre se dirigió del muelle a la Catedral, donde se celebró un solemne funeral.Con autorización expresa del Papa Pío XII, los restos fueron enterrados en la Cripta de la Catedral de Cádiz, donde se encuentran actualmente junto a los de José María Pemán

Frescobaldi Girolamo Compositor y Organista

2010-08-06T15:00:00.000-03:00

Girolamo Frescobaldi

Nació en Ferrara. Estudió a las órdenes del organista y famoso madrigalista Luzzasco Luzzaschi en Ferrara. Otra de sus tempranas influencias fue la de Carlo Gesualdo, también presente por aquella época en la misma ciudad.
Su mentor Enzo Bentivoglio le ayudó a conseguir una plaza de organista en la iglesia de Santa María de Trastevere en Roma en la primavera de 1607. Con él viajó a los Países Bajos antes de convertirse en organista de la Basílica de San Pedro de Roma en 1608, plaza que ocupó hasta su muerte. Desde 1628 a 1634 fue organista en la corte de los Médicis en Florencia.

Escribió un gran número de obras para órgano y clavicémbalo, incluyendo tocatas, caprichos, fantasías, canciones, ricercare (nombre genérico para cualquier pieza con contrapunto), danzas y variaciones. Entre sus obras más conocidas se encuentran las Fiori musicali (1635), una colección de obras de órgano para ser tocadas durante la misa. Publicó dos libros de tocatas entre 1615 y 1637, entre las que se encuentra la Cento Partite, una de sus obras más virtuosas y experimentales. Su música vocal incluye misas, motetes y madrigales. Su música instrumental es menos conocida, a pesar del "Primer volumen de canciones para tocar con cualquier instrumento", publicado en 1628.Frescobaldi falleció en Roma el 1 de marzo de 1643.

Excerts from the "Messa della Domenica" by Frescobaldi

Frescobaldi fue uno de los inventores de la concepción moderna del tempo y su música tuvo una gran influencia en compositores posteriores como Johann Jakob Froberger y Johann Sebastian Bach.

Su Musica:
De sus obras vocales podemos destacar: "Primer libro de madrigales a cinco voces" (1608); "Segundo libro de varias modulaciones a una, dos, tres y cuatro voces" (1627); "Segundo libro de arias musicales" (1630)

Jacques Offenbach Orfeo en los Infiernos

2010-07-25T15:24:00.000-03:00

Opera/Argumentos:

Orfeo en los Infiernos
Version establecida por
Mark Minkowski
y Laurent Pelly.

Jacques Offenbach (1819 – 1880). Compositor y violoncellista alemán, nacionalizado francés, creador de la opereta moderna. Fue uno de los compositores más influyentes de la música popular europea del siglo XIX.Opera bouffa en dos actos con libreto de Hector Cremieux y Ludovic Halevy, aumentada con elementos de la version de 1874 (Opera-feerie en Cuatro actos). Version establecida por Mark Minkowski y Laurent Pelly.En 1855, fundó el teatro Bouffes-Parisiens donde llevó a escena sus propias obras, que reflejan la joie de vivre de su época, con humor e irreverencia. "La Belle Hèléne" es una apología del ménage a trois. Sus restos reposan en el Cementerio de Montmartre.

Orpheus in the Underworld

Orphée aux Enfers (1858) Orfeo en los infiernos
(estreno 21 de octubre 1858)
El "finale" de esta obra se convirtió
en el famoso cancán.

Personajes:
ORFEO Poeta, Músico y Cantor Tenor
EURIDICE Esposa de Orfeo Soprano
ARISTEO Amante de Eurídice Tenor
LA OPINION PUBLICA Opinión Pública Mezzosoprano
JUPITER Dios Supremo del Olimpo Barítono
JUNO Diosa, Esposa de Júpiter Soprano
VENUS Diosa del Amor Soprano
CUPIDO Dios, Hijo de Venus Mezzosoprano
MARTE Dios de la Guerra Barítono
PLUTÓN Dios de los Infiernos Tenor
RADAMANTIS Juez de los Infiernos Barítono
DIANA Diosa de la Caza Soprano
MERCURIO Dios, Consejero de Júpiter Tenor
JOHNN STYX Criado de Plutón Tenor
MINOS Juez de los Infiernos Tenor
EACO Juez de los Infiernos Tenor

Argumento Orfeo en los infiernos

Primer cuadro:
En los alrededores de Tebas, la Opinion Publica aparece en escena para explicar su papel en la pieza que va a seguir: como un antiguo cirio activo, velara por el respeto a las buenas costumbres y, vestal moral, combatirá la infidelidad. Cuando entra Eurídice comprendemos el tema: esta enamorada de Aristee.Orfeo la aburre, su violin la crispa, la disgusta, hiere sus oidos...No soporta mas a su marido. Si por lo menos cada escena hogareña no culminase con una demostracion de virtuosismo... Oh, como quisiera Eundice ser librada de Orfeo! Cuando por fin el calla, cuando finalmente la deja para ir a sus clases de musica, ella se encuentra con Aristee. El esta cerca, pero los separa un campo de trigo. Ella quiere cruzarlo, pero sabe que el gentil apicultor es Pluton disfrazado. Eurídice atraviesa los campos y la serpiente que el dios de los infiemos ha puesto alii la pica y la mata. Solo tiene tiempo para escribir a su marido una nota en alejandrinos y Eurídice, consentiente y feliz, desciende a los infiernos con Pluton. Orfeo regresa, encuentra la nota de su mujer, y finalmente libre se regocija de la muerte de Euridice. Pero esto es demasiado: voces provenientes de algun lugar proclaman la anatema e interviene la Opinion Public. Si Orfeo no va a reclamar a su mujer al padre de los dioses, se acabaron el talento, el exito, las lecciaones, la reputacion y el dinero. Orfeo se somete y parte al Olimpo.

Segundo cuadro:
En el Olimpo. En las nubes donde hace frfo, aburridos de su eternidad, hartos de nectar y de ambrosia, los dioses duermen, acunados por un aire duke. De repente, una fanfarria sacude la modorra general: ha llegado Diana a contar la trago perdida de Acteon, su bienamado, transformado en ciervo.Jupiter con-fiesa: ha sido el, lo ha hecho para proteger la reputacion de su querida hija. Furiosa, Diana enumera delante de Juno las infidelidades y las transformations del padre de los dioses. Es rapidamenmte apoyada por las otras di-vinidades, furiosas por no poder gozar de las mismas libertades que su soberano.Juno se desmaya y la revolution avanza.Mercurio anuncia el rapto de la bella Euridice y la llegada de Pluton al Olimpo.Feliz de poder desviar la atencion hacia otro, Jupiter ve aparecer con placer a su hermano, el dios de los infiemos. Pluton miente, trata de justificarse, pero es inutil.
Jupiter no le cree.Cuando se anuncia que un mortal pide audiencia, el rey de los dioses restablece la calma en su Olimpo y solicita a los dioses restantes una actitud noble y digna.
Orfeo hace su entrada, seguido de cerca por la Opinion Publica.
Citando el aria famosa de Gluck, el mortal reclama sin mucho entusiasmo el regreso de su mitad. Jupiter, exi-tado por esta Euridice de la cual todos se enamoran, decide acompanar a Pluton a los infiernos para aclarar la situation.Los dioses del Olimpo, aburridos por una vida sin emociones fuertes sobre las alturas celestiales, exigen a Jupiter el derecho de acompañarlo en su viaje.
Jupiter acepta.

Tercer cuadro:
En el boudoir de Pluton. Euridice esta decepcionada. Ella habia imaginado una vida de orgias incesantes y se encuentra encerrada entre las Cuatro paredes de un boudoir. Es mas: su carcelero, quien le hace la corte, le da miedo.
Es un cierto John Stykx, domestico de Pluton, que quizas haya sido antes --. de Beocia. Frustrado por estar reducido a jugar un rol tan ingrato, el ahoga su pena en las aguas del Leteo, que tienen el efecto de hacerle perder su memoria.
Un ruido inhabitual incita a John Stykx a encerrar a Euridice en un ropero.
Cuando aparece Jupiter acompanado de Pluton, todo respira un perfecto orden.
Pero el dios supremo tiene ojos de aguila y repara inmediatamente en el lugar adonde esta escondida Euridice.
Se aleja entonces en compama de Pluton, aparentemente satisfecho de su gira de inspection. Cuando vuelve, su hijo Cupido esta alii y lo convierte en mosca. Jupiter vuelve a entrar entonces por el ojo de la cerradura en la prision de la bella cautiva. Despues de un ardoroso duo erotico, revela su verdadera identidad a una Euridice alagada y encantada, y lista a seguirlo a los extremos del cielo. El retorno de Pluton impide la fuga.

Cuarto cuadro:
Un salón infernal.
La gran fiesta organizada por Pluton en honor de Jupiter esta en su apogeo.
Euridice, disfrazada de bacante, se divierte aun mas que todo el resto, pero los bellos planes de huirtardan en realizarse.Pluton esta siempre en su camino y les impide escaparse. El dios infernal, irritado por tanto ardor empenado en engafiarlo, le recuerda a Jupiter la promesa hecha a Orfeo de devolverle a Euridice. Jupiter debe respetar su palabra; teme a los rayos de la Opinion Publica. ¿Que sucedera, en efecto, si el perdiera su reputacion; si los mortales no le creyeran mas y negaran los ricos sacrificios ofrecidos a los dioses? ... Antes de entregar una Euridice recalcitrante a un Orfeo poco entusiasmado, Jupiter tiene una idea divina. Impone una condition al retorno de Euridice a la tierra: su esposo no debe mirarla mientras camine hacia la luz. Con pa-sos lentos, la pareja mortal se aleja. Orfeo avanza, pero un golpe de truenos enviados por Jupiter le da miedo y repentinamente se da vuelta. Orfeo debe renunciar a Euridice, que vuelve a la fiesta. En cuanto a la Opinion Publica, esta forzada a reconocerse vencida.Jupiter convierte a Euridice en una bacante, mientras la fiesta re-comienza deslumbrante.

Orpheus in the Underworld Final
The Opera Workshop of Shorter College
perform the final scene from
Jacques Offenbach's Orpheus in the Underworld.

• Schubert compone el Quinteto con piano «La trucha» para cuerda y piano.
• Lord Byron publica Mazeppa, un libro de cuentos en verso.
• Shelley escribe sus poemas Prometeo liberado y Los Cenci.
• Géricault pinta La balsa de la Medusa.
• Un barco a vapor realiza la travesía del Atlántico.
• Saint-Simon publica la obra Parábola, donde expone las bases de su sociedad nueva de productores.
• Schopenhauer publica El mundo como voluntad y representación, donde afirma que la conciencia se manifiesta como voluntad.
• Se forma la República de Colombia, que agrupa Nueva Granada, Venezuela y Quito, con Bolívar como presidente.
• Lamartine publica las Meditaciones poéticas, su primer volumen de poesías líricas.
• W. Scott publica la novela histórica Ivanhoe.
• 1820-1822. Manzoni escribe el drama Adelchi.
• 1820-1823. Goya realiza las llamadas Pinturas negras.
• Keats publica su Oda a una urna griega.
• Fernando VII suprime la Inquisición en España.
• Las Cortes suprimen las órdenes religiosas en España.

Telemann Georg Philipp-Musico Autodidacta

2010-07-25T13:30:00.000-03:00

Georg Philipp Telemann
(1681 - 1767)

George Telemann fue uno de los mas prolificos compositores de todas las epocas. Prueba de ello son los constantes hallazgos de obras ineditas suyas, que enriquecen y completan su production musical; una production que, por desgracia, permanece sin descubrir, en muchos de los casos, o bien fragmentada en exceso, lo que dificulta su exacta valoracion.

Infancia y primeros estudios
Alemania, 14 de marzo de 1681. En la tranquila localidad sajona de Magdeburgo, a unos ciento veinte kilometros de Berlin, nace Georg Philipp Telemann, el futuro gran compositor. Banada por las aguas del rio Elba, Magdeburgo es ya en esta epoca una comunidad orgullosa de su tradicion cultural y artistica. Dominando la ciudad con su impresionante aspecto, la catedral, construida en el afio 937, se convierte en punto de partida de la historia que nos disponemos a relatar.
En efecto, aunque no existan testimonios suficientes como para corroborar esta tesis, es logico imaginar que siendo su padre diacono de la citada catedral, Telemann fuera bautizado en este mismo lugar, cualquier forma, esta circunstancia, como tantasotras que rodean y con-figuran la existencia de Georg Telemann, se ha visto en vuelta en el mis-terio a través del tiempo transcurrido.
Al cumplir los Cuatro anos de edad, tras el fallecimiento de su padre, Telemann inicia sus estudios bajo el cuidado de su madre, Maria Haltmeier, mujer sensible y de gran inteligencia, que cuenta con varios musicos en su familia.
A pesar de esta coincidencia, en la form&cion cultural del pequeno Telemann no se incluye la musica como asignatura, ya que, como en el caso de tantos genios de la composition, su familia prefiere centrar el rumbo de su carrera hacia el estudio de las Leyes o el Derecho.
Y asi, en su paso por la escuela primaria y mas tarde en el colegio de la Catedral, Georg Telemann aprende latin, retorica, geografia, literatura y lengua francesa. El unico contacto que une a Telemann con el mundo de la musica durante estos primeros anos, le llega gracias al profesor Christiani, compositor local de musica sacra, de quien recibe algunas lecciones de clave. ^Como se explica entonces que a la edad de diez anos Telemann sepa ya tocar con destreza instrumentos como el violin y la flauta? Es indudable que para logrado el joven sajon utilizo antiguas partituras, aunque los fulgurantes resultados obtenidos por metodo tan primario no hacen sino reflejar su firme vocation musical y un irrefrenable deseo de dominar el mundo armonico de los sonidos.

Leipzig

Los escasos datos disponibles referentes a la adolescencia de Telemann y sus posteriores anos de juventud, son tan poco esclarecedores que apenas si logran situar la figura del compositor en un contexto histórico mínimamente riguroso.
Se sabe, por ejemplo, que Telemann curso estudios en la escuela de Zellerfeld, trasladandose mas tarde a Hildesheim, en la Baja Sajonia, donde alrededor de 1698 se hizo cargo de la dirección musical en el convento de San Godehard. Telemann contaba entonces tan solo diecisiete anos.
Fue justamente en Hildesheim donde Telemann compuso las primeras obras de que se tiene noticia, aunque, por desgracia, tales piezas se han perdido en el curso del tiempo; se trataba de una coleccion de treinta y seis poemas escolares, reunidos bajo el titulo de Geografia cantada, a la que siguio la opera Sigismundus, representada mas tarde en Magdeburgo.
J.C. Louis, rector de Hildesheim, fue quiza la primera persona que tomo conciencia del glorioso futuro reservado a Telemann y le animo a que siguiera profundizando en sus estudios de armonia y contrapunto.
En 1701, a los veinte anos de edad, Telemann ingresa en la Universidad de Leipzig y se matricula en Derecho, movido tal vez por el descontento de su madre, quien deseada ver a Georg convertido en un importante hombre de leyes. Sin embargo, pasados unos meses Telemann decide abandonar la Universidad, al comprender que su verdadera vocación es la musica.
El exito le sonrie con rapidez y en poco tiempo su nombre comienza a ser admirado y tenido en cuenta. Por lo que respecta a los posibles viajes realizados por Telemann hasta la fecha, siempre con fines educativos, cabe citar los efectuados a Hannover, Dresde y Braunschweig, entre otros.
Un músico de prestigio
A finales de 1701, Telemann coincide en Leipzig con Georg Haendel y se establece entre ambos una cordial y fructifera relation que duraria toda la vida. Un año mas tarde, auspiciado por la gran acogida que obtienen sus cantatas, Telemann crea el Collegium Musicum, que con el tiempo serfa conocido como Collegium Telemanniano. Lo componen cerca de cuarenta músicos, todos ellos estudiantes, y sus primeras audiciones constituyen una agradable sorpresa por las excelencias de su interpretation.
Entre 1702 y 1703, Telemann es nombrado director del teatro de la Opera, una prueba mas de la admiracion que, pese a su juventud, le profesaban sus conciudadanos en Leipzig. Pese a tantos honores, el compositor no esta satisfecho del desarrollo y evolution de su obra y aprovecha la oportunidad que le brinda el conde von Promnitz para entrar a su servicio en su residencia de Sorau (hoy ciudad polaca), a ochenta kilometros de Frankfurt. Ya en sus funciones como musico de corte, Telemann acompana a von Promnitz en sus viajes por tierras polacas y visita Cracovia, la Alta Silesia y otras importantes ciudades. En 1706, Carlos XII de Suecia invade Sajonia y ante la inminente conflagration belica que se avecina, Telemann parte hacia Eisenach, ciudad natal de la familia Bach.
En Eisenach, el duque Johann Wilhelm le nombra maestro de capilla y asi comienza uno de los perfodos mas fecundos en la vida de Georg Telemann. A comienzos de 1709, Telemann contrae matrimonio con Louise Eberlin. Esta union tiene un triste desenlace, cuando en 1711 Louise fallece al concebir su primer hijo.
Es dificil no ya detallar, sino tan solo establecer con un mfnimo de rigor y cronologicamente, la production musical de Telemann y posterior evolution de esta. En 1712, excluyendo infinidad de composiciones que no se han conservado, el musico cuenta en su haber con innumerables cantatas, sonatas a trio y varias piezas para musica instrumental.

Es notoria también la amistad que nace en esta época entre Telemann y Juan Sebastian Bach, cuyo segundo hijo, Carl Philip Emanuel, sería apadrinado en 1714 por el propio Telemann.
Nuevos empleos, nuevos honores
A medida que su cargo de maestro de capilla adquiere mayor importancia, Telemann advierte a su alrededor un incremento en las habladurias e intrigas que habitualmente se producen en la corte del duque Wilhelm. Esto motiva el enfado del compositor y en 1712, tras conseguir que el duque rescinda su contrato, se traslada a Frankfurt, donde podra trabajar sin las presiones que le agobiaban en Eisenach. Instalado en Frankfurt, Telemann consigue con facilidad el
contrato para dirigir la musica de las iglesias de Barfiisser y Santa Catalina; asimismo, reagrupa el antiguo Collegium Musicum y organiza el estreno de algunas de sus propias obras. En 1713, a los 32 anos de edad, Telemann contrae nuevas nupcias, esta vez con Maria Katharina Textor. Por estas fechas, es nombrado maestro de capilla del margrave (1) de Bayreuth y de Eisenach, cargo que llena de orgullo al compositor. Anos mas tarde, en 1716 y 1717, las cortes de Gotha y de Weimar ofrecen a Telemann identicos honores, pero este los rechaza cortesmente. Y asi llegamos a 1721, cuando, inexplicablemente, Telemann renuncia a su cargo y empleos en Frankfurt (aunque se compromete a seguir mandando nuevas partituras al margrave de dicha ciudad) y acepta el puesto vacante de cantor en el Johanneum de Hamburgo, lo cual le obliga a componer una pasion por ano. Telemann simultanea este empleo con sus obligaciones como profesor de clave y violin.
A lo largo de su estancia en Hamburgo, donde termino sus dias, Georg Telemann hizo revivir el gusto por la opera en el público de dicha ciudad.
De su extensa production hasta 1759, fecha en que dejó prácticamente de componer, destaquemos los Seis Trios para dos vioiines, cello y bajo continuo (1718), la obertura Hamburger Ebb und Fluht (1723), la opera Pimpinone (1725), la cantata Der getreuer Musikmeister (1728) y la Pasion segun San Marcos.

The allegro from the Trio Sonata
in D minor by Telemann,
performed live by the ensemble
Voices of Music.

Los ultimos años

En 1737, Georg Telemann visito Paris, donde fue objeto de todos los honores imaginables. Su musica ha traspasado fronteras y en los ocho meses que el compositor permanece en Francia, tiene ocasion de comprobar el alcance adquirido por su obra y la repercusion que tiene en el receptivo publico franees. A partir del momento en que regresa a Hamburgo, la vida de Telemann discurre apaciblemente y sin grandes acontecimientos que destacar. Fueron casi treinta anos de constantes homenajes y repetidas muestras de respeto por parte de la nobleza europea y de los artistas contemporaneos a Telemann.
George Philipp Telemann fallece en Hamburgo el 25 de junio de 1767, a los 86 anos de edad. Acuden a su entierro los mas destacados personajes de la cultura alemana y llegan, desde todo el mundo, expresiones de pesar por tan triste desaparicion.

Antonio Bertali Musica Biografia Obras

2010-07-17T22:35:00.005-03:00

Antonio Bertali (1605-1669) ha tenido en los últimos años una cierta presencia en las antologías de música instrumental barroca como autor de una fascinante Chacona cuyas dimensiones, construcción y temple se antojaban poco usuales. Más allá de esto, ha habido también alguna iniciativa más ambiciosa, como el monográfico del Ricercar Ensemble y Philippe Pierlot en Mirare (2004). Nacido en Verona y activo en la corte de Viena a partir de 1623, Bertali ejerció de correa de transmisión entre la escuela instrumental italiana (Uccellini, Marini, Castello) y la futura generación “nórdica” de los Schmelzer y Biber (aún así, queda descartada la hipótesis según la cual este último fue alumno de Bertali).

Infatigable descubridor de tesoros en suelo austriaco, Gunar Letzbor nos ofrece ahora en disco la segunda parte de su colección Prothimia Suavissima (1672), cuyas doce sonatas “para tres o cuatro instrumentos y bajo” se encomiendan aquí a una plantilla formada por dos violines, viola da gamba, violone, órgano y arciliuto.

Uno de los aspectos más atractivos de Bertali consiste en su tendencia a construir el discurso musical más por metamorfosis que por contrastes. El punto álgido de este modo de proceder lo encontramos en la Sonata III, estupendo y dilatado poema sonoro de rasgos casi otoñales. El abanico de los recursos desplegados a lo largo de la publicación es rico y variado: de la imitación contrapuntística (el pensativo arranque de la Sonata VII) al diálogo antifonal o concertato, los resultados son pulcros y cautivadores, y su belleza se despliega progresivamente audición tras audición.Cantable y virtuosística, la versión de Ars Antiqua Austria otorga una maravillosa preeminencia a los timbres graves y a las coloraciones pardas. La grabación, realizada en 2005, vio postergada sine die su salida debido a la muerte de Michel Bernestein, fundador de Arcana. La actual resurrección del sello nos permite disfrutar de un registro que, como todos los de Letzbor, aúna el interés musical con el exquisito acabado técnico-instrumental.

Antonio Bertali - Ciaconna

Las composiciones de Bertali son similares a las de otros compositores del norte de Italia de la época e incluyen óperas, oratorios, un gran número de obras litúrgicas y música de cámara. En particular, sus obras son notables para el establecimiento de la tradición de la ópera seria italiana en Viena. Aproximadamente la mitad de su producción se ha perdido, aunque algunas copias hechas por el contemporáneo de Bertali, Pavel Josef Vejvanovský, se encuentran actualmente en posesión de Hofbibliothek de Viena, la biblioteca de la Abadía de Kremsmünster y el archivo Kroměříž. La fuente más importante para el trabajo de Bertali es, sin embargo, el catálogo Distinta Specificatione vienés, que enumera varios compositores de la corte de Habsburgo y ofrece títulos y calificaciones de más de 2000 composiciones.

Antonio Bertali - Sonata à 13

Anne Sofie von Otter - Lamenti (Monteverdi, Vivaldi, Purcell, Bertali, Legrenzi) / Goebel Claudio Monteverdi (Artist), Antonio Bertali (Artist), Giovanni Legrenzi (Artist), Antonio Vivaldi (Artist), Henry Purcell (Artist), Alessandro Piccinini (Artist), Anne-Sofie von Otter (Artist), Musica Antiqua Köln (Artist)

Acontecimientos 1616

5 de noviembre: Conspiración de la pólvora de Guy Fawkes.
21 de diciembre: Sale del Callao la expedición de Pedro Fernández de Quirós, en cuyo viaje descubriría la mayor parte de las islas Nuevas Hébridas.
León XI sucede a Clemente VIII como papa.
Pablo V sucede a León XI como papa.

Arte y Literatura

16 de enero: primera edición de "El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha" de Miguel de Cervantes.
Estreno de El rey Lear de William Shakespeare.
Publicación de La Florida del Inca, primera obra de Inca Garcilaso de la Vega: (1539-1616), escritor e historiador peruano.

Nicolas Bernier Compositor de Musica Religiosa

2010-07-17T22:07:00.004-03:00

Comenzó su carrera musical como niño cantor en la colegiata de su pueblo donde manifestó sus disposiciones musicales. Pronto viajó a Roma donde se perfeccionó con Antonio Caldara. De regreso a Francia en 1692, se instaló en París donde ejerció como profesor de clavecín; de 1694 a 1698, fue maestro de capilla en la Catedral de Chartres, pero abandonó el puesto para dirigir en París, el grupo musical de Saint-Germain-l’Auxerrois. De acuerdo con el estado actual de la música King (1773), estudió en Roma con Antonio Caldara (1670-1736). En 1692, vive Tiquetonne Street (en el distrito segundo día de hoy de París) y enseña clavicémbalo.En 1693, echa de menos la competencia por el puesto de maestro de capilla en la Catedral de Rouen por detrás de Jean-Francois Lalouette (1651-1728) y el alumno Secretario de Lully.Desde septiembre 17, 1694 a marzo 18, 1698, dirigió el Maestro de la Catedral de Chartres, entonces la iglesia de Saint-Germain l'Auxerrois de París. Uno de sus Te Deum, realizado en Fontainebleau ante el rey en el año 1700 es un éxito, que se canta en varias iglesias en París hasta 1704. En 1715 tomó parte en el espectáculo organizado por la duquesa en su castillo Seal.En 1723 obtuvo, a solicitud del regente, tres cuartas partes de sub-master de la música de la capilla real de propiedad de Richard de Lalande.

Nicolas

Bernier: Les Nuits de Sceaux
Les Folies Francoises/Cohen- (Artist, Conductor), Nicolas Bernier (Composer), Alain Buet (Performer), Les Folies FranÃ§oises (Performer) | Format: Audio CD

Él deja su puesto en la Capilla de San Francisco en favor de la Cruz El 18 de septiembre de 1726, tras la muerte de Delalande y apoya la educación de las páginas de la Capilla Real hasta 1733.En 1703 publicó su 1º Livre de motets à une, deux et troix voix y, al año siguiente, sucedió a M.A. Charpentier en la Santa Capilla, puesto que ocupó hasta 1726.

A los 48 años, en 1712, se casó con una de las hijas del célebre intérprete de viola Marin Marais. En 1723 sucedió a Delalande como vicemaestro de la Capilla de Versalles.

Todo esto no le impidió publicar al lado de sus obras religiosas 8 libros de Cantatas. Gozaba de una gran popularidad como profesor, teniendo entre sus alumnos a Felipe de Orleans, el futuro regente.

Catalogo de Obras de Nicolas Bernier
* 1703, Premier livre de motets à 1, 2, et 3 voix. Paris 1703, chez l'auteur, dans la cour du Palais à la maîtrise et chez Foucault, rue Saint-Honoré, à la Règle d'or [26 motets]
* 1713, Deuxième livre de motets. Paris 1713, chez l'auteur, dans la cour du Palais à la maîtrise et chez Foucault, rue Saint-Honoré, à la Règle d'or [15 motets]
* 1703-1715, Livres 1-4 de cantates profanes à 1 et 2 voix. Ssans date ni nom d'auteur, Foucault
* 1715, Les nuits de Sceaux. Foucault, Paris 1715
* 1718 & 1723, Livres 6-8 de cantates profanes. Foucault, Paris 1718 ; 1723
* Chant des offices de différents saints nouveaux, composés en plain- chant par le sieur Bernier. Ballard, Paris 1724
* 1741, Recueil de 20 motets. publication posthume,1741 [16 motets de Bernier et 4 de de La Croix]
* Airs sérieux de Nicolas Bernier. Dans «Ballards Recueils d'Airs sérieux et à boire»
* 1 0 grands motets à quatre, pour choeur, solistes et orchestre (manuscrit, Paris, bibliothèque nationale, fonds du Conservatoire)

Gian Carlo Menotti "El Consul" (Opera Contemporanea))

2010-07-17T12:10:00.000-03:00

Gian Carlo Menotti
(1911-2007)

Su primera ópera completa, The Consul, fue estrenada en 1950. Ganó el Premio Pulitzer de Música y el Premio del Círculo de Críticos de Drama de Nueva York al Musical del Año (este último en 1954). En 1951, Menotti compuso la ópera navideña Amahl and the Night Visitors para el Hallmark Hall of Fame. En 1958, fundó el Festival de los Dos Mundos en Spoleto, Italia; en 1977, fundó su homólogo estadounidense en Charleston, Carolina del Sur. Dejó el Spoleto USA en 1993 para dirigir la Ópera de Roma. En 1984 fue galardonado con el Kennedy Center Honor por su aportación a las artes, y en 1991 fue elegido el Músico del Año en Musical America.

Además de componer óperas a partir de sus propios textos, Menotti dirigía la mayoría de sus producciones.Su influencia se extiende más allá de los límites de la música clásica moderna, en tanto en cuanto la estrella pop Laura Branigan ("Gloria", "How Am I Supposed To Live Without You") mencionó en los créditos a Menotti como su entrenador vocal en varios de sus álbumes de los años 1980 y 1990.Menotti se interesó también por la música española y por su cultura.

En 1982 estrenó «Muero porque no muero», una cantata, basada en textos de Santa Teresa. En Spoleto estrenó la ópera «Juana La Loca».Escribió el libreto de dos óperas de Samuel Barber, Vanessa y A Hand of Bridge, además de revisar la letra de Antony and Cleopatra. Amelia tuvo tanto éxito que la NBC solicitó una ópera para la radio; The Old Maid and the Thief fue el primer trabajo escrito con ese fin. Después de esto, compuso en 1944 un ballet, Sebastian, y en 1945 un concierto de piano, antes de volver a la ópera con The Medium and The Telephone.

Menotti: The Telephone (excerpt)
Carole Farley
The final scene from Menotti's "The Telephone,"
featuring soprano Carole Farley and
tenor Russell Smythe,
conducted by José Serebrier

The Medium
by Opera of Thessaloniki-Greece

Escribió para Plácido Domingo «Goya» (1986), estrenda en la Ópera de Washington. Hay que destacar también que el Festival de los Dos Mundos abrió sus puertas al flamenco. Notables fueron las actuacnes de Antonio Gades y Joaquín Cortés, entre otros. Menotti compuso varios ballets y trabajos para numerosas corales. Entre estos, cabe destacar la cantata The Death of the Bishop of Brindisi, escrita en 1963. También realizó un concierto de violín y una obra de teatro, The Leper.Es en el campo de la ópera, sin embargo, es donde realizó sus más notables contribuciones a la cultura de los Estados Unidos.(Fuente)

El Consul
Opera en tres actos con
libreto propio del compositor
Gian Carlo Menotti (1949)
Su primera ópera completa, The Consul, fue estrenada en 1950. Ganó el Premio Pulitzer de Música y el Premio del Círculo de Críticos de Drama de Nueva York al Musical del Año (este último en 1954)

ACTO PRIMERO

Cuadro primero:
La casa de los Sorel, de manana temprano.
Entra John herido y cae al suelo. Magda y la madre se apresuran a socorrerlo. Mientras lo interrogan ansio-samente, la madre observa que varios agentes de la policia secreta se acercan a la casa. John se esconde en una habitation contigua.
El jefe de la brigada entra brusca-mente y acosa a Magda con preguntas. Cuando el policia se retira con sus agentes, John sale de su escondite y anuncia a su madre y a su mujer que debe partir de in-mediato, recomendando a Magda que vaya al consulado y explique su caso para poder luego reunirse con fiel en algun país libre. John se despide de la madre, de su esposa y de su hijito, que duerme en la cuna.

Cuadro segundo:
El mismo día, horas mas tarde, en el consulado. La Secretaria se encuentra en su escritorio. Sentados, esperando su turno, estan el señor Kofner y la mujer extranjera. Poco despues llegan Magda Sorel, Ana Gomez, Vera Boronel y Nika Magadov. Uno tras otro, al ser atendidos, relatan su triste historia y demuestran su de-sesperacion al ver que las posibilidades de salir del país son muy remotas y los trámites complicados y lentos. Magda solicita audiencia para hablar con el Consul. La Secretaria no da importancia a sus preguntas y se limita a entregarle una cantidad de papeles que debera llenar como primer paso para obtener el visado. Nika Magadov, prestidigitador, que ha tornado asiento junto a Vera Boronel, trata de explicar a esta su profesión, demostrándola con algunos trucos. Finalmente todos los presentes ex-presan su inquietud y desaliento por las largas e interminables esperas que deben soportar.

SEGUNDO
Cuadro primero:
En el hogar de los Sorel, un mes mas tarde. La madre de John se encuentra junto a la cuna de su nieto, a quien trata de arrullar con canciones y animar-lo con algunos juguetes. Poco despues vuelve Magda del consulado. Desalentada, se sienta a la mesa y apoya la cabeza entre los brazos. Se duerme y comienza a sonar. Pronto el sueño se convierte en una pesadilla... Entra John y detrás suyo la Secretaria.John lleva en sus manos un manojo de ramas y unas piedras.Respondiendo a una pregunta de Magda, le dice que con las piedras cubrirá su tumba y con las ramas le hará una cruz. Sorprendida, Magda inquiere por que ha traído a la Secretaria consigo, pero John explica que es su hermana y que con ella debera compartir la cena. John desea ver a su hijito. Magda lo conduce hacia la cuna, donde se le presenta la fi-gura monstruosa de un nino aún no nacido. Las imágenes del sueño se desvanecen y Magda despierta sobresaltada. En ese instante una piedra destroza un vidrio de la ventana.Es la serial para que llamen a Assan, el vidriero, quien les traera noticias de John. Mientras esperan su llegada aparece el agente de la policia secreta y ofrece a Magda el permiso para abandonar el país si esta revela el nombre y el paradero de los amigos de su marido. Magda, ofendida, lo despide violentamente. Assan, que aca-ba de llegar, le dice que John esta ansioso por verla e insiste en que se apresure a obtener el visado.Magda se retira un momento para buscar alguna ropa y enviarla a John.La madre llama a Assan y le senala al nino, que acaba de morir. Assan se despide y promete volver cuando tenga nuevas noticias. Magda se dispone a salir y al observar la angustiada expresion de la madre de John, se acerca y compmeba que su hijito ha muerto.

Cuadro segundo:
En el consulado, unos dias mas tarde, se hallan presentes el senor Kofner, la mujer extranjera, Magadov, Vera, Boronel y Ana Gomez. Cuando el prestidigitador va a ser atendido entra Magda y tropieza con el. Le mega que la deje pasar primero, y Magadov, resignandose, accede.La Secretaria recuerda friamente a Magda que debe esperar su turno para no quebrar la disciplina que debe observarse en el consulado. El prestidigitador, al ver que la Secretaria le pide sus documentos, trata de distraerla con varios trucos de efecto. Esta se irrita pero Magadov, para demostrarle sus poderes, hipnotiza a todos los que esperan. Estos se levantan con movimien-tos de automatas y poco despues comienzan a danzar.
Ante el energico mandato de la Secretaria Magadov despierta a cada uno de los hipnotizados. Viendo que no po-dra intentar ningun tramite sin presentar documentos, el ilusionista, entre ofendido y desconsolado, opta por retirarse. Magda se acerca a la Secretaria y esta le recuerda que aun debe llenar otros formularios.Ante esta nueva demostracion de burocracia, en un arranque de desesperacion, Magda rompe los papeles que la Secretaria le en-tregara, diciendo que muchas vidas se han perdido por causa del papeleo y muchas se perderan aun por falta de conciencia y humanidad. Impresionada por las palabras de Magda, la Secretaria promete concederle la anhelada entrevista con el Consul, quien en ese momento esta conferenciando con un amigo. Despues de unos instantes de espera se abre la puerta del despacho del Consul y el amigo se despide; es el agente de la policia secreta. Magda, al enfrentarse con el, cae desmayada.

TERCERO
Cuadro primero:
El consulado, de tarde, unos dias despues. Magda se encuentra sola en uno de los bancos del consulado. La Secretaria le recuerda que ya es hora de ce-rrar y que el Consul no vendra esa tarde. Llega Vera Boronel y se entera de que su documentation ya esta pronta. Assan viene en busca de la senora Sorel. Mientras, la Secretaria y Vera Boronel comienzan a firmar y a sellar los papeles finales. Assan dice a Magda que John, enterado de que el nino y su madre han muerto, volvera a buscarla.
Esta se desespera y decide escribirle unas lineas. Assan se retira y poco despues sale Magda, dejando olvidado su bolso. Vera y la Secretaria la llaman, pero no obtienen respuesta. La Secretaria, mientras ordena su escritorio para retirarse, cree ver las caras de los peticionantes que la miran acusadoras.
De improviso entra John, quien pregunta por Magda. En ese preciso momento llega la policia en busca del profugo. La Secretaria asegura a John que hara todo cuanto este a su alcance para obtener su liberation, prometiendole ademas avisar telefonicamente a su mujer.

Cuadro segundo:
El hogar de los Sorel, esa misma noche. Magda, sola, resuelve terminar con su vida. Para ello se sienta junto a la cocina de gas, abre las Haves y se cu-bre con un chal para que el gas haga su efecto mas rapido. A medida que va perdiendo el sentido, como visiones se le presentan todas las personas que ha conocido en el consulado. Y ademas John, ataviado impecablemente, del brazo de su madre vestida de novia.
Una vez mas la voz del policia la interroga despiadadamente. Entra el prestidigitador y a su conjuro las figuras inician una danza fantasma!. Magda, en su delirio, desea despertar, pero la muerte la cerca cada vez mas. John la increpa por la muerte de su hijito. Magda trata de tocarlo, pero la imagen se desvanece y aparecen en su lugar Vera y la Secretaria.
Poco a poco todas las visiones comienzan a diluirse.Magda implora a John y a su madre que la esperen, pero estos parecen no oirla. Cuando todos han desaparecido, vuelve Nika Magadov, toma a Magda del brazo y la lleva lentamente hacia la cocina. Le cubre la cabeza con el chal y se retira, luego de instarla a descansar eternamente. Voces lejanas murmuran una palabra esperanzada: "Fronteras, fronteras!...".En tanto, el telefono comienza a sonar.
Magda, en un ultimo y desesperado esfuerzo, trata de alcanzarlo, pero las fuerzas la abandonan y cae hacia atras en la silla.
El telefono continua llamando...

Christoph Bernhard Biografia Compositor Teorico y Cantante

2010-06-25T14:27:00.008-03:00

Christoph Bernhard (1628-1692)
Estudió en Gdansk y Varsovia, y por la edad de 20 años estaba cantando en la corte electoral de Dresde de Heinrich Schütz. Luego pasó un año en Copenhague para estudiar canto con Agostino Fontana. Después de su nombramiento como maestro de capilla adjunto en Dresde en 1655, Bernhard hizo estadías en Italia para continuar con su educación musical. Cuando él tenía 35 años, se trasladó a Hamburgo para trabajar como director de música.Los siguientes diez años fueron una época dorada en la tradición musical de Hamburgo: Bernhard y su buen amigo Matthias Weckmann actuaron juntos y dirigió las últimas composiciones de Italia y Viena, así como la composición de una importante colección de música en contrapunto. Continuó componiendo, dirigiendo y siendo bibliotecario musical en Dresde hasta su muerte en 1692, a la edad de 64 años.

Aus der Tiefe / Christoph Bernhard

Barraque: Complete Works (Oeuvres complètes)
Concerto for Six Instrumental Formations and Two Instruments; "Le temps restitué" for soprano, chorus and orchestra

Bernhard dejó atrás muchas obras sacras vocales,composiciones seculares, y tres importantes tratados sobre música, el más famoso de los cuales es el Augmentatus Compositionis Tractatus (c. 1657) ampliamente distribuido este manuscrito durante la segunda mitad del siglo XVII.En él la música dividida en tres categorías: la miastenia lápiz, la polifonía clásica de Palestrina y otros; la communis luxurians lápiz, el estilo iniciado por Monteverdi, y la theatralis luxurians lápiz, o el estilo recitativo.

Christoph Bernhard - Geistliche Harmonien

En 1670 Schütz le encargó componer una pieza fúnebre por él, que se realizó en el funeral de aquel compositor dos años después. Fué muy considerado por sus contemporáneos como compositor, principalmente de obras vocales sagradas en alemán y latín.

Acontecimientos 1628

Fundación de Krasnoyarsk, en la Siberia rusa.
Piet Hein, corsario holandés, captura la flota española del tesoro en la batalla de la Bahía de Matanzas, frente a las costas de Cuba.

Nacidos en 1628

George Villiers, político y escritor inglés.
Charles Perrault, escritor francés (f. 1703)
Marcello Malpighi, anatomiosta y biólogo italiano (f. 1694)
Carlo Cignani, pintor italiano (f. 1719)
John Bunyan, escritor inglés conocido por su obra El progreso del peregrino (f. 1688)
Noël Coypel, pintor y decorador francés.

Giovanni Bassano Biografia Compositor Interprete del Renacimiento

2010-06-25T11:50:00.008-03:00

Giovanni Bassano(1558-1617)
Compositor italiano de la Escuela Veneciana y reconocido intérprete de cornetto(*) durante la transición entre Renacimiento y Barroco. Fue una figura clave en el desarrollo del conjunto instrumental en la Basílica de San Marcos en Venecia, y dejó un libro sobre ornamentación muy detallado, que constituye una rica fuente de recursos para los intérpretes contemporáneos.
Fue uno de los virtuosos más respetados.

Sus libros de instrucciones, especialmente en la ornamentación, influenciado compositores venecianos (por ejemplo, G. Gabrieli). Sus trabajos incluyen canzonettas y motetes excelente para múltiples coros. No se sabe nada de la vida de Bassano antes de su llegada como un joven interprete decisivo en la vida de San Marcos, probablemente en 1576 a la edad de 18 años. Pronto adquirió una reputación como uno de los mejores instrumentistas en Venecia, y en 1585 había publicado su primer libro, Ricercate, cadentie passagi y otros, que detalla exactamente la mejor forma de ornamento de pasajes al transcribir la música vocal de los instrumentos.

En ese mismo año se convirtió en un profesor de música en el seminario San Marcos. En 1601 se hizo cargo del puesto de maestro del conjunto instrumental de Girolamo Dalla Casa, y permaneció en este puesto hasta su muerte en el verano de 1617. La fecha exacta de su muerte no se conoce, pero la fecha aproximada se deduce de sus dos puestos que queden vacantes al mismo tiempo.

Clemens non Papa/Giovanni Bassano
~Frais et Gaillard for Recorder & Regal

Bassano también era compositor, aunque su logro en este sentido ha sido eclipsado por su fama como artista y su tratado asociados rendimiento. Escribió motetes y conciertos ecclesiastici (conciertos sacros) en el estilo policoral veneciano, y también escribió madrigales, canzonettas y algo de música puramente instrumental.

Diversions
Calliope (Composer), Alfonso X (el Sabio) (Composer), Antonio Marques Lesbio (Composer), Anonymous (Composer), Gilles de Bins dit Binchois (Composer), Guillaume Dufay (Composer), Tylman Susato (Artist), John Dowland (Artist), Clemens non Papa (Jacob Clement) (Artist), Giovanni Bassano

Ricercar XI by Giovanni Bassano 1558 - 1617 for viol consort

La similitud de los motetes de Bassano a los primeros trabajos de Heinrich Schütz, quien estudió en Venecia con Gabrieli, sugiere que los dos han podido conocer unos a otros, y desde luego Schütz conoció la música de Bassano. En cualquier caso Schütz llevó el estilo veneciano con él a Alemania, donde continuó desarrollando en la época barroca. Bassano era la persona responsable de la ejecución de la música de los Gabrieli, tanto como intérprete y como director. Lo más probable es que Giovanni Gabrieli había pensado pasajes para que Bassano los ornamente.

Acontecimientos 1558

Fundación de la ciudad de Mérida en Venezuela por Juan Rodríguez Suárez.
Islas Canarias - Se prohibe el uso de su lengua a los esclavos moriscos y bereberes por una orden emitida por el licenciado Juan Ruiz de la Casa.
7 de enero: Los franceses recuperan Calais, última posesión inglesa en el continente.
9 de enero: La ciudad de Ginebra se independiza del cantón de Berna (Suiza).
27 de marzo: Fundación de la ciudad de Osorno en Chile por el gobernador García Hurtado de Mendoza.
13 de julio: Batalla de Gravelinas. Tras esta derrota, Enrique II de Francia se vio obligado a firmar la paz con Felipe II de España en el tratado Paz de Cateau-Cambrésis.
17 de noviembre: Es coronada reina Isabel I de Inglaterra.
Japón - Okimashi Tenno, Emperador.
Saqueo de Ciudadela por piratas turcos.
Comienza el período de hostilidad entre España e Inglaterra, por los problemas que suponían los corsarios ingleses que robaban la mercancía americana a los barcos que no iban en convoyes.

Nacidos en 1558

Oliverio van Noort

Fallecidos en 1558

Carlos I de España (n. 1500)
María Tudor, reina de Inglaterra e Irlanda.
Jean François Fernel, "El Galeno moderno" médico, matemático y astrónomo francés
Leonor de Austria - Reina de Portugal y Francia.

Giovanni Battista Bassani Violinista Compositor Italiano

2010-06-25T09:37:00.008-03:00

Giovanni Battista Bassani(1657-1716)
Violinista y compositor italiano. Estudió con G. Legrenzi en Venecia y fue durante casi treinta años organista de la catedral de Ferrara. La parte más notable de su producción está compuesta por las composiciones vocales sacras.Battista nació en Padua. Se cree que estudió en Venecia, bajo Daniele Castrovillari y en Ferrara con Giovanni Legrenzi. Charles Burney y John Hawkins afirmó que enseñó a Arcangelo Corelli, pero no hay evidencia sólida para esta afirmación. En 1712 se trasladó a Bérgamo, donde enseñó música.

Fue organista en la Accademia della Morte en Ferrara de 1667, pero había dejado probablemente por 1675. Publicó su música por primera vez en 1677, la página del título lo llama el maestro de música en la della Morte Confraternita en Finale Emilia, cerca de Módena. Fue maestro de capilla en la corte del Duque Alejandro II , y fue elegido príncipe de la Filarmónica Accademica en Bolonia.

Se convirtió en maestro de capilla en la Accademia della Morte en Ferrara en 1683, y luego maestro de capilla en la catedral de Ferrara en 1686. Compuso óperas al menos nueve (todos perdieron a excepción de arias Gli amori diez alla moda, Ferrara, 1688), y algunos oratorios quince madrigales, Ariette, cantatas y obras instrumentales.

Giovanni Battista Bassani - Salmi Concertati 1

Música vocal
Bassani contribuido al repertorio sagrado y lo secular a través de oratorios y las óperas que se han perdido. Sus canciones seculares incluyen el lamento cómica Il musico svogliato ('El Músico renuente »)

Giovanni Battista Bassani: Nascere, nascere, dive puellule

Forbidden Dance
Anonymous (Composer), Juan Aranes (Composer), Orazio Bassani (Composer), Giovanni Bassano (Composer), Giovanni Battista Bovicelli (Artist), Matteo Coferati (Artist), Benedetto Ferrari (Artist), Girolamo Frescobaldi (Artist),Ensemble for the Seicento
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Acontecimientos 1657

William Harvey descubre la circulación de la sangre.
Invención del reloj de péndulo por Christian Huygens.
Gran incendio de Edo (Tokio), en el cual mueren más de 100 mil personas.
Baltasar Gracián publica la tercera y última parte de El Criticón (1651-1657).
Robert Blake destruye la flota española de Diego de Egües en el puerto de Santa Cruz de Tenerife.
La Commonwealth inglesa y Francia se alían militarmente mediante el tratado de París para hacer frente común contra España en los Países Bajos españoles.

Nacidos en 1657

11 de febrero: Bernard le Bovier de Fontenelle, escritor y filósofo francés (f. 1757)
30 de agosto: Philipp Peter Roos, pintor alemán.

Fallecidos en 1657

15 de febrero: Fernando III de Habsburgo (n. 1608)
17 de agosto: Robert Blake, almirante inglés.

Claude Balbastre Compositor Clavecinista Organista

2010-06-24T14:15:00.009-03:00

Claude Balbastre (1724-1799)
Compositor, clavecinista y organista francés uno de los más famosos de su tiempo.Recibió sus primeras lecciones de música de su padre. Balbastre se instaló París en 1750 y estudió allí con Pierre Février, donde ingreso como el organista del Santo Roch.En 1763 se casó con Marie-Geneviève Hotteterre, que provenía de una famosa familia de músicos franceses. Durante la Revolución Francesa, la conexión de Balbastre con la nobleza y la corte real podría haber puesto en peligro su vida, pero parece que de alguna manera adaptarse a la situación politital nueva, así que sobrevivieron a la tormenta, tocando los himnos y las canciones Revolución en su órgano. Él perdió su empleo oficial y, temporalmente, su pensión. Murió en París en 1799.

Noel Variations for Organ - Claude Balbastre

Organista de la catedral de Notre -Dame y de la Chapelle Royale, clavecinista de la corte real francesa (que enseñó la reina María Antonieta) y fue también organista de Louis-Stanislas-Xavier.Su fama era tan grande que el arzobispo de París tuvo que prohibirle tocar en la Catedral de San Roque durante algunos de los servicios, porque porque la gente desbordaba de entusiasmo por la música y no por los oficios religiosos...

Claude Balbastre, Concerto pour orgue

A Brass & Organ Christmas / Fenstermaker, Bay Brass, Krehbiel
George Frideric Handel (Composer), Heinrich Schutz (Composer), Gustav Holst (Composer), English Traditional (Composer), Felix Mendelssohn (Composer), Christmas Traditional (Composer), Giovanni Gabrieli (Composer), Franz Xaver Gruber (Composer)
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Rameau ayudó y protegió a Claude cuando el éste se instaló la ciudad, entonces Balbastre rápidamente y de manera eficiente fue introducido a los círculos Parisinos musicales y la alta sociedad, e hizo una carrera brillante: Tocó en el Concierto Spirituel hasta 1782,fue el organista de la catedral de Notre Dame y del Chapelle Royale, clavecinista del tribunal francés real ( enseñó a la reina María Antoineta de Austria) y organista de Louis-Stanislas-Xavier, Conde de Provenza (quien más tarde se haría Luis XVIII, Rey de Francia).

Su fama era tan grande que el arzobispo de París tuvo que prohibir que tocase en el Santo Roch durante algunos servicios, porque las iglesias siempre estaban atestadas cuando Balbastre tocaba.Fue organista de la Chapelle Royale, donde realiza sus propias obras en Navidad, al igual que sus colegas, Louis Claude Daquin y Dandrieu Jean-François.

Se informa que las improvisaciones por Balbastre en Navidad atrajo a tanta gente, se temía el trastorno se ocasionaría en la iglesia, hasta el punto donde fue rechazado dos veces el acceso a la tribuna del órgano en la Catedral de Notre Dame durante la misa de medianoche, por orden al arzobispo de París.
Sus Obras

* 14 conciertos para órgano (no recuperadas)
* Sonatas cuarteto
* Dos colecciones de piezas para clave (a partir de 1748 y 1759)
* Cuatro varía NOEL suites para el órgano o el pianoforte (1770).
* variaciones sobre La Marsellesa: Marche des Marsellesa et l'Aire Organiza Ça ira-pour le Forte Piano / Par le Citoyen C. Balbastre / Aux bravos défenseurs de la República Francesa l'un 1er 1792 de la République

Acontecimientos 1724

9 de febrero: Se proclama rey de España a Luis I, hijo de Felipe V.
20 de febrero: Se estrena la ópera Giulio Cesare de Georg Friedrich Händel en Londres.
10 de mayo: Se inicia la construcción de la Plaza Mayor de Salamanca en España.
Benedicto XIII sucede a Inocencio XIII como papa.

20 de febrero: Händel estrena Giulio Cesare in Egitto en Londres.

Nacidos en 1724

Immanuel Kant, filósofo alemán (f. 1804)
María Amalia de Sajonia, Reina de España (f. 1760)

Fallecidos en 1724

George Wheler, arqueólogo inglés (n. 1651)
Benedetto Luti, pintor italiano (n. 1666)
Luis I de España, Rey (n. 1707)

Charles Avison Compositor Organista de Iglesia

2010-06-24T10:46:00.007-03:00

Charles Avison (1709–1770)
Compositor inglés durante los períodos Barroco y Clásico. Nació en Newcastle en 1709 siendo bautizado en la iglesia de San Juan el 16 de febrero. Fue el quinto de nueve hijos de Richard y Anne Avison que vivía en la casa junto a las Monjas de San Bartolomé en Nolt mercado, Newcastle. Los dos eran músicos y presumiblemente los primeros maestros de música de Avison. Richard era un miembro de la antigua Compañía Incorporated de Espera Ciudad es decir, un miembro de la banda oficial de la ciudad, que tenía licencia para enseñar música en su tiempo libre.

Su esposa ue una organista de iglesia.Tuvieron nueve hijos, pero sólo tres llegaron a la edad adulta: Jane (1744-1773), Edward (1747-1776) que, siguiendo los pasos de su padre se convirtió en organista de la iglesia de San Nicolás y también director de la Sociedad de Música de Newcastle y Charles ( 1751-1795) quien también se convirtió en organista de San Nicolás y un compositor de varias obras incluyendo una colección de himnos.

En 1735, ocupo el puesto de organista de la iglesia de Newcastle. y a pesar de recibir ofertas más prestigiosas más adelante en vida, él nunca abandono la ciudad de Newcastle.Avison se casó a Catherine Reynolds. Tenían tres niños: Jane (1744-1773), Edward (1747-1776), y Charles (1751-1795). Edward y Charles ambos más adelante sobrevivieron como organists en el St. Nicholas, y Charles publico un libro de himnos.En 1737 Fue designado director de la música de la sociedad del Musical de Newcastle.

Charles Avison - Concerto 6 in D major 1/2

Charles Avison: Concertos in Seven Parts from the
Lessons of Domenico Scarlatti
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Su fama se extendió en todo el país con la publicación de su célebre ensayo de la Expresión Musical - la primera obra Inglés en la crítica musical.
En ella Avison discute el contraste entre la música sublime y la inspiración en contraste con lo que es meramente agradable. Al dar ejemplos musicales que iba en contra de la opinión general del genio de Haendel y, por consiguiente malestar Handelianos...En julio de 1738, fue nombrado director musical de la Sociedad Musical de Newcastle. Colaboró además en conciertos junto con John Garth en Durham, y participó de forma era activa en los teatros locales. Falleció el 10 de mayo de 1770, siendo enterrado en St. Andrew en Newcastle...

Avison - Concerto Grosso in G Major Op. 4 No. 6

Se vio involucrado en actividades de teatro locales - probablemente el suministro de música para los intervalos - como era costumbre en aquella época. Mantuvo esta posición, así como la de organista de la Catedral hasta su muerte. También organizó conciertos benéficos y eventos musicales en los Jardines de Newcastle.
La primera composición publicada por Avison (Seis Sonatas para dos violines y bajo continuo) se dedicó a Ralph Jenison (1696-1758) fue solventada por Jenison, un mecenas de las artes. Avison contó con la ayuda más adelante en sus estudios por el coronel John Blaithwaite que era un director retirado de la Real Academia de la Música.

Acontecimientos 1709

Alexander Selkirk es rescatado del archipiélago Juan Fernández, lo que inspiraría el libro Robinson Crusoe de Daniel Defoe.
Batalla de Poltava, en Ucrania: los suecos son derrotados por los rusos.
Invención del piano.
España. Extinción total de las instituciones de la Generalidad Valenciana.

Giambattista Vico publica la Séptima oración (De nostri temporis studiorum ratione), el discurso pronunciado en la inauguración del curso académico de 1708.
Bossuet - Política según las escrituras (La Politique tirée de l'Écriture sainte), póstuma.

El sacerdote Lourenço de Gusmão diseña un modelo de globo de aire caliente y se lo muestra al rey Juan V de Portugal.

Jean-Henri D'Anglebert Compositor Clavecinista Frances

2010-06-24T09:42:00.006-03:00

Jean-Henri d'Anglebert (1629-1691)
compositor y clavecinista francés de la corte del rey Luis XIV-Trabajo con Lully en la corte francesa, y que ejerzan el cargo como clavecinista del Rey, en la que sustituye a Jacques Champion de Chambonnières. Esta posición era hereditaria, y pasó al hijo de Jean después de su muerte.Su música forma un vínculo entre el de Chambonnière y la música de Couperin en las primeras décadas del siglo 18. Hizo una gran contribución a la evolución de la ornamentación teclado francés.
Su colección de piezas de clavecín (París, 1689) lo consagró como el clavecinista mas importante antes de Couperin, contiene cuatro suites (cada una con un preludio sin compás y con movimientos de danza en el orden allemande, courante, zarabanda, giga), junto con arreglos de teclado; la publicación también incluye un breve tratado sobre la armonía y ornamentos de la época.

Jean-Henry d'Anglebert - Suite II - 1°

D'Anglebert: Pieces De Clavecin
D'ANGLEBERT (Composer, Artist), J. Henry (Composer), Knox (Performer, Artist), Hank (Performer), Jean-Henri d'Anglebert (Composer), D'anglebert Jean-Henry (Composer), Hank Knox (Performer), Hank Knox (Artist), J.Henry D'Aanglebert (Composer) | Format: Audio CD
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Las cuatro suites teclado de dAnglebert, que incluye bailes, transcripciones y la apertura de preludios sin compás, son un elemento significativo en la música de teclado francés entre Chambonnires y Couperin. Su música publicada también incluye fugas para órgano.

D'ANGLEBERT: Passacaille d'Armide

Su estilo pone un contrapunto elaborado y preciso sistema de adornos al servicio de una elegante línea melódica, que nunca es oscurecida por las adiciones - sus suites presentan una instalación para trabajar con múltiples líneas simultáneas para formar un contrapunto unificado.Típicas de la época, su clavicordio suites incluyen preludios sin compás y todo tipo de bailes. Su celebrado Tombeau de Chambonnières, desde su único trabajo publicado, Pièces de clavecin (1689), rinde homenaje a la primera importante exponente francés de rendimiento clave solo, sino que su pequeño órgano deja entrever la bienvenida a la reproducción de la época. D'Anglebert también compuso cinco fugas para órgano basadas en un tema que compuso en su infancia, y un Kyrie.

Acontecimientos 1629

Las tropas holandesas de las Provincias Unidas asedian Bolduque en el marco de la guerra de Flandes.

Inundación en la Ciudad de Méx

Nacidos 1629

14 de abril: Christiaan Huygens, astrónomo, físico y matemático holandés (f. 1695)
17 de octubre: Baltasar Carlos de Austria, príncipe de Asturias, hijo de Felipe IV de España (f. 164

Fallecidos 1629

11 de julio: Bartolomeo Cesi, pintor italiano (n. 1556)
2 de octubre: Pierre de Berulle, cardenal y escritor ascético francés (n. 1575)

Instrumentos Musicales El Tambor Origen Caracteristicas

2010-06-23T20:34:00.009-03:00

El tambor es un instrumento antiquísimo y posiblemente el más conocido en el mundo entero. Generalmente se indica con el nombre de tambores a los instrumentos de la familia de los membranófonos cuya característica común consiste en la presencia de una caja de resonancia sobre cuyas abertura o aberturas se pone en vibración una o dos pieles tensadas. La palabra tambor deriva del término provenzal "tabor" que procede a su vez del árabe "tunbur". Hay otros instrumentos con este mismo nombre pero su naturaleza es diversa; tambores de madera, de bronce, etc.

Entre los membranófonos, los más primitivos son los de cerámica y los de marco. Tambores de cerámica han sido hallados en INSTRUMENTOS DE PERCUSIÓN
excavaciones arqueológicas de yacimientos de la época neolítica. Los tambores de marco constan normalmente de un montante de madera de forma circular, cuadrada o hexagonal sobre el cual se tienden una o dos pieles.

Son varias las maneras de sujetar y tensar las pieles. También es muy distinto el tamaño de la extensa gama de tambores que va desde el diminuto "tamborí" de la cobla hasta el majestuoso bombo o gran caja de la orquesta sinfónica o banda. Los tambores, en su forma circular y también cuadrada, aparecieron, ya en diversos tamaños, en el cuarto milenio a. de Cristo en la iconografía oriental. En Persia, Mesopotamia y Egipto se utilizaba como instrumento de culto religioso y más tarde se introdujo en el ejército con el objetivo de "intimidar al enemigo".

Cómo afinar un tambor de aire (Tambor de Batería)

El uso militar del tambor no interesó a los griegos y romanos, que se limitaron a los instrumentos de viento, dedicando los tambores exclusivamente a determinados cultos.
En la Edad Media existieron diversos tipos de tambores, simples y muy evolucionados, pero el más difundido fue el tamboril. Este constaba de dos membranas tensadas por medio de una atadura en forma de Y.

Su forma era generalmente cilindrica y sus dimensiones variaban según el país. Se tocaba suspendido del brazo izquierdo o del cuello, con la mano o con una baqueta. Un tipo de tambor semejante al tamboril pero de mayor tamaño, fue introducido en el ejército como instrumento de infantería.

El ejecutante lo llevaba colgado del hombro y apoyado en la cadera con una inclinación de cuarenta y cinco grados. La altura del marco era generalmente igual que el diámetro y se tocaba con dos baquetas.

El Tambor en la Orquesta Clasica
El Tambor de Granaderos - Chapí

En la pintura renacentista se observa casi siempre a los tambores tañidos por orientales, normalmente turcos. No es de extrañar, por lo tanto, que la primera aparición del tambor en la orquesta haya sido con el fin de imitar música oriental en "El rapto del serrallo" de Mozart. En la actualidad se usan en la orquesta sinfónica y de manera estable: el bombo (gran caja), la caja clara, el tambor militar y la pandereta o tambor vasco.

El Rapto del Serrallo - Obertura - W.A. Mozart

Preludes & Choruses From Zarzuelas
Miguel Roa (Artist) | Format: Audio CD
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Instrumentos Musicales El Gong y El tam Tam Caracteristicas

2010-06-23T19:06:00.009-03:00

El gong es un instrumento que consiste en un gran disco metálico de espesor variable y con el borde recurvado; está suspendido de un soporte también metálico y se toca golpeándolo con un mazo. Puede ser plano, ligeramente abombado o presentar en el centro una protuberancia llamada pezón. En tal caso el pezón constituye el punto de golpeo y produce un sonido de altura determinada. El gong es el instrumento musical más popular del Extremo Oriente.

Aparte de sus varias aplicaciones se le atribuyen también poderes mágicos para curar enfermedades o para rechazar espíritus malignos. Se usa en las danzas, en las obras teatrales, en ceremonias fúnebres, para transmitir mensajes, etc.

El resultado acústico y calidad del gong o tam tam dependerá de la mezcla de los metales con que ha sido fabricado. Normalmente son cobre y estaño con una proporción del 80% del primero y de un 20% del segundo. En ocasiones se añade algo de hierro para obtener un color mas oscuro. En Annam se construían gongs especiales que contenían una buena cantidad de plata.

El tam tam es un especial tipo de gong usado en China; su diámetro varía desde 30 a 65 cm. Su disco es plano, no tiene pezón, sino, al contrario, una leve depresión en el centro. Su borde es recurvado sólo parcialmente y la cara anterior viene martillada irregularmente para asegurar la complejidad del sonido producido. La cara posterior no se pule nunca.
El gong es un instrumento del Extremo Oriente pero no se conoce exactamente su lugar de origen. Según la tradición china, procede de la región de Hsi Yu, entre el Tibet y Birmania, donde se menciona ya en el sexto siglo a. de Cristo. Sin embargo, los investigadores han descubierto la existencia de dos instrumentos algo anteriores: el "tjing" coreano y el "rang" de Garó (Assam). Antiguamente los centros de producción del gong eran Birmania, China, Annam y Java. Hay que resaltar la importancia de Java donde se construían siete tipos distintos de este instrumento y de donde procede el nombre de "gong'

El Gong (Instrumentos Musicales)

Otros compositores incluyeron al instrumento en sus partituras; Bellini en "Norma" (1831); Meyerbeer en "Roberto, el diablo" (1831); y Halevy en "La juive" (1835); y desde entonces entró a formar parte definitivamente en la orquesta. El gong y el tam tam, aunque de sonoridad parecida, poseen diferencias sustanciales. El gong es menos penetrante que el tam tam y su uso es ideal para resaltar momentos descriptivos o de dramatismo. Junto con el metal, en pasajes graves y oscuros, causa gran impresión y escalofrío. También en momentos de vigor como en "Los cuadros de una exposición" de Mussorgsky-Ravel, su efecto es contundente.

La Juive-Halevy (Artist), Tucker (Artist), Hayashi (Artist), Gwynne (Artist), Guadagno (Artist) | Format: Audio CD
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El Gong (Soporte y Maza)

El Gong tiene una sonoridad muy clara y llega muy lejos pero su coste era muy superior al normal. En tiempos más antiguos se empleaba también en la mezcla cierta cantidad de oro. El gong —o también tam tam chino— fue introducido en Europa en el siglo XVIII y utilizado por vez primera en la orquesta sinfónica por Gossec en su "Música fúnebre para Mirabeau" (1791). Años después Lesueur lo empleó en su ópera "Los bardos" (1804) y Spontini en "La vestale" (1807).

Josef Gusikow Primer Gran Virtuoso del Xilofono

2010-06-23T00:08:00.006-03:00

Josef Gusikow (1806-1837) primer gran virtuoso del xilófono
En Polonia y Rusia meridional, el xilófono era muy empleado como instrumento melódico y fue un músico judeo-ruso, Gusikow, quien lo hizo popular, tocándolo en calidad de solista en largas tournées que efectuó por toda Europa. Nació en una familia de músicos en Shklov klezmer (actualmente en Bielorrusia). Originalmente Criado a tocar la flauta, como su padre, la debilidad en los pulmones lo obligó a buscar una especialización diferente. Construido en 1831, lo que llamó la madera y el instrumento de paja, el xilófono establecidos esencialmente hacia fuera como un címbalo en una caja de resonancia con los rollos de paja que permitió la resonancia voz alta. Existe un debate si este instrumento fue inventado Gusikov por él mismo, o por su contemporáneo Jakubowski Sansón. En este instrumento Gusikov desarrollado un virtuosismo extraordinario, y en 1834 dio conciertos en Moscú, Kiev y Odessa. Su virtuosismo provocó favorables comentarios de parte de Chopin y Liszt y atrajo también la atención de Mendelssohn quien, tras haberle escuchado, escribió a su madre: "Realmente, se trata de un fenómeno que no es inferior a ningún ejecutante en todo el mundo, tanto por su estilo como por su técnica y deleita tanto con su estrafalario instrumento más que muchos con sus pianos, precisamente a causa de su arcaísmo..., no había disfrutado tanto en un concierto desde mucho tiempo". El instrumento de Gusikow era un xilófono a cuatro hileras, tenía 28 barras afinadas por semitonos y colocadas sobre un soporte de forma trapezoidal. Durante todo el siglo se construyeron instrumentos inspirados en el xilófono de Gusikow, como el xylosistron del alemán Wiedner y el triphone construido por el parisiense Charles de Try. Este último, como Gusikow, fue un virtuoso del instrumento y parece que tras haberle escuchado, Saint-Saéns tuvo la idea de emplear el xilófono en su "Danza macabra", introduciéndolo así por vez primera en la orquesta sinfónica en el año 1874. Unos años más tarde Saint-Saéns empleó nuevamente el xilófono en "El carnaval de los animales" (1886). El xilófono de orquesta se construye hoy con rigor científico y el máximo cuidado. Las barras, de la más fina madera de rosal, son cuidadosamente secadas y afinadas con precisión, antes de ser utilizadas definitivamente.

Camille Saint-Saëns - Danse Macabre

Carnival of the Animals
Saint-Saens (Artist), Ortiz (Artist), Roge (Artist), Dutoit (Artist) | Format: Audio CD
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A Josef Gusikow se lo escuchó en un concierto en Odessa por el polaco Karol Lipinski violinista, y con el apoyo del poeta Lamartine Lipinski y emprendió una gira de conciertos de Europa Occidental, desde 1835 en adelante. Los conciertos, en la que Gusikov apareció en gabardina tradicional judía y fue generalmente acompañado por sus familiares en el bajo y los violines, estamos un extraordinario éxito, en París, por lo que era esa tocado un popular fue nombrado después de él, imitando a su Payot. Ambos jugaron Gusikow improvisaciones sobre melodías tradicionales klezmer judío y además de operar en las melodías populares de la época. Otras ubicaciones donde actuó incluidos Praga, Frankfurt y Viena.

Concertino para Xilófono y orquesta,
Toshiro Mayuzumi. version con marimba y piano.

El Xilofono es uno de los instrumentos de percusión de más personalidad, por sus cualidades melódicas y colorísticas. Su timbre leñoso y seco se ha utilizado para un sinfín de efectos, desde el carácter macabro que Saint-Saéns expresa en su célebre "Danza macabra" hasta el genial colorido que Stravinsky logra en "Petrushka". Su utilización es de gran eficacia sobre todo cuando toca junto con los instrumentos más agudos. El punto de percusión más sonoro es el centro de cada barrita.
Posibilidades técnicas
El xilofonista debe poseer un alto nivel técnico, casi de virtuoso. Este instrumento admite cualquier tipo de agilidad sea diatónica o cromática. Entre sus efectos especiales destaca el glissando que se obtiene resbalando muy rápidamente una baqueta desde el registro grave al agudo o viceversa.

Instrumentos Musicales Baquetas Caracteristicas

2010-06-22T22:37:00.012-03:00

Las baquetas
Los timbales se tocan por medio de dos baquetas —una en cada mano— con mango de caña de la India o de bambú, de unos 35 cm de longitud. Su cabeza es constituida por una pelotita de corcho revestida por un fieltro suave. Existen baquetas de distinta dureza según los efectos requeridos por la partitura a interpretar. Para efectos de violencia y sequedad se usan incluso baquetas de madera sin revestimiento alguno.En la orquesta actual se utilizan los timbales a pedales y su número dependerá de la partitura a interpretar. Tres es lo habitual, pero en muchas obras de nuestro siglo ya se utilizan hasta cuatro unidades. Estas se colocan de menor a mayor, según sus respectivos diámetros (58, 66, 74 y 82 centímetros). Su extensión total será de una 13a

Posibilidades técnicas
A través de los timbales actuales se puede realizar las más variadas piruetas virtuosísticas. La innovación de los pedales ha hecho que se pueda cambiar de notas con gran rapidez haciendo posible ejecutar pasajes que en su momento eran prácticamente inejecutables. Su gran personalidad, así como sus posibilidades, ha hecho nacer en nuestros días numerosas obras donde este instrumento actúa como solista. Existen incluso partituras sólo para timbales.En percusión clásica, aparte de las baquetas que son usadas para caja de marcha, encontramos asimismo los mallets o mazas usados para bombo clásico, tambores, glockenspiel y xilófonos, entre otros.

Timbre
Con los timbales se puede obtener los más diversos efectos tímbricos. Desde su utilización en los "crescendos" de frases altisonantes en forma de trinos, hasta los sutiles golpes en "pianissimo", una rica gama de matices convierte a este instrumento en uno de los más indispensables así como fascinantes de la percusión.

Sonata for two pianos and percussion 1st mov.

En la música clásica
se utilizan los timbales principalmente para reforzar los bajos en determinados acentos, no siendo frecuente que este instrumento actúe solo; el "Scherzo" de la Novena Sinfonía de Beethoven comenzó ya a ser una excepción. Se utiliza en los llenos orquestales así como en pasajes para acompañar los instrumentos de metal o de madera conjuntamente. Sin embargo, modernamente se le ha otorgado un rol casi solístico como es el caso de la "Sonata para dos pianos y percusión" de Bela Bartok.

Sonata for two pianos and percussion 1st mov.(2/2)

Bartok / Sonata for Two Pianos & Percussion [Original recording remastered]
Bartok (Artist), Casadesus (Artist), Rosen (Artist), Phl (Artist), Ormandy (Artist) | Format: Audio CD
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Francisco Antonio de Almeida Compositor y Profesor Portugues

2010-06-22T21:12:00.006-03:00

Francisco António de Almeida (1702–1755)
Compositor portugués del siglo XVIII. Entre 1722 y 1726 estudió en Roma, donde publicó dos oratórias, Il pentimento di David y La Giuditta. A 9 de Julio de 1724 participó en una academia organizada por Pier Leone Ghezzi, que en la ocasión le diseñó una caricatura, describiéndolo en la legenda como un «joven, pero excelente compositor de conciertos y de música sacra, que canta con extremo me gusta». Regresó Portugal en 1726, donde se hizo organista de la Capela Real y Patriarcal de Lisboa.

Fue profesor de piano de la Infanta Maria Bárbara de Portugal. En 1728, la primera de sus serenatas, Il Trionfo della virtù, fue realizada en Lisboa en el palacio del Cardenal João de la Moto y Silva. Su ópera cómica, La pazienza di Socrate, fue realizada en el palacio real en 1733.

Fue la primera ópera italiana en Portugal. Para las celebraciones carnavalescas, La Finta Pazza estrenó en el palacio real de Ribeira en 1735. Murió probablemente en Lisboa con el terremoto de 1755.

Francisco Antonio de Almeida - La Giuditta / Lootens Hill Congiu Koehler Concerto Koeln Jacobs
Axel Koehler (Artist), Martyn Hill (Artist), Lena Lootens (Artist), Francesca Congiu (Artist), Francisco Antonio de Almeida (Composer), Rene Jacobs (Conductor), Concerto Koeln (Orchestra)
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Introdujo la ópera en Portugal al representar en Lisboa La Pazienza di Socrate (representada en 1773, sólo se conserva el 3ª acto), La Finta Pazza (representada en 1735, perdida) y La Spinalba (representada en 1739), única de sus óperas que se conoce entera. Estas obras están influenciadas por el italianismo, pero además de su importancia histórica tienen ingenio y frescura.

Sinfonia da ópera "La Spinalba" de Francisco António de Almeida

Era sobre todo un compositor de los géneros vocales. Opera, oratoria, misas, motetes y serenata. Sus trabajos incluyen: "In pentimento di Davidde", "La Pazienza di Socrate", "Le trionfanti virtú", "Veni Sancte Spiritus", "Benedictus", "Miserere", "Beati Omnes", "O quam suavis est Domine ", y la ópera" La Spinalba ovvero Il vecchio matto ".

Además de algunas obras litúrgicas, incluyendo una misa y motetes varias,ha escrito música para las representaciones populares de la Natividad de Lisboa. Su ultima obra es la serenata L'Ippolito, realizado en el Palacio de Ribeira en 1752.

Otras obras notables como La Cantata leggiadro quel Espiritual de vuelta para soprano, violín y bajo continuo (con una estructura típica de la cantata italiana, la alternancia de recitativos y arias y una escritura brillante y virtuoso de gran poder retórico) o el Te Deum, para cuatro voces solistas, coro y orquesta.

Acontecimientos 1702

Estados Unidos - Las colonias de Jersey del Oeste y Jersey del Este se unen para formar Nueva Jersey (Estados Unidos).
Inglaterra - Sube al trono la reina Ana.
Guerra de Sucesión. Austria, partidaria del Archiduque Carlos, declara la guerra a Francia y España, partidarias de Felipe de Anjou.
Batalla de Rande, en la Ría de Vigo
14 de diciembre: Japón: Muerte de los 47 rōnin por haraquiri colectivo, por órdenes del shōgun.

México - Comienza a construirse el Templo de la Merced (Aguascalientes).
11 de marzo: Se publica en Londres The Daily Courant, el primer periódico de publicación diaria de la Historia.

Nacidos en 1702

José Nebra, compositor español (f. 1768)
Ignacio de Luzán, escritor español (f. 1754)
Marqués de la Ensenada, político español (f. 1781)
Francesco Zuccarelli, pintor italiano (f. 1788)
Thomas Bayes, matemático inglés.

Fallecidos en 1702

Robert Hooke, físico inglés (n. 1635)
Guillermo III de Inglaterra.
Antonio Gherardi, pintor, arquitecto y escultor italiano (n. 1638)

Albrechtsberger Compositor y Teorico Austriaco

2010-06-22T20:32:00.005-03:00

Johann Georg Albrechtsberger (1736-1809)
Compositor y teórico austriaco . Fue niño cantor en su ciudad natal. Comenzó sus estudios musicales en la abadía de Melk y de filosofía en un seminario jesuita en Viena. Para completar sus estudios científicos y musicales, se dirigió a la abadía benedictina de Melk (desde 1749). Aquí su hermosa voz de soprano atrajo la atención del futuro emperador Leopoldo, que en una ocasión expresó su alto aprecio y presentó al niño con un ducado. La biblioteca de Melk, le dio la oportunidad de estudiar las obras de Antonio Caldara, Johann Joseph Fux, Giovanni Battista Pergolesi, Georg Friedrich Händel, etc Graun También estudió filosofía en un benedictino (jesuita) seminario en Viena (1754) y se convirtió en un de los más instruidos y contrapuntists hábil de su edad. Su su profundo conocimiento de la música le dio un alto rango entre los teóricos.

En 1772 fue nombrado organista de la corte en Viena y desde 1793 hasta su muerte fue maestro de capilla de la Catedral de San Esteban de Viena. Dio lecciones a Beethoven y Mozart quien logró, a petición de éste, conseguir el puesto de ayudante del maestro de capilla de la catedral de San Esteban en Viena, con derecho de sucesión, se dio cuenta de una promoción de dos años después de la muerte de Mozart, en 1793.

Ganó distinción contemporánea como organista, compositor y docente, y se muestra un dominio particular del contrapunto, que se refleja en su propia 240 fugas y en los trabajos posteriores de su alumno de Beethoven.

Albrechtsberger - Harp Concerto

Concerto for Jew's Harp
Albrechtsberger (Artist) | Format: Audio CD
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Johann Albrechtsberger Concerto for Organ Finale

Albrechtsberger publicó una enorme cantidad de fugas y preludios y fugas, muchos de ellos ya sea órgano o clavecín. Dejó algo de 278 obras para teclado, que, en general, demostrar su habilidad técnica.Igualmente prolífico en música de cámara para diversos grupos de instrumentos, Albrechtsberger basa muchas de sus composiciones instrumentales de la sonata iglesia de la época barroca, con su contenido contrapuntístico.Mientras que cuatro sinfonías de Albrechtberger puede ser olvidado, sus conciertos para arpa judio en ocasiones han hecho un hueco en el repertorio de la trompeta moderna. También escribió conciertos para trombón, para arpa y órgano.
Obras impresas: Entreactos para Enrique IV, preludios y fugas para órgano, fugas para piano, 6 tríos para cuerda, 18 cuartetos para cuerda, un cuarteto con piano, 6 fugas para cuarteto, un quinteto para cuerda, 3 cuartetos dobles.
Manuscritos: 26 misas de las que hay 3 Réquiem, 6 oratorios, 4 sinfonías, 42 cuartetos de cuerda, 38 quintetos, 28 tríos de cuerda, numerosos himnos, ofertorios, graduales, etc.
Pero la gran fama de Albrechtsberger se debe más a sus escritos teóricos que a sus composiciones.Probablemente el servicio más valioso que prestó a la música fue en su obra teórica. Como profesor de composición muy influyente,publicó en 1790 en Leipzig su famoso tratado sobre la composición, una obra claramente escrita y accesible en el que formuló la teoría del siglo 18, de los cuales una tercera edición se publicó en 1821. Sus obras completas se publicaron en tres volúmenes, por su alumno, Ignaz von Seyfried (1776-1841) en 1826. Una versión en Inglés de este fue publicado por Novello en 1855.

Nacidos en 1736

19 de enero: James Watt, inventor de la máquina de vapor (f. 1819)
25 de enero: Joseph-Louis de Lagrange, matemático francés (f. 1813)
14 de junio: Charles-Augustin de Coulomb, físico francés (f. 1806)
4 de septiembre: Cándido María Trigueros, escritor, traductor y dramaturgo español (f. 1798)

Fallecidos en 1736

31 de enero: Filippo Juvara, arquitecto italiano. (n. 1678). ... 57 años.
31 de enero: Bruno Mauricio de Zabala, militar español. (n. 1682). ... 53 años.
2 de mayo: Albertus Seba, zoólogo y farmacéutico neerlandés de origen alemán. (n. 1665). ... 70 años.
16 de septiembre: Gabriel Fahrenheit, inventor y físico alemán de origen polaco. (n. 1686). .. 50 años.

Franco Alfano Compositor del Gran Final de Turandot

2010-06-22T19:24:00.009-03:00

Franco Alfano (1876-1954)

Estudió piano en Nápoles con Alessandro Longo y posteriormente asistió al Conservatorio de San Pietro a Maiella. Allí estudió armonía con Camillo de Nardis y la composición de Paolo Serrao. En 1895 se trasladó a Leipzig Alfano, donde continuó sus estudios con Sitt y Jadassohn. Al año siguiente se trasladó nuevamente, esta vez a Berlín, donde comenzó una carrera como pianista. Cultiva con igual pasión, la música sinfónica y la música Lírica. Poseedor de una experiencia instrumental, este genial musicista da a conocer "Sombra de don Juan",, representada en el teatro Scala de Milán en 1913; ópera de nuevo estilo, constituyendo un conjunto exquisito. Este trabajo coloca a su autor en un puesto de vanguardia.
"La leyenda de Sakuntala" (Boloña 1921) se enlaza directamente por su espíritu, con "Resurrección". También aquí notamos una idealidad suprema: el dolor que se sublimiza y trasunta, a través de la protagonista en mágico conjunto de sonidos, en una atrayente onda lírica, donde el canto fluctúa en una infinita gama de colores.

En 1902 Franco Alfano da a conocer "Resurrección", inspirada en la célebre novela de León Tolstoi, que puesta en escena por primera vez en el teatro Víctor Manuel de Turín, en 1904, recibe más tarde cordial acogida en todos los teatros europeos y americanos y forma parte del repertorio habitual de las grandes compañías líricas.

Un año después estrena "El príncipe Zilah", trabajo éste considerado de transición.Y así con la aparición de las nuevas tendencias experimentales, la obra de Alfano (más clásica, con influencias de Strauss y Debussy) fue un tanto relegada, y fue asimilado, con reservas, a la llamada "Generación del 80". En 1919 fue nombrado director del Conservatorio de Bolonia y, en 1923, del Giusepe Verdi de Turín, cargo que conservó hasta 1939.

Franco Alfano - Pax, for organ

Alfano: Cello Sonata; Concerto for Violin, Cello and Piano
Samuel Magill (Artist, Performer), Scott Dunn (Artist, Performer), Elmira Darvarova (Artist, Performer), Franco Alfano (Composer), -- (Conductor) Listen to samples

Cuando Puccini falleció en 1924, dejó el tercer acto de su última obra musical incompleto. El gran compositor dejó treinta y seis borradores del final de la obra. Los editores de Puccini y el famoso director Arturo Toscanini se debatían entre dejar la obra sin terminar o buscar a otro compositor para que la terminara. Decidieron terminarla y Toscanini eligió a Alfano para componer el último acto.

Le dieron un año a Alfano para terminar el acto final de Turandot, ya que Toscanini deseaba estrenar la obra en el día del aniversario del fallecimiento de Puccini. Alfano completó apresuradamente lo que pudo del último acto, utilizando los borradores de Puccini e incorporando su propio estilo en donde los borradores eran poco claros o donde no había música. Alfano escuchó la orquestación de los dos primeros actos sólo veinte días antes que su borrador estuviera listo.

Simplemente no tuvo tiempo de familiarizarse por completo con las intenciones orquestales de Puccini para la obra. La versión final de Alfano fue famosamente rechazada por Toscanini, lo cual truncó gran parte del trabajo de Alfano. En el estreno de Turandot en La Scala en 1926, Toscanini dirigió la obra hasta el momento en que Liu fallece, después bajó la batuta y anunció: “Aquí es donde la ópera termina, porque en este punto el Maestro falleció”. A pesar de que Toscanini y otros después dirigieron la mayor parte del final de Alfano, recién en 1982 se dirigió la obra completa. Desde aquel entonces la obra completa se popularizó. De todas maneras, la crítica que Alfano recibió por terminar Turandot, casi eclipsó sus propias obras que han quedado en la oscuridad hasta hace pocos años. (Leer Mas)

GLADYS SWARTHOUT SINGS " DIEU DE GRACE "

Sus obras más conocidas son óperas: Il principe Zilah (1909), La sombra de Don Juan (L'ombra di Don Giovani, 1914) y Leyenda de Sakuntala (La Leggenda di Sakuntala, 1921), a partir de la cual Alfano abandonó su naturalismo primitivo para crear un lenguaje más meditado y complejo en Madonna Imperia (1927), L'ultimo lord (1930), Cyrano de Bergerac (1936), Don Juan de Manara (1941), Il dottor Antonio (1949) y Suite Romántica. "Madonna Imperia" y el "L'ultimo lord (1930)" constituyen dos modelos elocuentes de ópera.cómico-sentimental, en las cuales el lenguaje del musicista se atenúa, respetando escrupulosamente la trama, y destacando, a su vez, el clima y los caracteres, También es elogiable el repertorio de música de cámara que Franco Alfano, infatigablemente ha producido, desde el primero al segundo cuarteto; de la sonata para violín y piano, y la so-Mala para violoncelo y piano, hasta el concierto para piano, viola y violoncelo, como asimismo numerosos poemas líricos.

Actualidad 1876

Heinrich Schliemann encuentra la ciudad perdida de Micenas.
Lord Lytton sucede a Lord Northbrook como virrey de la India.
Terminan las Guerras Carlistas en España.
Guerra de las Escuelas en Colombia.

Se forma la Liga Mayor de Baseball de los Estados Unidos de América.

Estreno del ballet Sylvia de Léo Delibes, coreografía de Louis Mérante en la Ópera de París.
Se estrena la ópera El ocaso de los dioses de Richard Wagner.

Alexander Graham Bell patenta el teléfono.
Williard Gibbs establece los fundamentos de la Química Física.
Francisco Giner de los Ríos crea la Institución Libre de Enseñanza en España.

Leibl: El cazador. (1844-1900), pintor realista alemán.
Benito Pérez Galdós: Doña Perfecta.
Mark Twain - Las aventuras de Tom Sawyer.
Julio Verne - Miguel Strogoff.

Orseolo Opera de Ildebrando Pizzetti Musica Argumento

2010-06-22T16:10:00.014-03:00

Ildebrando Pizzetti (1880-1968) Compositor, musicólogo, critico musical italiano. El "Orseolo" debe ser considerado como un drama, o sea como una acción de continua sucesión expresada, ilustrada e iluminada musicalmente. Con eso Pizzetti se acerca mayormente a la poética humanidad. Si él ha creado un drama en el cual las pasiones, acontecimientos, escenas, y situaciones, ocurren como en otros melodramas, todo ha sido renovado en la particular modulación de su espíritu. Ciertamente no se puede entender "sentir". Pizzetti poeta si no se comprende la pasión de Pizzetti músico, poeta nato en el espíritu de la música.El tormento de Pizzetti dramaturgo surge en su nueva ópera surge de la orquesta y de las voces. El vive su drama así como Orseolo vive su tragedia.Ildebrando Pizzetti nació en Parma el 20 de septiembre de 1880. Estudió en el Conservatorio de Camovon Giovanni Tebaldini. En 1908 fué nombrado profesor del mencionado conservatorio. Luego pasó al Instituto Musical de Florencia como profesor de armonía y contrapunto. En 1918 alcanzó el puesto de director del mencionado instituto al frente del cual continuó basta 1924.

Pizzetti: Orchestral Works
BBC Scottish Symphony Orchestra (Artist, Orchestra), Pizzetti (Composer), Osmo Vanska (Conductor) | Format: Audio CD
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Pizzetti es uno de los más notables compositores italianos contemporáneos.
Desde 1924 es director del Conservatorio de Milán. Su producción como compositor es muy subjetiva, pero de muy alta calidad. Además de la compocasión, su actividad se ha extendido en el terreno del profesorado y de la conferencia. Pizzetti ha cultivado principalmente el género escénico y también la música de cámara. Es autor de algunas piezas sinfónicas y de óperas entre ellas: "Fedra" (Scala 1915). "Abramo e Xsaceo" de Feo. Belcari (Turín 1926). "Debora e Jaeie" (Scala. 1922). "Pisanella" de G. D'Anunzio (Scala 1928). "Fra Gherardo" (Scala 1928). "Lo Straniero" (Roma 1930). "Rondo Veneziano" coreografía (Scala 1931) y "Orseolo" (Florencia 1935).

Pizzetti formó parte de la “Generación de 1880” junto con Alfredo Casella, Ottorino Respighi y Gian Francesco Malipiero. Estaban entre los primeros compositores italianos que en un cierto momento, decidieron que sus contribuciones principales no fueran operísticas y sus obras tuvieron una gran influencia en la actividad creativa y la cultura musical italiana de la primera mitad del siglo XX y contribuyeron notablemente a dar una nueva orientación a la música de ese periodo. El género instrumental y las composiciones a cappella eran tradiciones que no habían desaparecido del campo de la música italiana y habían producido, por ejemplo, el ciclo de Cuartetos de cuerda de Antonio Scontrino (1850-1922) o las propias obras del profesor de Respighi, Martucci, pero con la “Generación de 1880” estas tradiciones se consolidaron.(Via)

Crítica de la época:

La prensa de Milán
al referirse al estreno de "Orseolo" en el teatro Scala, dice lo siguiente:
"II Solé" — ...El autor de "Debora e Jaele", de "Fra Ghe-rardo", del "Stranniero", como así mismo de "Pisanella" y numerosos trabajos sinfónicos y de cámara, ha cumplido noblemente una obra teatral de extraordinario vigor, destinada a lograr señalados éxitos a través de los años.Este autor que puede definirse como "artista completo" y que se destaca entre los primeros compositores italianos de nuestro tiempo, ha aceptado finalmente amalgamar la palabra con la música, en las más severas formas, presentándonos una ópera lírica equilibrada. Abundan las escenas melódicas y conm ovedoras que se alternan con momentos líricos eficacísimos. Los intérpretes desempeñaron sus papeles con extensión de voz y acento perfecto. La ajecución no podía ser mejor".

"H Corrire della Sera"
...A solo ocho meses de distancia de su clamoroso bautismo de arte en el Comunale de Florencia, en donde representó uno de los más vivos y atractivos espectáculos del "Maggio Musicale". "Orseolo" del maestro Ildebrando Pizzetti, apareció ayer sobre la escena del teatro Scala, para apoyar la justificada curiosidad y expectativa de tantos admiradores que no habían podido aplaudir esta nueva producción teatral. Ensayo poético y musical, bien digno de los precedentes trabajos, producidos por la inagotable fantasía del autor transportada a un terreno histórico, sensiblemente alejados de aquellos o mitológicos o bíblicos o medioevales que en el pasado habían interesado al astro dramático del cantor de "Fedra", de "Fra Ghetardo" y de "Straniero"

Opera en 3 actos y 7 cuadros de Ildebrando Pizzetti. Estreno: Teatro Scala de Milán, el 15 de Enero de 1936. Intérpretes principales: Franca Somigli, Giovanni Boyer, Augusto Beuf, Tancredi Passero, bajo la dirección de su autor.

Al levantarse el telón se observa la biblioteca, estudio de Mar-cus Orseolo, inquisidor del Thtado y jefe del Consejo de los Diez. Miguel Soranzo informa a Orseolo de la denuncia presentada contra su hijo Marino por Rinieri Fusiner, miembro también del Consejo.Fusiner acusa a Marino de haber raptado, junto con tres deseo-nocidos a su hermana Cecilia y no habiendo recibido satisfacción algruna, presenta una segunda acusación, haciendo recaer la culpa sobre Orseolo, por no haberse ocupado del asunto, a fin de facilitar la huida del hijo.
Orseolo estaba ya enterado de todo, sin embargo considera la acusación como una calumnia de Fusiner, por haberse opuesto al compromiso de éste, con su hija Contarína. No podía creer Orseolo que un hombre de su sangre, hubiera cometido una acción tan grave, y desde hacía dos días ansiosamente esperaba a su hijo, para conocer de su propia boca lo sucedido.
A! mismo tiempo, Soranzo le advertía que la noticia había trascendido al público y le aconsejaba que no era oportuno concurrir a la gran recepción que ofrecía Grimani. Orseolo quedó solo en su biblioteca y por una puerta secreta entre un hombre disfrazado que apresuradamente cierra todas las puertas, quitándose en seguida la careta. Orseolo reconoce a su hijo a quien inquiere la verdad. Desgraciadamente la acusación se basaba en hechos concretos. "El y na compañeros habían abordado la góndola de los Fusiner, creyendo encontrarse con los tres hermanos, para darles una "lección" u calumnias que hacían circular contra la vieja nobleza veneciana. En la góndola estaba solamente Cecilia, la cual por el miedo de ser ultrajada se tiró al agua. La noche era obscura... |mal» en ese momento una patrulla policial... la chica no pudo ser encontrada. Marino pide al padre ayuda y dinero para poder huir. El dilema entre el amor de padre y el deber de juez del lugar, da lugar a una escena emocionante, pero Orseolo no puede enviar a su hijo a la tortura y entregarlo al verdugo. Sin pronunciar palabra, entrega a su hijo una cartera con dinero y cae, vencido por el dolor, sobre una poltrona. Instante después entra, vestida de fiesta Contarina lista para ír a la casa de los Grimani y pregunta al padre si ha visto a Marino, pues le había parecido oír su voz; Orseolo responde no saber nada. Contarina convence al padre de la necesidad de ir a la recepción y salen.

Durante la recepción Alvise y Delfino Fusiner consiguen raptar a Contarina, llevándola a la casa de los pescadores, decididos inexorablemente a aplicarle la ley del Talión,
El viejo pescador Lucas, que había avisado a Rinieri que Contarina se hallaba en la isla del estuario, informa a los otros dos Fusiner que en la playa de San Juan de Brayora, había sido encontrada una joven desmavada, suponiendo que se trataba de Cecilia: adoptaron esperar la llegada del hermano antes de tomar cualquier decisión sobre la suerte de Contarina.
Una vez en la isla Rinieri Fusiner asegura a Contarina que será respetada y se lo jura por el amor que le profesa. Entre los tres hermanos se producen escenas violentas que son interrumpidas por la llegada de Orseolo, quien viene acompañado por sus guardias y sirvientes y ordena que los Fusiner sean detenidos. Contarina implora al padre que los deje en libertad, dispuesta en caso contrario a hacer correr la voz que ella, por su propia voluntad, había ido a la isla para encontrarse con Rinieri. El Orseolo en principio vacila, pero inmediatamente rechaza los ruegos de Contarina y ordena el regreso a Venecia. La joven pide que la acompañen al Convento de las Carmelitas.

Ha pasado un año...
Cecilia ha fallecido en el mismo convento, perdonando a sus ofensores! También Marino ha muerto heroicamente, luchando por la causa de Dios contra los turcos. El Senado nombra una comisión para entragar !a espada del valiente Marino a Orseolo. Es designado Rinieri para cumplir la misión: éste abriga la esperanza de ser perdonado y obtener el consentimiento para casarse con Con-tarina, pero el viejo inquisidor, ya vencido por los años y el dolor, es inexorable, hasta el último momento de su vida.

Acontecimientos 1936

Miguel Hernández: El rayo que no cesa.
19 de abril: estreno del concierto para violín Dem Andenken eines Engels de Alban Berg en Barcelona.
Azorín: en Madrid se estrena La guerrilla, obra teatral.
Federico García Lorca: La casa de Bernarda Alba

Ciencia-Tecnologia

Erich Fromm: Autoridad y familia.
Walter Benjamin: La obra de arte en la era de su reproducibilidad técnica

Deportes

Juegos Olímpicos en Berlín (Alemania).
Se funda el CSD Municipal en la Ciudad Guatemala.
Se inaugura el estadio del Club Atlético Tigre, el Monumental de Victoria
Chile: Audax Italiano se consagra campeón por primera vez en su historia

Premios Nobel

Física: Victor Franz Hess, Carl David Anderson.
Química: Petrus Josephus Wilhelmus Debye.
Medicina: Henry Hallett Dale, Otto Loewi.
Literatura: Eugene Gladstone O'Neill.
Paz: Carlos Saavedra Lamas.

Domenico Alberti Compositor "Bajo de Alberti"

2010-06-22T09:48:00.007-03:00

Domenico Alberti (1710-1740) Cantante, clavicordista y compositor italiano cuyo trabajo media entre el Barroco y el Clasicismo.
Alberti estudió música con Antonio Lotti. Escribió óperas, canciones y sonatas para instrumentos de teclado. Es conocido por el uso frecuente de un tipo de acompañamiento llamado bajo de Alberti, aun cuando no fue el primero en utilizarlo. En su propio tiempo, Alberti fue conocido como cantante y frecuentemente se acompañaba a sí mismo con el clavicordio. Hoy, Domenico Alberti es considerado un compositor menor y sus obras son muy raramente ejecutadas, pero el bajo de Alberti (Bajos Albertinos) fue muy empleado posteriormente por los compositores para teclado en la era clásica de la música.

Domenico Alberti: VIII Sonate Clavicembalo Op. 1
Domenico Alberti (Composer), Filippo Emanuele Ravizza (Performer) | Format: Audio CD
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Escribió óperas, canciones y sonatas para instrumentos de teclado, para lo cual es más conocido hoy en día. Estas sonatas frecuente de un tipo particular de acompañamiento arpegiados en la mano izquierda que ahora se conoce como el bajo de Alberti. Consiste en regular acordes rotos, con la nota más baja que suena primero, luego el más alto, entonces la media y luego la más alta de nuevo. Este patrón se repite.
El bajo de Alberti fue utilizado por muchos compositores posteriores, y se convirtió en un elemento importante en la música de teclado gran parte de la era de la música clásica.
Se le deben de las partituras de las óperas: Endimion, de Metastasio; Olimpiada (Venecia, 1733) y Galatea (Venecia, 1738).

Acontecimientos 1710

Virreinato del Perú. Diego Ladrón de Guevara es el nuevo virrey.
Se desarrollan las batallas de Zaragoza, Almenar, Brihuega y Villaviciosa en el contexto de la Guerra de Sucesión Española.

10 de abril: Gran Bretaña. Entra en vigencia la primera ley sobre copyright, el Estatuto de Ana.
Termina la construcción de la Catedral de San Pablo (Londres).
Georg Friedrich Händel se convierte en el director de orquesta de la corte de Hanóver.
Última gran reforma del Palacio de Versalles.
Tomaso Albinoni compone un Concierto para violín y orquesta.
Giambattista Vico publica De antiquissima Italorum sapientia ex latinae linguae originibus eruenda.

Friedrich Böttger funda su propia fábrica de porcelana, una de las primeras en Europa.

Herbert Janssen Baritono del Repertorio Wagneriano

2010-06-20T21:21:00.006-03:00

Herbert Janssen (1892-1965)
Después de estudiar derecho y servir como oficial en la Primera Guerra Mundial, estudió con Oskar Daniel en Berlín e hizo su debut a finales de la Ópera Estatal de Berlín en 1922 como Herodes en Der Schreker de Schatzgräber. Permaneció con la compañía hasta 1938, donde fue un gran éxito no sólo en Wagner, sino también en las óperas de Verdi y el francés. También apareció como Orest y Príncipe Igor. Apariciones especiales seguido en Viena y Buenos Aires.

Fue considerado como el exponente excepcional de las partes barítono wagneriano más ligero (Kurwenal, Wolfram, Amfortas, Gunther, Telramund, Kothner, Donner, Heerrufer) y apareció en el Covent Garden (1926 - 1939) y Bayreuth (1930 - 1937). El régimen nazi le llevó a dejar Alemania (1938). Hizo su debut en la Ópera de Filadelfia en 1939 (como Wotan en Siegfried!). Él fue contratado de inmediato en el Met, donde permaneció desde 1939 hasta 1952.

Era un invitado frecuente en todos los teatros de ópera importante en Estados Unidos. Después de la jubilación Friedrich Schorr en 1943 se hizo cargo de él de mala gana los papeles más pesados de Wotan y Hans Sachs, pero no se adecuaba a su voz. A su juicio, la pérdida de perfeccionamiento vocal y oscurecimiento de sus tonos superior famosos. Herbert Janssen había sido siempre un favorito de recitales y conquistó una nueva generación de asistentes al concierto, cuando reapareció en Londres como una cantante de Lieder después de la Segunda Guerra Mundial. Se dice a menudo que él hubiera preferido a cantar óperas italianas, amaba Verdi! Al final de su carrera se convirtió en un entrenador vocal.

"Romance a l'étoile" Herbert Janssen

Helen Traubel And Lauritz Melchior Sing Wagner
Herbert Janssen (Performer), Lorenzo Alvary (Performer), Richard [Classical] Wagner (Composer), Artur Rodzinski (Conductor), Erich Leinsdorf (Conductor), Ernst Knoch (Conductor), Fritz Busch (Conductor), Roberto Kinsky (Conductor), Herta Glaz (Performer), New York Philharmonic (Orchestra), Astrid Varnay (Performer), Helen Traubel (Performer), Kurt Baum (Performer), Lauritz Melchior (Performer), Torsten Ralf (Performer) | Format: Audio CD
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Göta Ljungberg & Herbert Janssen sing:
"Mütterlein,bleib immer bei Mir" aus Die Drei Musketiere

Janssen provenía de una familia amante de la música y recibió su lecciones de canto por primera vez en su primera juventud. Sin embargo, estudió derecho antes de decidir una carrera profesional como cantante.

En 1922, el cantante ofreció su primer contrato en la Ópera Estatal de Berlín, comenzando con pequeños papeles, pero el aumento en el estado rápidamente. Un año más tarde, durante la temporada 1923-24 de Berlín, se presentó por primera vez como Wolfram en Tannhausser de Richard Wagner, un papel que se convertiría en una de sus marcas registradas...

Janssen siguió siendo un miembro del conjunto de la Opera del Estado hasta 1937. Durante este tiempo, apareció como invitado en la mayoría de los teatros de ópera y festivales en Europa.(Leer Mas)

Janssen fue muy impopular con el régimen nazi, en especial para una serie de observaciones burlonas. Advertido a abandonar Alemania en 1937, viajó primero a Inglaterra, luego se estableció en Austria. Cuando los nazis invadieron, huyó a Francia. Después de una temporada en Argentina, llegó a los Estados Unidos, donde hizo su debut en el Metropolitan Opera en 1939, permaneciendo en ese teatro hasta su jubilación en 1952. Estudió leyes y sirvió en la Primera Guerra Mundial.

Debutó en 1922 en la Staatsoper Berlín donde fue parte del elenco hasta 1938 obteniendo gran éxito en roles de Wagner, Verdi y el repertorio francés.En 1938 abandonó Alemania debido al régimen nazi, se estableció en Estados Unidos cantando en Filadelfia y el Metropolitan Opera de Nueva York entre 1939 y 1952. Fue muy requerido en las compañías de ópera norteamericanas.

Entre 1937 y 1948 visitó frecuentemente el Teatro Colón de Buenos Aires, anteriormente fue estrella en Covent Garden (1926 - 1939) y en el Festival de Bayreuth (1930 - 1937).Ideal como cantante wagneriano fue muy apreciado como Kurwenal, Wolfram, Amfortas, Gunther, Telramund, Kothner, Donner, Heerrufer.

Acontecimientos 1892

la isla Ellis empieza a admitir inmigrantes a los Estados Unidos.
Santiago Ramón y Cajal es nombrado catedrático de Histología y Anatomía Patológica de la Universidad de Madrid.
Theodoros Deligiannis termina su mandato como Primeros ministros de Grecia.
grupo de independentista cubanos en el exilio, liderados por José Martí, Antonio Maceo y Máximo Gómez fundan el Partido Revolucionario Cubano.

Arthur Conan Doyle publica Las aventuras de Sherlock Holmes.
Piotr Kropotkin publica La conquista del pan (Libro online)
María Nieves y Bustamante publica su libro Jorge, el hijo del pueblo

Hendrik Antoon Lorentz: La teoría electromagnética de Maxwell y su aplicación a los cuerpos en movimiento.
Henri Poincaré: Termodinámica.
En Buenos Aires, el inventor Juan Vucetich identifica a una asesina por sus huellas dactilares.

Giuseppe Verdi: Falstaff.
Chaikovsky: Cascanueces.

Elena Gerhardt Mezzosoprano Musica de Camara y Lieder

2010-06-20T20:40:00.005-03:00

Elena Gerhardt (1883–1961) Mezzosoprano alemana asociada al repertorio de cámara y canciones (Lieder) .Estudió en el Conservatorio de Leipzig e hizo su debut en Leipzig en 1903. Desde el principio se decidió en contra de una carrera operística, hizo una reputación internacional como un exponente de la canción alemana. Su interpretación de las canciones de Hugo Wolf fue considerado insuperable en su día. En 1933 se radicó en Londres, donde desarrolló su carrera como maestro. Dio su último recital en Liverpool en 1947.Considerada una de sus máximos exponentes y pionera de la cantante de cámara actual como sus dilectas sucesoras Lotte Lehmann, Elisabeth Schwarzkopf, Kathleen Ferrier, Christa Ludwig, Janet Baker y otras Gerhardt comenzó sus estudios musicales en el Conservatorio de Leipzig a la edad de 16 años, estudiando con Marie Hedmont.

Ella aparece como promesa y el gran conductor Artur Nikisch la acompañó en su primer recital en público que se dio en su cumpleaños número 20. En 1903 hizo su debut en la Ópera de Leipzig como en la ópera Mignon de Thomas y luego cantó Charlotte en Werther de Massenet. Sin embargo, pronto abandonó el escenario de la Ópera y se concentra sus actuaciones en recitales y conciertos. Un Liederabend "con Gerhardt y Nikisch, que a menudo era su pareja en el considerando, se convirtió en un acontecimiento importante.

En junio de 1906 cantó su primer recital en Londres y se convirtió en uno de los primeros cantantes de hacer una exitosa carrera en Inglaterra sin el beneficio de importantes producciones operísticas. Gerhardt hizo Leipzig su casa sin dejar de cantar en todo el mundo. Su debut en Nueva York, llegaron el 9 de enero de 1912, como parte de su gira por Norteamérica que de nuevo aparece como Artur Nikisch su pareja. Sus otros tours incluyen visitas a España, Rusia, Holanda y Bélgica. En 1932, se casó con Fritz Kohl, el director de la Radio de Leipzig. Cuando los nazis llegaron al poder, Kohl, junto con los directores de la mayoría de la radio, fue detenido. Cuando finalmente fue liberado, él y Gerhardt tomó la decisión de hacer de Londres su residencia permanente.

Elena Gerhardt - Gretchen Am Spinnrade (1925)

Schubert (Artist), Gerhardt (Artist) | Format: Audio CD
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Elena Gerhardt - Stille Nacht

En 1933, con la ascensión del nazismo, su marido fue encarcelado. Liberado en 1935, la pareja se estableció definitivamente en Londres.Sus recitales en Gran Bretaña - acompañada por Myra Hess o Gerald Moore - contribuyeron a la formación del gusto por la canción alemana en el Reino Unido, con celebrados conciertos en el Wigmore Hall y otras prestigiosas salas. En 1947, año en el que falleció su esposo, ofreció su último recital, en Liverpool. Se retiró del escenario para dedicarse a la enseñanza hasta su muerte, en 1961.

Entre 1906 y 1914 ofreció conciertos en Londres, incluso para la Coronación de George V y Queen Mary en 1911. Cantó en Viena, Budapest, Pragua, Copenhagen, Oslo, Cologne, Paris, Moscu, San Petersburgo y La Haya.

En 1912 actuó en el Carnegie Hall, siguiéndole una gira por Cincinnati y Philadelphia donde fue dirigida por Leopold Stokowski y un año después Boston, New York, Baltimore, Washington, París, Moscow y Escandinavia, culminando en 1914 en Londres dirigida por Richard Strauss.

Durante las hostilidades de la Primera Guerra Mundial se encontraba en gira por California, razón por la que fue deportada a Alemania. Dio conciertos en el frente alemán, además de giras por Hungría y Escandinavia, regresando a Estados Unidos en 1920.En 1928 conoció al Dr Fritz Kohl, funcionario de la Mitteldeutsche Rundfunk (Radio Alemana) de Leipzig con quien se casó en 1932, año en el que cantó dirigida por John Barbirolli y Thomas Beecham en Londres.En 1953 publicó su autobiografía.Fue una de las pocas mujeres en interpretar el Winterreise de Schubert-concebido para voz masculina- y una cantante cuya carrera se edificó prácticamente como cantante de cámara. Difundió la obra de Brahms, Mahler, Hugo Wolf, Schumann y Schubert.

Acontecimientos 1883

Fundación en Bengala de la Indian National Conference.
Fundación de la Sociedad Fabiana.
Intervención francesa en Madagascar.
se crea la Academia Venezolana de la Lengua.
Tratado de Ancón: Perú cede a Chile las provincias de Tacna, Arica y Tarapacá.
Erupción del volcán Krakatoa en Indonesia.
Se redacta la Constitución Federal de Antequera para los Cantones Andaluces, una de las primeras muestras de la voluntad de autogobierno del Pueblo Andaluz.
Se registra la marca Coca-Cola
14 de noviembre: Se funda la Biblioteca del Congreso Nacional de Chile.

Inauguración del Metropolitan Opera House de Nueva York.
Composición de la marcha fúnebre "Un Recuerdo" de Eduardo Lucena Vallejo", en Córdoba.
Nace el compositor Edgard Varèse
El poeta polaco Wacław Święcicki compone "la Varsoviana", que fue traducida al español como "A las barricadas".

Robert Koch - científico alemán - descubre las bacterias que causan la tuberculosis y el cólera.
Pierre Curie: Enunciado del principio de Simetría.
Georg Cantor pone los fundamentos de la teoría de los conjuntos matemáticos.
Ernst Mach: La mecánica en su desarrollo.
Friedrich Nietzsche - La gaya ciencia.
John J. Montgomery - primer vuelo controlado con una máquina más pesada que el aire
Exposición Nacional de Minería en Madrid

Vincent van Gogh: Campesinas.
Armando Palacio Valdés: El idilio de un enfermo. (Armando Francisco Bonifacio Palacios Rodríguez), (1853-1938), escritor español.
Walt Whitman: Días ejemplares. (1819-1892), poeta estadounidense.
Robert L. Stevenson:Publica el libro La Isla Del Tesoro (1883)

Emanuel Feuermann Violonchelista Austriaco

2010-06-20T00:48:00.009-03:00

Emanuel Feuermann (1902-1942)
Violonchelista austriaco.Se le comparaba con el violinista Jascha Heifetz, con quien tocó a menudo música de cámara.Se recuerda también sus interpretaciones junto al director Eugene Ormandy.Con treinta y nueve años de edad, uno de los mayores prodigios del violonchelo veía truncada su vida y su carrera profesional. Su pérdida conmocionó al panorama musical del violonchelo.A la edad de nueve años (1911), el niño Emanuel recibía clases de la mano de Friedrich Buxbaum, que en aquellos momentos ocupaba el primer atril de violonchelos de la Orquesta Filarmónica de Viena – además de ser miembro fundador del Rosé String Quartet–. Especialmente significativo para nuestro joven protagonista fue el conocer personalmente a Pablo Casals en su debut en la capital austriaca en 1912. Aquel acontecimiento marcó profundamente a Feuermann. Desde aquel instante, tuvo clara que su verdadera y auténtica vocación era el violonchelo, y se entregó al estudio técnico de su instrumento de forma incansable.Feuermann nació en una familia musical, en Kolomea, en Galicia, Polonia, en el año 1902. Su padre tocaba cello y violín, y fue el primer maestro de Emanuel. Su hermano mayor Zigmund fue un niño prodigio en el violín, y viajó por Europa.

Feuermann plays Dvorak and Popper

Great Moments in Cello Playing
Zara Nelsova (Performer), Pablo Casals (Performer),
Arnold Fooldesy (Performer), Emanuel Feuermann (Performer), Maurice Maréchal
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David POPPER : Spinning Song - Emanuel Feuermann (Cello)

Para cuando tenía nueve años, Emanuel estaba tomando lecciones de Friedrich Buxbaum, cellista principal de la Filarmónica de Viena.En febrero de 1914, a la edad de doce años, Emanuel Feuermann hizo su debut como solista , tocando el Concierto Re Mayor de Haydn con la Orquesta Filarmónica de Viena dirigida por Weingartner, con gran éxito.

En su funeral, un cuarteto de cuerdas –que incluía a Erica Morini y a Frank Miller– interpretó ad hoc el movimiento lento del opus 74 de Ludwig van Beethoven.Emanuel tocaba un violonchelo Gofriller, que posteriormente fue adquirido por el chelista estadounidense Joseph Schuster. Desde 1932 hasta su temprana muerte acaecida en 1942, Feuermann adquirió otro violonchelo, construido por el prestigioso maestro luthier veneciano Domenico Montagnana en 1735 (el artista tuvo que desembolsar más de mil libras esterlinas del año 1937).

En la actualidad, un coleccionista suizo está en posesión de este magnífico ejemplar, único en el mundo por sus dimensiones.Entre las interpretaciones más aclamadas por crítica y público, pueden citarse las del Concierto para violonchelo de Antonín Dvořák y del Doble concierto para violín y violonchelo de Brahms –con Jascha Heifetz al violín–.

Acontecimientos Año 1902

Fijación de los límites entre Chile y Argentina.
Guerra entre Brasil y Bolivia.
España - Alfonso XIII de España es proclamado rey.
Francia reconoce la hispanidad del Peñón de Alhucemas.
Irlanda - Creación del Sinn Féin.

Arte-Literatura

18 de marzo: El cantante italiano Enrico Caruso realiza sus primeras grabaciones fonográficas en el "Hotel di Milano" en Milán.
30 de abril: Primera representación en París de la ópera de Claude Debussy, "Pelleas y Melisande", basada en la obra de Maurice Maeterlinck.
4 de junio: Apertura en el Louvre del Museo de Artes Decorativas.
1 de septiembre: Se estrena en París el filme Viaje a la Luna de Georges Méliès.
6 de noviembre: Se estrena en Milán la ópera de Francisco Licea, Adriana Lecouvreur.
Se publica El problema de las causas finales de Sully Prudhomme.
Paul Gauguin: Montañas de Tahití.
Piotr Kropotkin: Ayuda Mutua: Un Factor en la Evolución.
Vicente Blasco Ibáñez: Cañas y barro.
José Martínez Ruiz, Azorín: La voluntad(novela).
Pío Baroja: Camino de perfección (novela)
Miguel de Unamuno: Amor y pedagogía (novela)

Hanns Eisler Compositor Segunda Escuela de Viena

2010-06-19T19:45:00.007-03:00

Hanns Eisler (1898-1962)
Perteneció a la Segunda Escuela de Viena, aunque después se sumó a los postulados del realismo socialista, vinculado a la Nueva objetividad ( surgido en movimiento artísticoAlemania a comienzos de los años 1920 rechazando el expresionismo) Compositor alemán y luego austríaco de música clásica europea. Eisler nació en Leipzig, donde su padre judío, Rudolf Eisler, fue profesor de filosofía. En 1901 la familia se mudó a Viena. Su hermana fue Ruth Fischer (Elfriede Eisler), líder del Partido Comunista Alemán (KPD) Su hermano fue el periodista y comunista Gerhart Eisler, que se creía que era un importante agente del Komintern que operan bajo el seudónimo de Hans Berger.

Louis Budenz, un jefe de redacción anterior del Daily Worker, lo llamó en un discurso en el otoño de 1946 "el número uno comunista en los EE.UU.". La revista Time escribió de él: "Él se volvió en China, encargada de purgar el partido de espías y disidentes, envió a tantos hombres a la muerte que era conocido como 'El verdugo'" Durante la Segunda Guerra Hanns Eisler sirvió como soldado de primera línea en el ejército austro-húngaro y fue herido varias veces en combate.

De regreso a Viena después de la derrota de Austria, estudió desde 1919 hasta 1923 con Arnold Schoenberg. Eisler fue el primero de los discípulos de Schoenberg a componer en los doce tonos o la técnica de serie. Se casó con Charlotte Demant en 1920; se separaron en 1934.

Hanns Eisler - Kinderszenen - A Child Went Forth (1941)

En 1925 Eisler se mudó a Berlín, a continuación, un invernadero de la experimentación en la música, el teatro, el cine, el arte y la política. Allí se hizo miembro del Partido Comunista de Alemania. En 1928, enseñó en la Escuela Marxista de Trabajadores en Berlín y su hijo Georg Eisler, que crecería hasta convertirse en un importante pintor, nació.

Su música se hizo cada vez más orientados hacia temas políticos y, para consternación de Schoenberg, más "popular" en estilo con influencias del jazz y el cabaret. Al mismo tiempo, se acercó a Bertolt Brecht, cuyo giro hacia el marxismo ocurrieron casi al mismo tiempo.

La colaboración entre los dos artistas se prolongó durante el resto de la vida de Brecht. En Nueva York, Eisler enseñó composición en la New School y escribió música de cámara experimental y documental. Mover poco antes de la Segunda Guerra Mundial a Los Ángeles, compuso varias bandas sonoras de Hollywood

Hanns Eisler - Nonett nr.1, Variationen

Eisler escribió la música para varias obras de teatro de Brecht, incluyendo La Decisión (1930), La Madre (1932) y Schweik en la Segunda Guerra Mundial (1957). También colaboraron en las canciones de protesta que han intervenido en la agitación política de la Alemania de Weimar en los años 1930.

Su Canción de la Solidaridad se convirtió en un popular himno militante cantado en las protestas callejeras y las reuniones públicas en toda Europa, y su Balada del artículo 218 fue la primera canción que protestaba contra las leyes de aborto. Brecht-Eisler canciones de esta época tienden a mirar la vida desde "abajo"-desde la perspectiva de las prostitutas, estafadores, los desempleados y los trabajadores pobres. Él trabajó con Brecht y el director Slatan Dudow en la película Kuhle Wampe que fue prohibido por los nazis en 1933.

Después de 1933, la música de Eisler y la poesía de Brecht fueron prohibidos por el Partido Nazi. Ambos artistas huyó, primero a Moscú si las medidas adoptadas fue producida y puesta en escena. Con el tiempo, buscaron refugio en los Estados Unidos, junto con otros exiliados que huyen de la Alemania nazi.Hanns Eisler murió en 1962. Debido a la elección de vivir en la Alemania Oriental comunista, su música ha sido totalmente ignorado en Occidente hasta hace poco tiempo, aunque ahora llega tarde pero seguro el reconocimiento internacional a sus obras.

Acontecimientos 1898

El Gobierno autónomo cubano asume sus funciones y comienza a gobernar.
Émile Zola publica su famoso Yo acuso en L'Aurore.
Cuba, el acorazado Maine zozobra en la bahía de La Habana a causa de una explosión.
Estados Unidos declara la guerra a España tras el hundimiento del crucero Maine en la bahía de La Habana (Cuba).
El general Emilio Aguinaldo proclama la independencia de Filipinas.
España pierde Cuba tras ser derrotada en la Batalla naval de Santiago de Cuba, bahía de Santiago la escuadra de seis barcos dirigida por el Almirante Cervera. Murieron 323 españoles.
Capitula Santiago de Cuba en la Guerra Hispano-Americana.
Una patrulla de soldados españoles al mando de Saturnino Martín Cerezo, cae en una emboscada en Baler, Filipinas, dando comienzo al sitio, que se prolongaría durante 337 días, de los que se conocerían como Sitio de Baler.
Capitula Puerto Rico en la Guerra Hispano-Americana.
España y Estados Unidos firman el armisticio de la Guerra de Cuba.
Capitula Manila en la Guerra Hispano-Americana.
Batalla de Fashoda en Sudán.
Segunda Presidencia de Julio Argentino Roca.
Se firma el tratado de París que pone fin a la Guerra de Cuba. España cede a Estados Unidos los territorios de Cuba, Puerto Rico y Filipinas, que representa el fin del Imperio español.
Batalla de Omdurman, cerca de Jartum. Gran Bretaña derrota definitivamente a los rebeldes sudaneses del Ejército del Mahdi.
Estados Unidos ocupa las islas Hawaii.
12 de diciembre: estalla la Guerra Civil de 1898 o Guerra Federal en Bolivia al mando del Cnl. José Manuel Pando.

Arte-Literatura

Émile Zola - Yo acuso.
Antonio Gaudí - Parque Güell.
H.G. Wells - La guerra de los mundos.
Vicente Blasco Ibáñez - La barraca.
Federico García Lorca - Poeta andaluz.

Ciencia

Pierre y Marie Curie - Radio.
Max Planck - Descubre el fotón.

Fritz Busch Pianista y Director Aleman

2010-06-19T17:53:00.006-03:00

Fritz Busch (1890-1951) Era el hermano del violinista Adolf Busch. Fritz Busch fue uno de los primeros artistas conocidos de prestigio internacional se vea obligada a emigrar a causa de sus opiniones políticas tan sólo unas semanas después de los nacionalsocialistas llegaron al poder.Nació en Siegen, Westfalia, Alemania, estudió primero localmente y luego en Colonia. Fue designado para la Ópera Estatal de Dresde, donde durante una década, elevó el nivel musical a un nivel excelso. Busch, quien se opuso con vehemencia a la ética de Hitler y el partido nazi, renunció en 1933. Su testamento por ser un gran mozartiano se ejemplifica en sus grabaciones excelentes de las óperas de Da Ponte. También fue muy admirado como director de orquesta sinfónica.

Fue el director musical de la orquesta Staatskapelle de Dresden desde hace diez años, sucediendo al mítico Ernst von Schuch. Durante diez años fue también el director de la Casa Opera de Dresde, o el "Semper", como se llama ahora. Durante ese tiempo trabajó sus dedos hasta el hueso y se fue a casa sólo para dormir, algo que incluso sus adversarios políticos reconocidos. En la década en la que trabajó en Dresde, los logros Fritz Busch fueron increíbles.Después de la derrota de la Primera Guerra Mundial, su liderazgo trajo el reconocimiento internacional de la Staatskapelle y la Ópera.

Pero a pesar de todos sus éxitos, su exilio de Dresden fue el 7 de marzo de 1933, como él mismo señaló lacónicamente en su diario. Él fue expulsado de la Ópera y despojado de su cargo, la justificación que se dio fue sencilla: Busch estaba asociado con Judios y había prohibido las esvásticas para ser colgadas de la fachada de la Casa de la Opera...

Fritz era un pianista notable que ofrecía recitales a la edad de siete años. Luego perfeccionó su conocimiento de todos(¡!)los instrumentos de la orquesta, los que logró dominar antes de cumplir doce. Después de estudiar con Steinbach, el famoso amigo de Brahms, comenzó sus actividades en Riga tras unos pocos conciertos en Bad Pyrmont. En 1911-12 dirigió en Gotha y Aachen. Tras ser herido como soldado volvió a esta ciudad, teniendo además grandes éxitos en Jena y Stuttgart.

En 1922 suceció a Reiner en la opera de Dresden. A pesar de no ser judío colisionó seriamente con los nazis y emigró en 1933. Era profundamente contrario a aquel regimen, como sus hermanos que se fueron con él (en solidaridad con Serkin, judío y perseguido). Busch se fue a Buenos Aires (Argentina) donde trabajó en conciertos y representaciones operísticas, guardando gratos recuerdos de sus años en la Argentina, a la que espaciadamente siguió visitando hasta 1945.

Cuando notó el enrarecimiento político de aquellos días, cesaron sus visitas. Una de sus hijas vivía hasta hace poco en San Vicente. Venerado a la altura de Toscanini y Kleiber en Argentina, todavía sus temporadas operísticas en el Colón, especialmente las alemanas y verdianas, se recuerdan devotamente.(Leer Mas)

FRITZ BUSCH LE NOZZE DI FIGARO (Overture)

Grabaciones Notables

1934–1935: Wolfgang Amadeus Mozart, Così fan tutte (abridged), with the Glyndebourne Festival Opera, feat. soloists Heddle Nash, John Brownlee, et al. (EMI Références, Naxos Historical)
1935: Wolfgang Amadeus Mozart, The Marriage of Figaro, with the Glyndebourne Festival Opera, feat. soloists Roy Henderson, Norman Allin, et al. (Naxos Historical)
1936: Wolfgang Amadeus Mozart, Don Giovanni, with the Glyndebourne Festival Opera, feat. soloists John Brownlee, Roy Henderson, et al. (Naxos Historic

Fritz Busch conducts Weber Freischütz Overture (1948)

Fritz Busch fue un prestigioso intérprete de las óperas de Wolfgang Amadeus Mozart y del repertorio alemán, especialmente Richard Wagner. Sus temporadas mozartianas en el Festival de Glyndebourne y la temporada alemana que fundó con Erich Kleiber en Buenos Aires se recuerdan gratamente, así como en Dresde y el Metropolitan Opera. Se negó a dirigir en el Festival de Bayreuth.Desde comienzos de la década de 1920 hasta 1933 permaneció en Dresde, aunque también fue director invitado en Bayreuth, Nueva York, Londres y en varias temporadas en el Teatro Colón (Buenos Aires).Durante esta época estrenó numerosas partituras, como Intermezzo, de Richard Strauss, Doktor Faustus, de Ferruccio Busoni, o Cardillac, de Hindemith.Tras abandonar Alemania por sus desavenencias con el partido nazi, trabajó con orquestas de todo el continente americano y europeas.Es de destacar el importante papel que desempeñó en los países escandinavos durante los últimos años de su vida.

Acontecimientos Año 1891

en Argentina, Joaquín V. González crea la Universidad Nacional de La Plata.
España: Instauración del Sufragio Universal Masculino.
Llegan a Colombia los 4 Salesianos comandados por Evasio Rabagliati

Francia: Clément Ader hace volar el primer avión de la historia, el Éole.
España: naufragio del buque inglés HMS Serpent en la Costa de la Muerte, causando 172 víctimas.
Charles Robert Richet realiza la primera inyección sueroterapeútica en un hombre.
Buffalo Bill llega a Barcelona con el circo con el que demuestra sus habilidades, durante su gira por Europa.
Estados Unidos: la primera Conferencia Internacional Americana, realizada en Washington, establece la Unión Internacional de las Repúblicas Americanas y una secretaría permanante: la Oficina Comercial de las Repúblicas Americanas.
Independencia de Luxemburgo.
Se crea la Caja de Conversión en la Argentina, entidad precesora del Banco Central.

Arte y Literatura

Se estrena en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo La dama de picas, ópera con música de Piotr Ilich Chaikovski y libreto de Modest Chaikovski (hermano del compositor) basado en el cuento homónimo de Aleksandr Pushkin.

Adolf Busch Violinista y Compositor Aleman

2010-06-19T17:01:00.004-03:00

Adolf Busch (1891-1952)
Violinista y compositor alemán.Estudió en el Conservatorio de Colonia y después de la primeras asociaciones con Ferdinand Löwe y Max Reger co-fundó el Cuarteto Busch. Busch nació en una familia musical que incluía a su hermano mayor, director de orquesta Fritz Busch. Formado en el violín desde los 3 años, Adolph Busch ingresó en el Conservatorio de Colonia a los 11 años.

Estudió dirección orquestal y composición con el director de la escuela, Fritz Steinbach, y ejercidas con mayor formación composición Gruters Hugo. Busch comenzó una larga asociación de realizar con el compositor Max Reger en 1907 y recibió su primera cita importante para orquesta en 1912 como líder de la Konzertverein vienés. Tras un intento de organizar un grupo que actuaba en 1913-que se vino abajo en medio del torbellino de la Primera Guerra Mundial, él co-fundó el Cuarteto Busch en 1918.

Durante los años 20 tempranos, con Gosta Andreasson, Doktor Karl, y Grummer Pablo en el grupo, el conjunto alcanzado renombre internacional por sus actuaciones y en 1930, más joven Busch hermano Hermann Busch logró Grummer como violonchelista. A lo largo de los años 20 y finales de los años 30, alcanzó fama en toda Europa en una doble carrera, como miembro del Cuarteto Busch y como solista, célebre por sus interpretaciones de Beethoven y conciertos de violín de Brahms, mientras que el cuarteto fue particularmente éxito con los cuartetos de Beethoven.

Bachs Chaconne played by Adolf Busch

Fue conocido también como profesor y entre sus estudiantes hubo futuras figuras como Yehudi Menuhin. Busch compuesto, así, muy en el molde de Reger, pero su reconocimiento se basa en su trabajo como músico de re-creativa. A mediados de la década de 1930, fundó la Jugadores Busch Sala, cuyos reducidos al mínimo, interpretaciones de obras tan barroco como de Brandenburgo de Bach Conciertos alcanzado gran popularidad en su tiempo y marcó un primer paso importante en la eliminación de las capas de grandilocuencia romántica de la época que se habían se les aplica. las siguientes grabaciones del grupo en Inglaterra una de estas piezas y las suites para orquesta, y obras como el Op Handel. 6 concerti grossi, fueron únicos en su tiempo y siguen siendo muy apreciados...

Busch fue nombrado líder de la Konzertverein Viena en 1912, bajo la dirección de Ferdinand Löwe, con cuyo apoyo fundó el Cuarteto de Viena Konzertverein. Se volvió a formarse como el Cuarteto Busch en 1919, un año después de Busch había comenzado a enseñar el violín en la Escuela Superior de Música de Berlín. En 1930 Hermann Busch se unió al cuarteto en el chelo. Bajo el liderazgo de Adolf que alcanzó la fama internacional, y fue famoso sobre todo por sus interpretaciones de los fines de los cuartetos de Beethoven. Otro compañero musical clave fue el joven pianista Rudolf Serkin, a quien Busch fue presentado en Viena durante 1920.

Se entabló una amistad inmediata y pronto estaban jugando el repertorio dúo para violín y piano a los grandes elogios de la crítica; a partir de 1929, tocaron todo lo de la memoria. Con la incorporación del violonchelista Hermann también jugó gran parte del repertorio trío con piano. Serkin se casó con la hija de Irene Busch en 1935. Busch fue también el solista de violín más activo en Europa, que aparece con casi todos los conductores principales: con Furtwängler sólo hizo apariciones diecisiete años, y en 1931 realizó una gira con Toscanini en Estados Unidos.

Adolf Busch plays Bach 1mvt Largo

Busch también organizó un trío de piano con su hermano Hermann y el pianista Rudolf Serkin, quien también se desempeñó como su acompañante y posteriormente se casó con la hija de Busch. Busch se trasladó a Estados Unidos en 1939 y el Cuarteto Busch fue reformado en 1941. Se mantuvo activo como solista, así como un miembro del grupo de cámara para el resto de su vida, y también dirigió orquestas. En 1950, dos años antes de su muerte, Busch fundó la Escuela de Música de Marlboro.Aunque Adolf Busch fue ante todo un instrumentalista de la más alta distinción, sus logros como líder de una orquesta de cámara sin conductor fueron considerables (que realizó sólo en algunas ocasiones en la década de 1920). Su liderazgo de las grandes fuerzas muestran las mismas cualidades que su solo y tocar música de cámara: una claridad excepcional del pensamiento, en combinación con profundo conocimiento musical y gran intensidad de expresión. Para los oídos contemporáneos sus actuaciones, con su uso sutil de dispositivos tales como rubato y portamento, puede parecer más romántico que es algo corriente. Las actuaciones de los jugadores Busch Cámara registrados antes de la Segunda Guerra Mundial poseer, en palabras de Robert Philip, un experto en las grabaciones de la década de 1930, "... claro texturas, piezas de fundición sensible de líneas melódicas, y un grado de equilibrio y la vitalidad rítmica que rara vez ha sido igualada. De las grabaciones de América, el conjunto de Handel es particularmente admirado.

Acontecimientos Año 1891

En Chile, el presidente José Manuel Balmaceda dispone la vigencia de la ley de presupuestos del año anterior, sin la aprobación del Congreso.
En Chile, se subleva la Armada, con el apoyo Congreso Nacional contra el Presidente Balmaceda. Inicio de la Guerra Civil.
Se inicia en el marco de la Guerra Civil de 1891 el Combate de la Aduana de Iquique.
Se promulga una Constitución Federal en Brasil.
Falcón se convierte el 18° estado de la Unión Venezolana.
Inauguración en Madrid del edificio del Banco de España.
Salida del primer número del Diario de Burgos.
Chile: Jorge Montt es elegido presidente.
28 de septiembre: Fundación del Central Uruguay Railway Cricket Club, club deportivo uruguayo conocido como CURCC que en 1913 cambia su nombre para Club Atlético Peñarol.
diciembre - El Dr. James Naismith inventa el baloncesto.
Fundación de la Oficina Internacional de la Paz en Suiza.
El politico danes Frederik Bajer fundó la Oficina Internacional de la Paz.